Hace unos días me disponía a enseñarle las capitales del mundo, pero él, para evitarlo, rápidamente me preguntó la diferencia entre haya y halla, vaya y valla, y yo, sin adivinar sus verdaderas intenciones, amablemente le expuse:

vaya

Vaya, así escrito, es una interjección que sirve para manifestar que algo nos satisface: «¡Vaya, por fin me ascendieron!»; también, antes de un sustantivo y de acuerdo con la entonación que le demos, hablará bien de él: «¡Vaya chica!», o mal: «¡Vaya musiquita!». Vaya es también la forma verbal en presente perfecto, modo subjuntivo, del verbo ir, para la primera y tercera personas del singular:

«Convendría que —yo / él / ella— vaya, pues conozco / conoce mejor el tema».

valla

Cuando escribimos valla, con ll, nos referimos a una línea de estacas o de tablas adheridas al suelo con objeto de proteger o delimitar un espacio, y actualmente también se les denomina así a las carteleras publicitarias que vemos en las construcciones o en los terrenos baldíos. En atletismo se usa para referirnos a los obstáculos y, en ese sentido, metafóricamente podemos usarla para mencionar los «obstáculos» que encontramos en la vida.

baya

Pero también tenemos la palabra baya, y ésta nos sirve para referirnos a los frutos pequeñitos y carnosos que tienen semillas rodeadas de pulpa, como las uvas, las moras, los capulines, las cerezas, etcétera, o también a algunas plantas como la matacandil.

Ahora entremos a los otros homófonos relacionados que son igualmente complicados. Nos referimos a allá, halla, haya, aya, hallá y La Haya… ¡Uf!

halla

Pues bien, halla, así escrito, es la forma verbal en presente perfecto del verbo hallar para la tercera persona del singular, en modo indicativo: «Él / ella halla la forma de zafarse todos los días»; en modo imperativo se le atribuye a la segunda persona del singular en las variantes tú y vos, para las cuales se distingue con la tilde de la última a: «¡Halla el camino!» —tú— o «¡Hallá el camino!» —vos.

allá

Allá, sin h y con acento en la segunda a, es un adverbio de lugar menos determinado que allí, por lo que admite ciertos grados de comparación que no permite este último: «El pueblo está aún más allá».
También denota lejanía: «Allá en el Rancho Grande, allá donde vivía…».

Además, nos sirve para manifestar desdén o despreocupación respecto a los problemas ajenos: «¡Allá tú!», o alejamiento del punto espacial o temporal en que se encuentra el hablante: «Voy para allá» o «Allá en tiempos de la Independencia». Por último, como frase sustantiva puede referirse al mundo de ultratumba: «Nadie sabe nada sobre el más allá».

haya

Escrita con y, haya es la forma verbal en presente del verbo haber, para la primera y la tercera personas del singular, pero en modo subjuntivo: «Es una suerte que —yo / él / ella— haya encontrado boleto, pues es el único concierto que dará en México».

Con la misma escritura, pero como expresión coloquial, haya nos sirve para denotar que alguien no quiere participar en algo o que se separa de la decisión de otra persona: «Allá se las haya, pues no me parece correcta su decisión»; y también como locución interjectiva para desear bien o mal a alguien: «¡Bien / mal haya el que sí / no escucha consejos!».
Como sustantivo, el haya es un árbol de buena madera cuyos frutos se conocen como hayucos.
Pero, junto al artículo la y con mayúscula, La Haya, se refiere al nombre de la capital administrativa de los Países Bajos, ubicada en la provincia de Holanda, de la que también es capital.

aya

Por último, sin la h, aya es un sustantivo femenino que se refiere a la persona encargada de custodiar niños o jóvenes y de cuidar su educación, o también a la nana: «Mi aya es muy estricta, pero aun así la quiero».

Después de esta larga clase de ortografía me dispuse a continuar con la geografía, pero él me lanzó la siguiente perorata, con la que puso fin a mis intentos: «Mal haya quien no halla la forma de enseñarme que La Haya es la capital de Holanda, pues ni azotándome allá con la rama del haya podrá vencer esta valla; mejor voy por unas bayas, pues ni mi aya puede hacer nada, ya que sólo repite cansada “¡allá tú!”».
¡Vaya niño!

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Pruebas irrefutables

Antes de entrarle a los trancazos, definamos a nuestros contendientes: en esta esquina, la ciencia —del latín scientĭa, ‘conocimiento’—, un sistema ordenado del saber humano que estudia, investiga e interpreta los fenómenos naturales, sociales y artificiales. Ésta se revitaliza, miente y se desmiente constantemente, a modo de descifrar los cómos y los porqués del universo a través del conocido método científico, que no es más que la observación, experimentación, teorización y conclusión de todo lo que se pregunte.
Llámese lógica, geología o pedagogía, la ciencia engloba diferentes vertientes de la realidad en un único lenguaje y con una serie de leyes, teorías y principios establecidos: la interdisciplinariedad.

Ay, Dios

En la otra esquina, la religión. Tanto religiosos como especialistas siguen sin dar un significado apropiado sobre el término religión —que quizá proviene del latín religiō,‘ligar’—, aunque concuerdan en que es una combinación entre fe, dogma, revelación divina, profecía, ética y cosmovisión, arraigada por la tradición oral y escrita. Esto quiere decir que una religión no cambiará en absolutamente nada si es que perdura por los siglos de los siglos.

“No veo razón para creer que el creador de la materia tuviera algún motivo para interesarse en nuestra insigni cante especie en un rincón diminuto del universo”
Rosalind Franklin

Asimismo, la religión trata de explicar la relación de la humanidad con elementos sobrenaturales, trascendentales y espirituales; es decir, se trata de una vía para la búsqueda del conocimiento ligada a la existencia de uno o varios seres divinos. Con estas premisas se puede notar una similitud entre ambos contendientes, pues los dos buscan las verdades que la humanidad afrontó, afronta y afrontará hasta que todos nos volvamos polvo estelar o viajemos a un lugar mejor.
“Creo que el universo es gobernado por las leyes de la ciencia. Tal vez fueron decretadas por Dios, pero Dios no interviene para quebrantarlas”.
Stephen Hawking

Round 1

Los avances en el campo de la neurociencia han revelado que nuestra mente funciona con tantos compuestos que puede considerarse un «coctel cerebral», debido a la mezcla de compuestos: si hay exceso de dopamina, uno tiene esquizofrenia; si abunda la serotonina, uno está feliz; si hay un balance entre estas dos y la oxitocina, uno está enamorado; lo mismo pasa con la noradrenalina —también conocida como «la hormona del estrés»—,un neurotransmisor que incluye directamente en la amígdala cerebral, que además de encargarse de mantenernos atentos sobre todo lo que nos rodea, también se dispara en situaciones de riesgo.

Por otro lado, con una resonancia magnética —y otras técnicas especiales— es posible localizar las regiones del cerebro que se estimulan cuando se realizan diversas tareas; por ejemplo, al escuchar música se activan cinco cortezas del cerebro: auditiva, sensorial, motora, prefrontal, visual y hasta el cerebelo. Pero lo que ha generado intriga es que de la misma forma estas zonas se activan al hacer algo totalmente diferente, como practicar un deporte, leer o rezar.

Ilumínate

En 1998 se realizó un estudio entre los científicos más prominentes de la Natural Academy of Sciences, en el cual se demostró que 72% de ellos se consideraba ateo, mientras que sólo 7% se calificó como creyente de alguna religión —en el faltante 21% estaban los dudosos y los agnósticos—. Esto no quiere decir que una persona religiosa no pueda aportar a la ciencia, recordemos a personajes como Gregor Mendel, un monje agustino católico, nombrado el «padre de la Genética» gracias a sus experimentos con la planta del chícharo; o el de Isaac Newton, considerado «el mejor científico de la historia» por haber cimentado las bases de la mecánica clásica, quien además fue arrianista —creencia cristiana no trinitaria—, teólogo y alquimista.

“Creo en un Dios que se revela a sí mismo en la armonía de lo que existe, no en uno que se preocupa por las acciones de los humanos”
Albert Einstein

Se dice por ahí que «sólo los locos pueden ser felices» porque no ven la realidad tal cual es, porque viven en un mundo propio que se han construido para no lidiar con el vacío, con lo efímero y banal que es el existir de los seres humanos.
Los felices están locos porque construyen su propia mentira, porque no ven lo que realmente debe verse: la falibilidad, la debilidad y el vago devenir en la existencia misma.

«En casi toda la historia, Anónimo ha sido una mujer».

^{Virginia Woolf}

Al lado de ellos, nos encontramos con otros: una gran masa infeliz que parece feliz porque tiene una «paz barata», que prefiere «no ver» y «no pensar»; esa que puede afiliarse a religiones, sectas, partidos políticos o a cualquier célula ideológica, para que otros piensen por ellos y así quitarse de encima la responsabilidad de su propia vida o que simplemente se quedan en la penumbra de la mediocridad abusando del recurso, llámese éste ejercicio, droga, alcohol, dinero, compras o lo que sea, para poder sobrellevar el día a día.

Sin embargo y por buenaventura, hay también otra clase de personas que hacen la noria girar, que se atreven, que se inconforman y se cuestionan todo, que son apocalípticos —a la manera de Eco— y que, la mayor parte de las veces, no son felices, o si lo son es porque han aprendido a vivir con el vacío, con lo que no está —y no estará nunca.

Una luz aquí requiere una sombra allá.

Virginia Jackson Stephen Duckworth —Woolf al casarse— es uno de esos seres; no sólo por no haberse conformado con su destino, por haber disentido y por haber osado lo que osó en su época y lugar, sino también por haber sufrido y deseado, y por ser una mujer de contrastes. Heredera de la cultura falocrática de la época victoriana, luchó incansablemente contra ese tiempo que le tocó vivir y contra una enfermedad morbosa y fatal; contra lo que su sensibilidad aguzadísima y su inteligencia suprema no podía concebir ni aceptar, y contra su circunstancia, que siempre le quitó el aire y que terminó por ahogarla.

Hija de una familia acomodada, creció rodeada de un ambiente literario y cultísimo. Su padre, Leslie Stephen, casado con Julia Jackson Duckworth, fue un crítico literario que poseía una amplia biblioteca. Cuando ella cumplió los 16 años, por fin pudo entrar sola a aquel lugar prohibido y explorar todo lo que deseaba. Así empezó a leer un ejemplar tras otro: «Ginia está devorando libros, casi con más rapidez de la que yo quisiera» —diría su padre—. Pero, de todas formas, ella sentiría durante toda su vida que su educación había sido deficiente por ser mujer, ya que Cambridge era un lugar reservado a los hombres y, por lo tanto, ellas —su hermana Vanessa y la propia Virginia— podían pasar las mañanas estudiando griego o pintura, pero las tardes las consagraban a ocupaciones propias de su «papel histórico», como servir el té o mostrarse amables con las visitas. Sin embargo, tanto Vanessa como Virginia habían heredado la independencia, la inteligencia y el gusto por el arte, la una por la pintura y la otra por las letras.

Pronto padeció la joven Virginia la primera de sus depresiones —se dice que tenía principios de esquizofrenia y que era maniacodepresiva o bipolar— tras la repentina muerte de su madre, el 5 de mayo de 1895, cuando tenía 13 años, y la de su media hermana Stella, dos años más tarde. Poco después, la muerte de su padre da pie a una segunda crisis nerviosa que incluso la incapacita: durante estas crisis no hablaba, no comía y se la pasaba en cama sufriendo una angustia y una tristeza abismales, o bien, tenía periodos maniacos en los que no paraba de moverse, hablaba incoherencias, alucinaba y no dormía.

Esta enfermedad sería el sello distintivo de Woolf, la definió, fue el hilo conductor de su vida y la razón de su muerte.

Con su hermana Vanessa —pintora que se casaría con el crítico Clive Bell— y sus dos hermanos, se estableció al poco tiempo en el barrio londinense de Bloomsbury. Su casa se convirtió en centro de reunión de antiguos compañeros universitarios de su hermano mayor, entre los que figuraban intelectuales de la talla del escritor E. M. Forster, el economista J. M. Keynes y los filósofos Bertrand Russell y Ludwig Wittgenstein, y que sería conocido como el grupo o círculo de Bloomsbury.

En 1912, a los 30 años, se casó con el escritor Leonard Woolf, economista y también miembro del grupo, y a pesar de su bajo rango social y económico —Woolf se refirió a Leonard durante su compromiso como un «judío sin un céntimo»— la pareja compartió un lazo muy fuerte que duró 30 años.

El artista, después de todo, es un ser solitario.

La ética del grupo de Bloomsbury estaba en contra de la exclusividad sexual, y en 1922, Virginia conoció a la escritora Vita Sackville-West, con la que inició una relación que duró la mayor parte de los años 20. A ella fue dedicada una de sus obras más emblemáticas: Orlando (1928), que narra la vida del héroe homónimo de dos sexos que abarca tres siglos.

Todos y cada uno de sus libros no sólo se impregnan de sus vivencias, sino también de los acontecimientos que se suscitan en su tiempo: la aparición de la psicología, la I Guerra Mundial, la rebeldía de las vanguardias pictóricas y literarias, lo consciente y lo inconsciente, la irrupción del cine, la condición de la mujer, el librepensamiento, la habilidad de introspección, la reflexión y el análisis constante como fuente inagotable.

Algunas de sus obras

• Al faro (1927)
• Los años (1937)
• Las olas (1931)
• Orlando (1928)
• Entre actos (1941)

A lo largo de su trabajo como novelista, sobre todo en Orlando, El cuarto de Jacob, Flush, Al faro y La señora Dalloway, así como en su libro de ensayos Una habitación propia, puede verse desarrollada la premisa que abanderó a lo largo de su vida y obra: el ser humano se encuentra siempre atrapado entre el paso del tiempo, la muerte, el devenir, la fertilidad imparable —antes de los anticonceptivos— que margina a la mujer; la guerra, los conflictos de la mente, la infancia que se convierte en destino y el sinsentido del acontecer cotidiano; en este sentido, Woolf abriría caminos antes inexplorados en la manera de narrar y de vernos a nosotros mismos.

Conoce también: La despedida de Virginia Woolf

El flujo a la inconsciencia

Después de haber leído a Freud —la primera traducción al inglés de la obra del padre del psicoanálisis se imprime en la editorial de su propiedad— desarrolla su propio método psicoanalítico para explicar las sensaciones, la memoria y la represión, el fluir de la conciencia a la manera de Joyce, que fue su coetáneo, trayendo y llevando las palabras para lograr que éstas reflejen vagamente las imágenes del inconsciente.

El día 28 de marzo de 1941, por la mañana, Virginia se encaminó al río Ouse, cerca de su casa de campo en Sussex, metió piedras a su abrigo y se sumergió en el agua y en la muerte. Era un día frío y luminoso, tenía 59 años y había dejado dos cartas, una para su hermana Vanessa Bell y otra para su marido Leonard Woolf, las dos personas más importantes de su vida.

Conoce acerca de su trabajo como novelista, de su acercamiento a Freud y de su muerte en Algarabía 71.

Referencias:

1. ↑Umberto Eco, Apocalípticos e integrados, Colección Fábula, México: Tusquets, 2009.
2. ↑v. «Bloomsbury, el grupo de un largo fin de semana», en Pago por ver… y por oír, Colección Algarabía, México: Lectorum y Otras Inquisiciones, 2007.

María del Pilar Montes de Oca Sicilia es amante de la buena literatura, de la clásica, de la que juega magistralmente con la lengua, de la que perdura y acompaña y libera, como la de Virginia Woolf, pero es, ante todo y sobre todo, una ferviente apocalíptica, que ha aprendido a vivir con la falta y el vacío y por tanto puede considerarse feliz, a ratos.

El aprendizaje mediante la comida está presente en diferentes cocinas y la japonesa ha sabido mantener en la suya muchas enseñanzas religiosas, tradicionales y comunitarias. Además, para los japoneses hay una clara relación entre belleza y funcionalidad que no podía quedar fuera de la estética impresa en sus platillos.

¿El arroz es la base de la comida japonesa?

Muriel Gomez Pradas explica en su libro La comida en japón, que el vínculo entre los japoneses y arroz, se debe a que a que los arrozales son elementos imprescindibles de su tierra, pero más allá de la geografía este cereal es considerado el alimento más puro, por lo cual es base de toda su cocina, en contraposición con la carne —cuya sangre es considerada impura — así que es preferible evitarla y casi nunca se encuentra en platillos de rituales religiosos.

Los sagrados alimentos

El más relevante de los rituales japoneses que liga a la religión con la comida es el matsuri, un ritual en el que los hombres pueden comunicarse con los dioses mediante la ofrenda de alimentos que se presentan de la forma más natural y fresca posible, además su preparación debe ser asequible para toda la comunidad entre la cual se comparte como finalización del rito. 

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Comida japonesa mar y tierra

Pero el arroz no es el único elemento culinario que tiene un gran simbolismo y tradición. Con la llegada del budismo a Japón —en el siglo VI— se fomenta la clemencia y respeto a los seres vivos por lo que la carne y el pescado salieron del menú, incluso en el siglo VII se hizo legal la prohibición de su consumo, pero sólo se aplicó popularmente para los animales terrestres, ya que los platillos con pescado y otros animales marinos nunca dejaron de consumirse.

¿Te llenaste?

La dieta japonesa —además de bella, fresca, natural y balanceada — es suficiente. Otra herencia del budismo que permanece en Japón hasta estos días es que no es necesario comer hasta no poder más, lo ideal es comer solo lo necesario para ganar energía, por lo cual, tanto las porciones como la variedad de grupos alimenticios se selecciona y presenta cuidadosamente en cada platillo.

Como puedes ver, la comida japonesa se rige por tradiciones que marcan desde la significación de los ingredientes que pueden o no ser incluidos hasta la temporada en la que los platillos pueden ser preparados y los instrumentos con los que deben ser comidos haciendo de cada reunión alrededor de la mesa un ritual de comunidad y pertenencia.

Lee más como esto: Para escribir en japonés

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Origen de los perros

Diversos estudios han planteado, que los perros son descendientes directos de los lobos. Los primeros asentamientos sedentarios, lograron domesticar a esta especie, hace unos 20,000 años, según los primeros vestigios encontrados en el continente europeo. Por otro lado, se tiene registro de que hace 12,500 años, se empezó a domesticar a los perros en Asia.

Una investigación realizada por Science Advances, descubrió que los primeros perros domesticados, padecían una especie de hipersociabilidad, debido a un cambio en el componente genético derivado del síndrome de Williams-beuren. Esto hacía que los perros fueran más dóciles con los seres humanos, a diferencia de los lobos salvajes.

Con el paso de los años, las mutaciones genéticas, la experimentación y la cruza entre diversas razas, fue asentando las bases para lo que hoy se considera, “perros modernos”. Sabemos que es difícil de creer pero, ¿te imaginas que el tataraabuelo de tu Pug, fue un Lobo salvaje? Sin embargo, no todo es color de rosa en esta nota, gracias a las diversas variaciones en el ADN de los perros, las anomalías congénitas han comenzado a aparecer. Haciendo que las crías desarrollen problemas de salud en diversas etapas de su vida.

Anomalías congénitas, reflejo de años de transformaciones

Un estudio de la UCM -Universidad Complutense de Madrid-, revela que a través de las diversas transformaciones que han sufrido los perros, se ha reducido considerablemente la diversidad genética de muchas de las razas de perros hoy existentes. Aunado a este hecho, encontramos que las malas prácticas de los criaderos caninos, han deformado las líneas genéticas de estos animales, provocando daños irreparables en muchas especies. Estos hechos, se han presentado como factores claves para que ciertas razas, sean más susceptibles a anomalías congénitas e innumerables desórdenes, mismos que producen un alto grado de dolor y que con el tiempo, se puedan producir daños crónicos severos.

Como menciona el estudio “Las razas de perros modernas se originaron, y se siguen originando, a partir de un número relativamente pequeño de animales fundadores” esto provoca que la reproducción entre individuos de una misma línea sanguínea, reduzca la diversidad genética. Por lo tanto, es probable que al nacer las nuevas generaciones de cachorros, un porcentaje considerable acarré problemas de salud, gracias a las modificaciones dentro de su ADN.

Razas con mayor índice de anomalías congénitas

Aunque este listado no busca generalizar, algunos estudios han demostrado la diversas patologías que se pueden presentar en un organismo, de acuerdo a su raza u origen:

Bloodhound: Esta raza puede presentar diversas anomalías, entre las que destacan: Dilatación gástrica, Displasia de cadera, Ectropión, Entropión, Hipertiroidismo y Parálisis de Stockard.

Border Collie: Anormalidad del ojo del Collie, Atrofia progresiva de retina, Discinesia ciliar primaria, Displasia de cadera, Epilepsia, Luxación de cristalino -entre otros-.

Borzoi: Atrofia progresiva de retina, Calcinosis circunscripta, Cataratas, Higroma, Linfedema, Tiroiditis linfocítica, Microftalmía -entre otros-

Boston Terrier: Acalasia esofágica, Acondroplasia, Atopia, Cataratas, Ceguera, Distocia, Distrofia endotelial, Espina bífida, Glaucoma, Hidrocefalia, Hipoplasia de la tráquea -entre otros-

Chihuahua: Luxación de rótula, hipoglucemia, paladar hendido, Epilepsia -entre otros-

Boxer: Esta raza en particular, puede desarrollar una serie de tumores en su etapa adulta. Linfoma y mastocitoma son los tipos más comunes a desarrollar.

La compra desmedida de cachorros, aunado a que existen nulas regulaciones en contra de criaderos clandestinos y no clandestinos, ayuda a poner en riesgo a miles de especies caninas; gracias a los malos cuidados y la explotación que viven constantemente. En este caso, la adopción es una alternativa que le sugerimos a todos nuestros lectores. Así mismo, recomendamos llevar a sus mascotas a visita con médicos veterinarios constantemente, ya que una revisión a tiempo, le puede salvar la vida a nuestro mejor amigo.

Después de apreciar el imponente trabajo mural de los artistas Diego Rivera y Roberto Montenegro, descubrió su pasión: la pintura. Este embelesamiento artístico lo llevó a estudiar en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado, mejor conocida como “La Esmeralda”; sin embargo, debido a la fiebre reumática, Cuevas se vio en la necesidad de abandonar sus estudios en este recinto, el cual albergó a muchos de los pintores más reconocidos del país —como Frida Kahlo, Carlos Orozco Romero y María Izquierdo—.

En años posteriores, el porvenir de José Luis Cuevas fue itinerante, pero nunca incierto. Después de trabajar con Lola Cueto, quien fue su primera mentora, se dedicó a la ilustración gráfica para el diario The News.

Posteriormente, visitó con regularidad el Manicomio General de La Castañeda en donde, tomando como inspiración a los pacientes internados en el hospital, realizó una serie de cuadros. En esta aproximación pictórica, Cuevas comenzó a gestar una de las aristas más determinantes de su obra: la locura.

Con sólo 22 años, presentó “La casa rosa”, su primera exposición individual en la Galería Prisse de la Ciudad de México. Desde el inicio, su incursión en el arte se considera paradigmática debido a su tendencia a la negación de todo precepto de la pintura tradicionalista. Postura que se hizo más y más evidente en sus trabajos posteriores.

Las semillas de la ruptura

Cortina de nopal  fue el título del texto que le dio el reconocimiento como uno de los líderes del denominado movimiento de ruptura. En el manifiesto, publicado en 1958 en el suplemento «México en la cultura» de la revista Novedades, Cuevas detallaba cuáles eran los motivos que llevaron al surgimiento de esta corriente nacida en La Esmeralda.

A través de un escrito con tintes de sátira, el pintor resaltaba las condiciones que ponderaban en el medio artístico del país. De acuerdo con su percepción, se trataba de limitar a los artistas de vanguardia para que se ciñeran al estilo tradicional y nacionalista que caracterizaban a los consagrados muralistas como José Clemente Orozco y David Alfaro Siqueiros.

La emancipación de este artista con su medio y su contexto le ayudo a articular una identidad propia, la cual se caracterizó por la fractura y la mofa de los cánones del arte. Motivo por el cual Cuevas decidió reinterpretar con ironía las prácticas tradicionales de los muralistas en un acto rebelde que consistió en pintar un «Mural efímero» en la esquina de Génova y Londres, pronunciamiento a través del cual el artista pretendía negar el precepto que dictaba que el arte mural debía ser eterno.

Más que una pasión, una obsesión

Cuenta la leyenda que, a partir de la realización del afamado mural —cuya duración fue de un mes—, se le atribuyó a Cuevas la concepción del nombre de una afamada colonia de la Ciudad de México. En una entrevista, el artista afirmó que al presentar su exposición «Mujeres del siglo xx», la cual abordaba la nota roja, bromeó al decir que más bien se trataba de “zona rosa” por los casos de prostitución que abundaban en ese barrio.

Bautizado como «El enfant terrible» del pueblo mexicano, las prácticas polémicas de este artista siempre dieron de qué hablar, pues en su obra predominaban los temas sexuales, las narraciones eróticas, y los retratos de prostitutas y cadáveres. Su postura vanguardista lo llevó a experimentar también con elementos surrealistas como los paisajes oníricos y abstractos.

Su eterna búsqueda por el protagonismo lo llevó a jugar con los límites del arte y así logró demarcar una época en la concepción de la pintura en México. Esta versatilidad hizo que el nombre de José Luis Cuevas trascendiera fronteras internacionales; su obra fue expuesta en los más reconocidos recintos al rededor del mundo como el Museo Solomon R. Guggenheim de Nueva York y el Reina Sofía de Madrid.

Encapsular su semen para una exposición, tomarse una fotografía diaria durante una década y casarse en más de una treintena de ocasiones con su esposa Bertha Riestra son sólo algunas de las excentricidades que realizó durante su vida, su adicción al protagonismo lo condujo a romper los paradigmas morales y estéticos de su contexto.

El legado que imprimió José Luis Cuevas transgrede los límites de lo tradicional, su nombre se relaciona con la escena de arte bohemio, con el neofigurativismo y con el movimiento de ruptura. El Premio Nacional de Ciencias y Artes en Bellas Artes; la Orden de Caballero de las Artes y las Letras de Francia; y la construcción de su propio museo en el Centro Histórico son el registro perenne de su trascendencia en los días por venir después de su muerte a la edad de 86 años en el verano de 2017.

La imagen cerebral ha progresado significativamente, de la anatomía topográfica pasó a una serie de circuitos complejos. En este primer diagrama conocido de neurociencia, por Ibn al-Haytham, alrededor del año 1027, están ilustrados los ojos y los nervios.

Los primates somos criaturas visuales. Por ello, quizá la mejor forma para entender el cerebro sea viéndolo con claridad. Ésa ha sido la meta de muchos científicos desde hace más de un siglo, cuando el español Santiago Ramón y Cajal² comenzó a usar una tintura para distinguir el tejido cerebral y observar con el microscopio las ramificaciones de las células marcadas; al respecto, anotó: «Ahí todo era sencillo, claro e inconfundible». Esto se considera el inicio de la neurociencia moderna.

El hipocampo y sus densas capas —que resultan cruciales para la memoria— fue el tema de este dibujo, hecho en 1895 por Joseph Jules Dejerine.

Desde entonces, los científicos han desarrollado diversos métodos para determinar las funciones específicas de cada una de las regiones del cerebro —por ejemplo, las encargadas de procesar la luz, de detectar el peligro o de producir el habla—. Gracias a estos hallazgos, los investigadores han creado mapas que explican cómo ciertas regiones del cerebro no adyacentes están conectadas por largos tramos de proyecciones celulares llamadas axones. Lo que es más: técnicas recientes han revelado que las neuronas cambian de forma después de determinada experiencia, y generan, de esta manera, memoria.

Dibujo de Santiago Ramón y Cajal (1914): una neurona con el cuerpo gordo entrelazada con otra neurona.

Las imágenes —increíbles por su belleza y peculiaridad— que ilustran este artículo forman parte del libro Retratos de la mente: visualizando el cerebro desde la Antigüedad al siglo XXI, de Carl Schoonover, neurocientífico de la Universidad de Columbia. Esta obra sigue la historia de la exploración del cerebro en imágenes: desde bocetos antiguos, dibujos medievales y esquemas de Leonardo da Vinci, hasta Santiago Ramón y Cajal, y las obtenidas con microscopios, máquinas de resonancia magnética, y otros instrumentos de alta tecnología.

Bajo las condiciones adecuadas, surgen complejos patrones del cerebro. Una de las nuevas aplicaciones de formación de imágenes por resonancia magnética sigue el flujo de agua dentro de las células, revelando tractos neurales que hacen conexiones de larga distancia dentro del cerebro. En esta imagen del cerebro, las zonas azules van entre la parte superior e inferior; las rojas, entre derecha e izquierda, y las verdes, entre la parte delantera y trasera.

El cerebro sigue siendo un misterio, pero los patrones en estas imágenes —ricas espirales de conexiones neuronales y capas de estructura— alientan a los científicos a creer que lo pueden descifrar; además, para el espectador común resulta un deleite apreciar la belleza del cerebro.

Encuentra más imágenes asombrosas del cerebro en Algarabía 102.

1 Este texto fue extraído y adaptado de «Beauty of the Brain», de Laura Helmuth, en Smithsonianmag.com

2 Algarabía 95, agosto 2012, eureka: «Santiago Ramón y Cajal a cien años del premio Nobel»; pp. 46-53.

Lista de las amantes de Enrique VIII

Catalina de Aragón (1485-1536)

Esta española se casó en 1509, con el entonces joven Enrique. Luego de 20 años de feliz matrimonio, éste perdió la cabeza por una joven protestante y solicitó al Papa la anulación para poder casarse por segunda vez; al no obtenerlo, hizo que el obispo inglés declarara nulo su matrimonio, y se casó con Ana Bolena, con quien ya había intercambiado votos y algunas otras cosillas.

Ana Bolena (¿1507?-1536)

Su hermana María ya había sido concubina del rey; Ana, que estudió la situación, resultó más astuta y, antes de darle la «prueba de amor», exigió un anillo de compromiso, obligándolo a divorciarse de Catalina. Pero como la Bolena no pudo darle a Enrique un hijo varón, éste se aburrió de ella y la acusó falsamente de incesto, adulterio y alta traición. Entonces la que había hecho perder la cabeza al rey perdió la suya en 1536.

Jane Seymour (1508-1537)

Apenas once días después de la ejecución de Bolena, Jane contrajo nupcias con Enrique —así que es muy probable que ella y el rey se entendieran desde antes—. Al año siguiente, Jane le dio al rey el tan esperado hijo varón legítimo, el querido príncipe Eduardo, pero la reina murió, doce días después de dar a luz, a raíz de una fiebre.

Ana de Cleves (1515-1557)

El pobre Enrique, desolado por la muerte de Jane, se comprometió con esta rica princesa alemana —cuyo aspecto disgustó a tal grado al monarca que la llamó «yegua de Flandes»—. El asco pudo más que la conveniencia, y Enrique anuló su matrimonio a sólo seis meses de la boda, argumentando que «el matrimonio no se había consumado». Y es que cuando no hay química, no hay.

Catherine Howard (1524-1542)

Enrique, que ya contaba 50 primaveras, se echó una cana al aire al casarse con esta jovencita de sólo 16 años. Pero la juventud cobró su precio y, al año siguiente, Catherine posó sus ojos —y algo más— en Thomas Culpepper, uno de los pajes del rey, con quien tenía apasionados encuentros a sus espaldas. Cuando éste supo de sus reales cuernos, Catherine fue llevada a la torre y decapitada en 1542.

Catherine Parr (1512-1548)

Esta viuda fue la sexta y última esposa del pujante rey. Al contrario de lo que pasa en los cuentos, esta viuda resultó ser una excelente madrastra, que cuidó de Enrique en su vejez y enfermedad, y de sus hijos. Al morir Enrique, Catherine se dio el lujo de volverse a casar y ostentar, así, el récord de la reina inglesa con más matrimonios: cuatro.

En La letra escarlata, su novela más famosa, Hawthorne narra lo que le sucede a una comunidad puritana de Nueva Inglaterra cuando uno de sus miembros transgrede la ley de Dios. Es la historia de la adúltera pero virtuosa Hester Prynne; su débil y atormen- tado amante, Dimmesdale; y su marido con mentalidad de venganza, Chillingworth. En esta novela, Hawthorne explora ideas románticas en las que se enfrentan al indi- viduo contra la sociedad y sobre la naturaleza del pecado. Hester sale de la prisión con un vestido marcado con una letra A escarlata —roja—, que signfica adultery, ‘adulterio’ —la comunidad solía poner otras: b de blasphemy, ‘blas- femia’; D de drunkness, ‘ebriedad’; i de incest, ‘incesto’; R de rape, ‘violación’; v de viciousness, ‘vicio’; etcétera— y lleva en las manos al «fruto del pecado».

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