Antes de la llegada de las cámaras digitales, del cine 3D, las pantallas imax y Youtube, los artistas solían plantearse cómo plasmar un aspecto de la realidad a una superficie de dos dimensiones, es decir, cómo proyectarla, cambiarla, moldearla y crear nuevos finales o dejarlos en suspenso.
Aquí una cronología de los inventos que transformaron este arte en lo que conocemos hoy en día.
Siglo x– Siglo xix La cámara oscura
Justamente fue así que nació la cámara oscura. Los artistas se encerraban en salas oscuras donde se proyectaba, a través de un pequeño orificio en la pared, la imagen del exterior en una de las paredes.
Algo muy similar a las salas de cine hoy en día. Pero, al surgimiento de éste invento, nuevas necesidades comenzaron a surgir: ¿cómo fijar la imagen proyectada en la pared?
1839: El Daguerrotipo
El primero en plantearse la posibilidad de fijar las imágenes proyectadas en la cámara oscura en un soporte fue el pintor e inventor francés Louis Daguerre. Eso lo llevó a conocer al inventor Nicéphore Niépce, quien unos años atrás había inventado la heliografía —un proceso que involucra un soporte sensible a la luz y un tiempo de exposición de ocho horas—. Por un tiempo trabajaron juntos, creando así lo que sería el primer daguerrotipo, el primer procedimiento fotográfico que sería distribuido y puesto a la venta.
1895: El Cinematógrafo
En diciembre de 1895 los hermanos Lumière presentaron, ante un selecto grupo de intelectuales e inventores, un aparato que habían estado desarrollando por años: el cinematógrafo. Al ser proyectados, los veinticuatro fotogramas por segundo que capturaba la cámara se convertían en algo tangible y vivo.
Tanto así que los asistentes de aquella primera proyección pensaban que el tren en pantalla era real.
Años más adelante, los pequeños cortometrajes de los hermanos Lumière —que capturaban el día a día de sus familiares y amigos; así como situaciones que los rodeaban— fueron opacados por las ficciones de Georges Méliès, quién exploró las capacidades técnicas y creativas que permitía el cinematógrafo.
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1914: Película de 70 mm
Cuando el cine se formó, las filmaciones eran en celuloide de 35 milímetros. Éste era el estándar de la época y de la nueva tecnología. Sin embargo, a principios del siglo xx se comenzó a experimentar con una película de 70 milímetros, que creaba un grano más fino y una imagen de mayor resolución.
Hoy en día se sigue utilizando; películas como The Master (2012) de Paul Thomas Anderson o The Hateful Eight (2015) de Quentin Tarantino fueron filmadas bajo este formato
1926: El cine sonoro
Era inevitable la llegada del sonido al cine. Tras treinta años de filmar sin otro elemento sonoro más que la música que se tocaba en vivo en ciertas proyecciones, el vitaphone finalmente permitió que se reprodujera una pista sonora al mismo tiempo que la película.
La primera película que «rompió el silencio» con diálogos fue The Jazz Singer estrenada en 1927. Muchos, incluyendo Charlie Chaplin, consideraron la llegada del sonido como una señal del inminente declive del cine. Aunque no sucedió, las estrellas del cine silente se encontraron con un nuevo Hollywood que ya no los necesitaba como antes.
1929: Technicolor
La empresa Technicolor abrió sus puertas en 1916. Los primeros procesos que la empresa ofrecía era con un sistema de dos colores —el rojo y el verde— que se tenían que juntar con la película corriendo al doble de velocidad en un proyector especial. Por supuesto, no funcionó ya que el requerimiento de equipo especial era la principal razón por la cual muchos inventos no avanzaban en aquellos años.
Unos años después, en 1922, se dio a conocer un nuevo proceso que fue mucho más efectivo, con el cual se filmaron las cintas The Phantom of the Opera (1925), Ben-Hur (1925), The Ten Commandments (1923). El color había llegado para quedarse, por lo cual Technicolor comenzó a trabajar en un tercer proceso que sería aún más saturado y colorido.
1940 La Pantalla verde
Hoy en día la pantalla verde se elimina mediante la post-producción digital, pero en aquella época la técnica era mucho más elaborada y difícil: los actores eran puestos frente una pantalla verde, luego, se re-filmaba la escena con un filtro en la cámara que elimina lo verde en la imagen, y, finalmente, se unían los dos negativos en un proceso a mano para obtener el fondo o efecto especial que se necesitaba.
A lo largo de los años y conforme la tecnología ha avanzado, la pantalla verde se convirtió de un mero truco visual a una parte fundamental de las filmaciones. Hoy en día, un 70% de las filmaciones utilizan pantalla verde.
1955-1965: Equipo ligero y portable
Desde la fundación de Hollywood y sus grandes estudios, el cine había generado una especie de mito alrededor de sus filmaciones gracias a las grandes cantidades de luces que se empleaban y las enormes cámaras de cine.
Estar en un set era estar en un pequeño mundo ficticio.
Sin embargo, un grupo de críticos de cine en Francia creían que el cine no podía seguir siendo en sets, con cientos de personas de crew, y con equipo que era más grande que sus operadores. El líder de este grupo, de nombre Jean Luc Godard, decidió filmar su ópera prima con las cámaras más ligeras de ese momento, empleando luz natural o elaborando el equipo con lo que tenía —una silla de ruedas para las escenas en movimiento, por ejemplo. El resultado es una nueva ola de películas que se sentían vivas, frescas y libres.
1970 IMAX
Los estudios ya habían jugado con la idea de proyectar películas en grandes formatos —recordemos el Fox Grandeur de los años veinte—, pero fue con la empresa imax el proyecto tomó vuelo.
Iniciando con dos cines en Canadá, la empresa comenzó a expandirse a principios de la década de los setenta. Unos años más tarde comenzaría a probar con el 3D. Con la llegada de los proyectores digitales, la empresa aprovechó para expandir su producto a una gran cantidad de salas de cine. Su propuesta fue Digital imax, que utilizaba proyectores digitales tradicionales para proyectar contenido de una resolución mayor.
1976: Steadycam
Algo que liberó a las cámaras de cine de estar atadas a los tripiés o los rieles fue la invención del Steadycam. Ideada por Garrett Brown, éste invento permite al fotógrafo u operador desplazarse por dónde le convenga, acercándonos a la acción y a los personajes.
Las primeras películas en usar el steadycam fueron Rocky, Bound for Glory y, por supuesto, The Shinning. Gracias a la cinta de Stanley Kubrick, el steadycam se volvió un estándar en la industria. Hoy en día se utiliza en casi todas las películas.
1973- presente: Efectos especiales digitales
Los efectos visuales generados por computadora llegaron en el año de 1973, cuando se utilizaron por primera vez en el filme Westworld. Con un par de pixeles, los animadores le dieron vida a un mundo digital dentro del filme.
Sería unos años más adelante cuando Pixar sería la primera empresa en crear un personaje hecho enteramente a computadora. Fue para la película The Adventures of Young Indiana Jones, y el personaje era un hombre que se formaba a partir de una vidriera. Sin embargo, Hollywood comenzó a tomarse en serio el cgi cuando James Cameron lo utilizó en varias secuencias de The Abyss.
A mediados de la década de los noventa, Steven Spielberg utilizó los efectos especiales digitales para la creación de dinosaurios en Jurassic Park.
La buena recepción con el público y los críticos, llevó a que se convirtiera en tendencia. George Lucas, al ver la calidad de los efectos especiales en las películas de aquel momento, consideró adecuado comenzar producción de los nuevos filmes de Star Wars.
Pixar estrenó en 1995 la primera cinta hecha enteramente con efectos digitales: Toy Story. Le siguieron otras producciones, mientras la imágenes hechas a computadora mejoraron con los avances de la tecnología. James Cameron, quien fuera pionero de los efectos digitales, empujó las capacidades de los efectos especiales con Avatar.
1975- presente: Cámaras Digitales
Científicos comenzaron a desarrollar ideas para capturar imágenes con fotosensores desde la década de los sesenta, con la intención de usarlas en misiones espaciales. Sin embargo, la primera cámara digital en existencia se fabricó en 1975. Su resolución era de 0,01 megapixeles y tardaba 23 segundos en exponer.
En el cine, las cámaras digitales comenzaron a surgir a finales de los años ochenta.
No obstante, sería hasta el año de 1998 cuando aquellas cámaras comenzaron a capturar en hd, lo cual atrajo la atención de los cineastas. La primera película filmada enteramente en digital y HD fue Once Upon a Time in Mexico de Robert Rodriguez.
Los últimos quince años han traído muchas innovaciones al campo de la cinefotografía digital. La resolución de las cámaras ha evolucionado al grado de que ya existen cámaras que capturan hasta 6K, el equivalente a una imagen en 70 milímetros de celuloide.
1983: THX
Antes del estreno de Star Wars Episodio vi: El Retorno del Jedi, George Lucas buscó crear un certificado para los cines con el fin de asegurar una experiencia sonora de la más alta calidad. Nombrado en honor a su ópera prima, el certificado thx se volvió un estándar en la industria, con infinidad de cines cumpliendo la expectativa sonora.
Hoy en día, es indiferente si una película utiliza un sonido de formato digital o análogo, lo importante es que, si tiene el certificado, el sonido en las salas de cine suena lo más parecido a cómo lo mezclaron. Lucas logró su cometido.
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2000: Final cut
Cuando Apple desarrolló su primer programa de edición para profesionales, muchos lo consideraron un paso importante en cuanto a la digitalización del cine. Se trataba de un programa simple de usar, pero que podía reproducir y elevar las características de edición.
La industria comenzó a trabajar con Final Cut, siendo Steven Soderbergh y los hermanos Coen los pioneros en utilizar este programa para editar. Hoy en día, tanto estudiantes de cine como cineastas del calibre de David Fincher utilizan el programa para editar sus películas o cortometrajes. La interfaz se ha vuelto más sencilla y el programa mucho más variado.
2002: Digital Cinema Initiatives
Gracias a que los cineastas comenzaron a filmar con cámaras digitales, postproducir en computadores y a elaborar efectos visuales digitales, se creó un consorcio en 2002 para definir todos los parámetros del cine digital.
Los siete mayores estudios cinematográficos norteamericanos llegaron a distintas conclusiones, entre ellas que los cines debían comenzar a reemplazar los proyectores análogos por proyectores digitales. Las películas, en vez de ser distribuidas en latas con la copia, debían ser presentadas en dcp –digital cinema package–, un paquete que incluye la película digitalizada y lista para proyectar.
Al principio hubieron quejas, pero poco a poco los cines se fueron adaptando. Hoy en día se ha vuelto difícil encontrar un cine que siga proyectando en 35 milímetros.❧
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