Aunque si nos ponemos a reflexionar en lo que quiere decir similar, las sospechas empiezan a surgir. La palabra «similar» se deriva de semejar, que ya desde antiguo significaba «dar indicios una cosa de lo que es». Al señor Corominas le desagrada el término, por provenir del cultismo símil—de sĭmĭlis, ‘semejante’, adaptado del inglés similar (1661) y del francés similaire (1555)—, y por considerarlo un «extranjerismo de puro lujo que debiera proscribirse».

Fuereño o no, llegó a nuestros tiempos y al Diccionario del Español de México como un adjetivo masculino o femenino, el cual quiere decir «que tiene características o apariencias que se relacionan o tienen algo en común con las de otro». O más concreto, como lo dice el DLE: «Que tiene semejanza o analogía con algo.»

Entonces, regresando al asunto de las medicinas, resulta que las similares, a diferencia de las de patente o de los genéricos intercambiables, no están respaldadas por ciertas pruebas —como el tiempo que tardan en disolverse y la comparación de sus efectos mediante análisis de sangre— y tienen otros vehículos y excipientes, aunque la sustancia activa sea la misma. Así que si las tomamos y no nos curan como las otras, es porque sólo se parecen, tienen algo en común —la sustancia activa y la cantidad que indica la cajita—, pero iguales, iguales, no lo son, se quedan en el símil, en la apariencia, en ese «algo en común» que las hace eso, simplemente similares.

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El iq es una medida general para la categorización socialmente aceptable y para el razonamiento de las habilidades. Las pruebas de iq fueron diseñadas en el apogeo del conductismo, cuando había poco interés en la estructura cognitiva. Y definitivamente el iq no contempla las diferencias entre sociedades, por lo que una prueba hecha para asiáticos, por ejemplo, no arrojará resultados «normales» para europeos, americanos o africanos.

Además, hay una larga historia de debates mordaces sobre qué aspectos del iq son hereditarios, si es que los hay. Los mejores estudios se realizan con los gemelos; sin embargo, cuando éstos son separados, el mero hecho de la adopción seguramente aumenta el iq, sin importar cualquier correlación entre los iq de los niños y aquellos de sus padres biológicos. Nadie tiene la más mínima idea de cómo ni por qué los genes, individualmente o en combinación, podrían afectar el iq.

Mito:El iq determina cuán inteligente eres por Scott AtranScott Atran es un antropólogo del Centro Nacional de Investigación Científica de París; autor de Talking to the Enemy: Religion, Brotherhood, and the (Un)Making of Terrorists (2010).

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• Era blanca, de manga corta, abierta al frente y abotonada; la parte trasera más larga —para mantenerla dentro de los pantalones— y con un cuello que se podía doblar hacia arriba —para evitar quemaduras del sol—. Lacoste llamó a la tela de algodón de punto jersey petit piqué; ésta era ideal para soportar el calor.¹

• El mismo año, un periodista apodó a Lacoste «el Cocodrilo», por su pericia en la cancha —quizá también por la forma de su nariz—. A partir de entonces, Lacoste comenzó a usar en sus camisas un cocodrilo bordado en el pecho, diseñado por su amigo Robert George.

• En 1933 René Lacoste fundó junto con André Gillier la empresa La Chemise Lacoste, una de las primeras marcas en mostrar su logo sobre las prendas.

• Pronto la camisa se hizo popular en otros deportes, entre ellos el golf. En los años 50 la marca se anunció como «el símbolo de estatus de los atletas expertos», y comenzaron a fabricarse camisas en varios colores.

• En la década de 1980 Lacoste se asoció innegablemente al estilo preppy, propio de la clase alta en los EE.UU. La marca afirma que hoy en día se compran dos de sus productos en el mundo cada segundo.

• Una camisa Polo Lacoste L.12.12 —el modelo clásico— cuesta entre 1 400 y 1 600 pesos.

_{1 Las camisas de este estilo surgieron a finales del siglo XIX para cubrir las necesidades de los jugadores de polo en la India, y fueron fabricadas por la empresa Brooks Brothers; de ahí que se les conozca como «camisas polo».}

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10. Marsella, Francia.

Población: 861635 habitantes.
Al tratarse de la tercera ciudad más importante económicamente —después de París y Lyon—, y de la segunda más poblada de Francia, su ciudad hostil puede pasar por «obvia». Algunos dicen que desde que se estrenó el himno nacional francés, «La Marsellesa» (1795), se les subió tanto el ego a los marselleses que ahora ya no les agrada compartir su ciudad con los fuereños. ¡Sacrebleu!

9. Frankfurt, Alemania.

Población: 736414 habiantes.
Castellanizada como Fráncfort del Meno, se trata de la quinta ciudad más grande de Alemania. Fue sede oficial para las coronaciones —cuando la monarquía era lo usual—, desde el Sacro Imperio Romano Germánico, y actualmente aloja al Banco Central Europeo. Lo más probable es que los ciudadanos de Frankfurt ya están hartos de tanta atención y por eso se comportan de tan mala manera.

8. Miami, Florida.

Población: 463 347 habitantes.
A pesar de que está llena de caimanes y es víctima de huracanes, eso no es nada comparado con lo «tolerante e incluyente» de la capital del estado de Florida. Ya que se trata de la ciudad «condecora» —económicamente hablando— de los EE.UU. con Latinoamérica, la migración es la «excusa» de su hostilidad.

7. Cannes, Francia.

Población: 74285 habitantes.
Esa ciudad es mundialmente reconocida por el festival de cine que año tras año reúne a la élite de esa industria. También es residencia de algunos magnates, y zona de descanso de los más ricos del mundo. Así que, ¿qué puede esperarse de una ciudad que no disfruta de thrillers, como la saga de Sharknado, o algunas chick-flicks, como Quiero robarme a la novia? Bola de «realzados».

6. Nueva York, EE.UU.

Población: 8.62 millones de habiantes.
Con todo y que ahí vive «su vecino arácnido» —Spider-man, pues—, la taquicardia de la bolsa de Wall Street, los continuos desastres causados por simios gigantes, el elevado precio de los taxis, la existencia de diversos equipos deportivos y las distintas etnias que caminan por sus amplias aceras hacen que esa ciudad cosmopolita sea de una gran cosmojetez para los visitantes.

5.  San Petersburgo, Rusia.

Población: 5.35 millones de habitantes.
La llamada «Venecia del Norte» es la segunda ciudad más importante y bella de Rusa. Los historiadores apuntan a que los constantes cambios de nombre han repercutido en la pisque de los nativos de la ciudad: de Petrogrado —fundada por el zar Pedro el Grande— a Leningrado —después de la muerte de Lenin— hasta la actual San Petersburgo —desde 1991. Cualquiera se enoja si no se toman en serio el nombre de su ciudad, ¿no cree?

4. Beijing, China.

Población: 21.54 millones de habitantes.
¿Es realmente necesario mencionar el porqué de la hostilidad? Es la capital de China, sufre de contingencia ambiental perpetua y de sobrepoblación nivel CDMX. Imagínese, venden contenedores de «aire limpio canadiense» para que los pulmones no se conviertan en pasitas y comen cualquier cosa que se mueva.

 
 
 
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Ya fuera en dibujos, grabados, carteles, revistas, pintura y poesía; o moldeada en hierro, cristal, bronce o madera; ya fuera en la arquitectura, en la poesía, en la pintura o en las artes aplicadas, la sensualidad de la mujer fue el tema a desarrollar: la voluptuosidad de un vestido, el vuelo de una larga cabellera, el misterio de una figura semidesnuda, la belleza prístina de la juventud y la blancura de una piel suave.

Las flores, la hiedra, los lirios, el nácar, las mariposas y las libélulas, así como las nubes y los cisnes simbolizaron la exaltación sensual del tema femenino, del cual surgió una nueva estética ornamental.

Si bien cada versión regional del art nouveau tiene su propio sello, su propio simbolismo, su propia influencia, todos los representantes de este movimiento tienen en común la versatilidad. Se trata de nuevos humanistas, hombres universales cuyo quehacer abarcó más de una disciplina.

Debido al tratamiento regional del modernismo, no se puede precisar de qué fecha a qué fecha duró, pero podemos decir que fue contemporáneo del posimpresionismo y vio nacer a las corrientes de vanguardia de principios del siglo pasado, como el cubismo, el simbolismo y el expresionismo.

Con el art nouveau, el empleo del cartel cobró una gran importancia, artistas como Toulouse-Lautrec y Alphonse Mucha utilizaban este medio de comunicación en forma muy personal al dibujar la letra —en lugar de utilizar tipografía— el primero, y al hacer carteles cien por ciento comerciales, el segundo. Es entonces que el artesano empieza a firmar su trabajo, desde un jarrón hasta un espejo.

Y como el art nouveau no estaba peleado con el progreso, aplicó el concepto del «sello personal» a la industria, como lo hicieron los tipógrafos renacentistas al crear símbolos para distinguir su trabajo. Un ejemplo de esto es el logotipo de General Electric, registrado como marca en 1890 y que, hoy por hoy, sigue siendo utilizado sin que se le haya hecho ninguna modificación, dada su claridad, legibilidad y originalidad.

Obras de Alphonse Mucha

Logo de General Electric, registrado en 1890

La inventiva y la homogeneidad ornamental del modernismo provocaron una especie de casamiento entre las artes menores y mayores. Un arquitecto art nouveau no sólo proyectaba una casa, sino que también diseñaba el mobiliario, los vitrales y hasta la vajilla.

En la Ciudad de México nos quedan algunos tesoros del art nouveau que importamos con el afrancesamiento que impuso don Porfirio a principios del siglo XX. Como muestra arquitectónica está el Gran Hotel de la Ciudad de México, edificado frente al Zócalo.

El palacio de Bellas Artes, diseñado por el arquitecto Adamo Boari, está coronado por la curvatura —característica del art nouveau, de la triple cúpula—, que se sitúa entre el vestíbulo y la sala. Si se tiene la buena suerte de encontrarlo cerrado, disfrutaremos del gran telón de más de un millón de cristales opalescentes sobre lámina de acero; es una pieza única, proyectada desde el inicio como cortina incombustible.

También, en la calle de la Santa Veracruz estuvo la casa Requena, cuyo ajuar fue encargado al catalán Ramón P. Canto para satisfacer los gustos y las necesidades de cada miembro de la familia —el comedor es la parte mejor lograda según los cánones de este estilo—.

En una que otra calle de la ciudad en las colonias Juárez y Roma, se conservan todavía algunas casas que han superado el paso del tiempo, el vandalismo, los temblores y la ignorancia de los que derrumban en lugar de restaurar. Cuando pasen por la calle de Chihuahua, pónganse atentos, es el 78 y es inconfundible.

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carcinoma

Proviene del griego καρκίνωμα, karkínōma, y éste de kárkinos, ‘cáncer’, que en latín significa ‘cangrejo’ —haciendo referencia a las venas afectadas que, rodeando un tumor, se parecen a las patas de dicho animal—, y oma, ‘tumor’. En medicina, se trata de un abultamiento formado a partir de un tejido de varias capas de células que recubren los conductos del cuerpo y la piel, que tiende a reproducirse y a causar lesiones secundarias en zonas lejanas. Se origina en órganos como los pulmones, la piel, el colon, el cuello uterino, el estómago y la próstata; su consistencia es firme y su color varía de blanco amarillento a gris; presenta una superficie granosa y opaca.

El pobre murió de un carcinoma de origen desconocido.

Chancro

Deriva del francés chancre, y éste del latín cancer y –cri, ‘llaga’. Es una herida o lesión de carácter infeccioso, por lo regular producida por la sífilis o por otra infección de transmisión sexual. Es causado por la bacteria Haemophilus ducreyi, la cual afecta los genitales y las ingles. Se presenta como una lesión genital en forma de úlcera, causando dolor y molestia.

El diagnóstico del chancro se realiza por medio de una exploración y cultivo de la zona afectada.

coágulo

Proviene del latín coagŭlum, usado antiguamente para designar los grumos formados en la leche cuajada. Se trata de la aglomeración de partículas semisólidas de un líquido. En medicina, un coágulo es una masa de sangre que, en cantidades normales, ayuda a detener el sangrado de una herida; sin embargo, dentro del organismo puede desprenderse, trasladarse a otras zonas del cuerpo y bloquear el flujo sanguíneo. Se forman en el cerebro, corazón y pulmones, así como piernas, brazos y abdomen. Pueden ser letales al ocasionar una trombosis o embolia.

El coágulo arterial fue lo que causó el infarto.

forúnculo

Proviene del latín furuncŭlus, ‘ladronzuelo’. Es una inflamación y se presenta como un abultamiento pequeño de la piel, puntiagudo, doloroso y purulento. Es causado por la bacteria Staphylococcus aureus, pero también puede ser provocado por otros patógenos u hongos que se encuentran sobre la piel; se forma cuando un folículo piloso —donde crece el vello— se infecta. Es más común que surja en la cara, el cuello, las axilas o los muslos.

Que los forúnculos supuren es buena señal, porque es cuando están a punto de desaparecer.

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Primera dimensión

Estudiar artes plásticas en la Academia de San Carlos ocasionó que, por necesidad o por astucia, Enrique Carbajal —que poco después adoptaría el seudónimo de Sebastián— se convirtiera en el «fantasma» de la Academia, como él mismo se autonombra: «Como llegué sin tener medios ni alojamiento, para no vagar de noche en las calles del Centro, me metí a vivir en la Academia de trampa, y como de noche prendía la luz del taller para trabajar, los vigilantes se daban a la tarea de subir, abrir el taller y apagar las luces, ¡hasta tres veces en una noche! Esto ya los tenía con más miedo que flojera, nadie sabía por qué se encendían de repente. Meses más tarde me sorprendieron, pero Benjamín Domínguez logró que me permitieran quedar en el salón de la Sociedad de Alumnos donde pude, finalmente, dormir en un sofá y no en el piso».
Toda forma pictórica inicia con un punto, el punto se mueve, y surge la línea —la primera dimensión… Paul Klee
Francisco Moyao —escultor y miembro de su generación— contaba que aquel muchacho se «servía con la cuchara grande» de los lockers ajenos. El propio Sebastián relata: «entonces había lockers con los mejores colores, con los mejores pinceles… así que me decidí a ayudar sólo a los que no tenían dinero.

Yo llegué adolescente y bronco, traía una formación ética más bien socialista porque mi hermano era maestro rural. Además, la escuela mexicana de pintura a través de Siqueiros era lo que yo traía como acervo de lo que se debía de hacer. Así que a veces realizaba la “operación Robin Hood de Chihuahua”; como tenía mi varilla de escultor llegaba y ¡zas, el candado! Al día siguiente iba con los compañeros: “¿sabes qué?, yo te regalo estos colores, yo tengo los míos allá”. Pero estaba en San Carlos, ¡era un sueño estar aquí!, “imagínate, a lo mejor aquí estuvo Diego [Rivera]”. Si ratero no era. Era, más bien, un vengador solitario».

Segunda dimensión

Siendo estudiante, Sebastián descubrió el lenguaje de la geometría en los escritos de Leonardo da Vinci y Alberto Durero, desde entonces es su pasión y fundamento de su trabajo, que coincide cronológicamente con el llamado geometrismo mexicano. El escultor establece la siguiente analogía: «Los lenguajes escritos, los del mundo, los idiomas utilizan palabras, sílabas, letras, narraciones, el poeta las utiliza; Octavio Paz o Neruda son diferentes, emplean el mismo idioma, pero lo codifican de manera diferente. Con la geometría pasa lo mismo, es tuya y de todos, pero no todos la pueden resolver igual porque es un lenguaje.
El mío es un lenguaje que está armado, que tiene constantes, que tiene un número en proporción y que, al final, tiene un hilo conductor. Decía Mathias Goeritz: “un cubo de Sebastián es un universo distinto al mío”, él veía en la forma una arquitectura emocional, yo veía una geometría emocional».
Si la línea se transforma en un plano, conseguimos un elemento bidimensional… Paul Klee
El primer trabajo que dio fama a Sebastián y que logró originalidad estética real data de 1967, el Rosetón Victoria, en el que fusiona su interés en la curva de Mœbius, los prismas regulares y el arte cinético. El impacto de la pieza radica en todas las posibles posiciones resultado de su manipulación; a estas obras se les conoce como Transformables.

En 1970 logró su primer gran éxito en una exposición individual y comercial en la Galería Pecanins de la Ciudad de México, con un enorme transformable hecho a partir de tres cubos que se desplegaban desde el piso superior hasta la banqueta. Desde entonces, en su obra el color ha estado unido a la pureza de la forma geométrica: «Toda mi obra es color, traigo la luz y el color de mi rancho, y aquí lo vine a confirmar, porque también México es color y soy mexicano. La escultura no la puedo dejar gris porque no es sebastina, no sería mi esencia. Tengo que pintarla». A pesar de este sello distintivo su obra más reciente no está coloreada, se trata de piezas de menor tamaño que el autor denomina cuánticas. «Al ser soluciones y modelos matemáticos son creadas para contemplar la esencia formal de la escultura; sin embargo, conservan su color natural puesto que están hechas en bronce que tiene su propia pátina —su color propio aunque sea más bien agrisado—, son para verse de cerca. Pero cuando las he pintado en rojo, por ejemplo, se ven preciosas».

Tercera dimensión

Sin duda la obra emblemática de este escultor es la enorme, la que se apropia de los espacios, la que señala, la que pertenece a la gente: «Siempre tuve la ilusión de hacer algo monumental, me emocionaba lo magnífico del paisaje, lo inconmensurable me subyugó. Ver los atardeceres y los colores de los cerros a lo lejos, y lo vasto que es me inspiró a hacer algo que se viera y protagonizara dentro de ese paisaje; colocar una marca para no perderse, para orientarse, tal y como ha sido desde épocas inmemoriales. Así como los romanos y otras civilizaciones construyeron columnas y arcos, menhires y dólmenes, sentía la necesidad de construir algo que no tuviera una función arquitectónica sino simbólica».
…En el salto del plano al espacio, el impacto hace brotar el volumen —la tercera dimensión… Paul Klee
Sebastián quería construir elementos para esta época, un ícono o un signo, siempre de gran escala, que se insertara en los espacios urbanos para servir de referencia y diera identidad a pesar de la evolución de la ciudad y las transformaciones que sufre para cubrir las necesidades de la población, para trascender y dar un sentido a los que la habitan. Ciertamente sus esculturas te abrazan, te envuelven porque puedes interactuar con ellas, las vialidades permiten que las veas desde varios ángulos y a distintas alturas, de cerca y de lejos, que pases por debajo, a un lado o por encima de estas formas simples y amarillas o de cualquier color, que contrastan con el resto del paisaje y te causan la sensación de empequeñecimiento y, a la vez, de pertenencia, de cierta intimidad.

«La escultura monumental es soñar y hacer posible lo que has soñado. La primera escultura de diez metros la hice sin tener ni dónde meterla; alguien la compró, así que seguí. Trabajar para proyectos de tal magnitud implica siempre hacer lo que tú quieres hacer en tu vida, pero no se puede hacer solo. Además de que son necesarias la ciencia, tecnología, ingeniería, arquitectura y la comprensión de las estrategias estructurales, para realizar una obra así se requiere de apoyo político, económico y social, las tres partes tienen que estar dispuestas, se deben conciliar para poder concretar; con una que esté en contra basta para que no se realice». Sebastián reconoce que de alguna manera siempre ha habido apoyo para los artistas mexicanos que no son pocos y, sí, talentosos, y para muestra están nuevos museos como el Manuel Felguérez de Arte Abstracto en Zacatecas.
Conoce más sobre la obra de este importante escultor mexicano en Algarabía 122.

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El historiador y político francés Eduardo Laboulaye fue quien propuso en 1865 que su país le obsequiara una gigantesca estatua al país norteamericano. Aunque algunos de sus compatriotas protestaron contra esta iniciativa, varios simpatizantes sobre la estrecha amistad de ambas naciones la impulsaron y el proyecto fue asignado al joven escultor Frédéric Auguste Bartholdi, quien a los veintidós años había construido la estatua de Napoleón y le mereció el reconocimiento de la Legión de Honor.

Bartholdi comenzó en 1870 evaluando las posibilidades y la viabilidad de esta idea, consultó a las autoridades en E.E.U.U y juntos eligieron la Isla de Bedloe en Nueva York para su implantación, pero el diseño de la estatua tenía un costo más elevado del que se contemplaba en un principio, por lo que fue necesario integrarlo dentro de una asociación Franco-Americana para recaudar fondos.
«El puerto de Nueva York es el lugar perfecto, porque es donde la gente obtiene su primer punto de vista del Nuevo Mundo.» Frédéric Auguste Bartholdi

El dinero fue el principal obstáculo para concretar este proyecto, la condición era que estuviera listo para 1876 pero fue justo un año antes de esta fecha que apenas habían conseguido el capital suficiente para comenzar con la fabricación del brazo levantado y la cabeza de este colosal monumento, incluyendo las facciones adustas en su rostro, las cuales Bartholdi asemejó con las de su madre.

La construcción del monumento en Francia, de 1877 a 1885

Para crear la Estatua de la Libertad, se inspiró en antiguas esculturas griegas como el Coloso de Rodas así también en un faro del canal de Suez para diseñar la figura portadora de la antorcha libertaria. La estructura interna de este monumento fue construida por Gustave Eiffel –quien había adquirido reconocimiento por algunos puentes que erigió antes de su emblemática torre-, para la cual diseñó un armazón de hierro capaz de soportar las 225 toneladas de la estatua recubierta con finas láminas de cobre.

La construcción de esta efigie no fue fácil, Bartholdi tuvo que construir primero un modelo de tres metros al cual le fue aumentando piezas hasta que alcanzó los once metros de alto; cada sección del monumento fue reajustada para que finalmente pudieran unirse a la estructura central, tal como la fotografía lo demuestra.

La idea inicial de Bartholdi era convertir esta «gran dama» en un faro, pero ni su emplazamiento, ni la tecnología, eran óptimos para esta finalidad.

El 4 de julio de 1884 en París, la Estatua de la Libertad fue realizada y oficialmente donada al gobierno de ee.uu por Ferdinand de Lesseps, presidente de la Unión Franco-norteamericana y constructor del Canal de Suez. Lo que seguía era transportarla a través del Océano Atlántico hasta la isla neoyorquina, y la idea era situarla sobre un pedestal que la elevara 93 metros sobre el nivel del suelo; sólo que para esto se tuvo que juntar más dinero y construirlo durante los 15 meses que tardó en llegar de Francia.

El editor estadounidense Joseph Pulitzer fue un gran impulsor de una campaña de donativos en el periódico New York World para la construcción del pedestal, el cual quedó listo en abril de 1886, justo un par de meses antes de que la gran estatua desarmada llegara de su travesía. Finalmente, tras cuatro meses más de ensamblaje, el 28 de octubre la Estatua de la Libertad por fin elevó su antorcha ante más de un millón de personas que acompañaron al presidente Cleveland en su presentación.

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