En el papel principal, Olivia Vinall logra capturar la intensidad, la rebeldía y el carácter enigmático de Carrington. A través de la película, el espectador acompaña a Leonora, quien se caracterizaba por buscar como construir una identidad propia frente a las imposiciones familiares, sociales y artísticas de la época.

La visión de Vurma y Klein, consigue transmitir los obstáculos que enfrentó Leonora, así como la singular forma en la que concebía el mundo, pues criaturas híbridas, animales fantásticos, rituales, alquimia y elementos mágicos aparecen entrelazados con la narración, evocando el imaginario que dio forma a su obra pictórica y literaria.

 La película dedica un lugar importante a la relación que Carrington sostuvo con el pintor alemán Max Ernst, con quien más allá del romance, también compartió ideas y arte, lo que llevo a ambos a ser miembros de los círculos intelectuales en París. Esto los acercó a figuras centrales del surrealismo como André Breton y Salvador Dalí. Sin embargo, este acercamiento hace que Leonora reafirme su identidad como artista independiente, decidida a romper con el arquetipo de la femme-enfant, figura recurrente en el imaginario surrealista que reducía a las mujeres al papel de musas e inspiradoras.

En este recorrido, destaca también la presencia de la pintora española Remedios Varo, cuya amistad con Carrington se convirtió en una de las relaciones más significativas de su vida. Unidas por el arte, el interés esotérico y el cuestionamiento de los roles de género tradicionales, ambas artistas encontraron en México un territorio para desarrollarse en el arte de manera libre.

Aunque es catalogada como una película biográfica, Leonora in the morning light, se concentra sólo en episodios clave de la vida de Leonora Carrington, especialmente aquellos relacionados con la crisis emocional y psicológica que enfrentó durante la Segunda Guerra Mundial, como su internamiento en una clínica psiquiátrica en España, donde fue sometida a tratamientos médicos agresivos, lo cual constituye uno de los momentos más impactantes de su vida.

La película concluye con la llegada de Carrington a México, país donde desarrolló la mayor parte de su producción artística y encontró un espacio para reinventarse. Más que una biografía convencional, Leonora in the morning light, presenta el retrato de una mujer que convirtió la imaginación, la rebeldía y el arte en herramientas para sobrevivir y construir una identidad propia.

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Desde los años 90, gobierno y sociedad civil se han dado a la tarea de reconocer e impulsar la cultura de las tribus aborígenes —unas 500, según Survival International—. Los aborígenes suman 983 700 personas y representan el 3.8% de la población total de Australia, de acuerdo con el Censo de Población y Vivienda del año 2021.

Los resultados del impulso de las culturas aborígenes son palpables al recorrer Sídney, especialmente su puerto. Es el lugar idóneo para empezar a rastrear la huella aborigen, no sólo en la ciudad, sino en Australia.

Dawes Point —Tar-ra— Park

En una colina al pie del puerto de Sídney se encuentra Dawes Point —Tar-ra— Park, que ocupa la tierra de los cadigal, uno de los siete clanes de la zona y quienes llamaban «Tar-ra» a esa área. Envuelto por el viento de la cima que ocupa, uno no se da cuenta de que los metros cuadrados de pasto frente a uno son un parque hasta toparse con una placa de bienvenida que honra a los cadigal. Tar-ra casi no tiene nada y a la vez lo tiene todo. Nada queda del observatorio y la casa construidos por el lugarteniente William Dawes, las primeras edificaciones de Sídney, ya que fueron derribadas para construir la fortaleza. De ella, sólo persisten cinco cañones, pues fue demolida hace 100 años para erigir el monumental puente de arco que es el Sydney Harbour Bridge.

En cambio, para los aborígenes, el pedazo de superficie que es Tar-ra lo tiene todo, pues su cosmovisión e identidad se forjan a partir del territorio. Éste no es sólo la tierra, sino los fenómenos naturales que lo transforman y las actividades sagradas y cotidianas que inspira. Por ejemplo, los cadigal pudieron haber creado la bella historia del «Despertar de la Ballena» para explicar la migración de los cetáceos al área de Sídney. Cuenta esta historia que los animales —que vivían en otro mundo— le robaron a la ballena su canoa para mudarse al territorio de los aborígenes y, desde entonces, ella la busca por los mares.

Sídney Harbour Bridge

Desde Tar-ra, las vistas son espectaculares: hacia arriba, el robusto entramado de vigas de acero del extremo noroeste del puente Sydney Harbour Bridge, resultado de la prosperidad económica; al este, la vista panorámica del puerto de la ciudad, con sus ferris, cortos acantilados y, desde luego, la Opera House.

Por las escaleras del parque se alcanza la parte superior del Sydney Harbour Bridge, donde el 28 de mayo de 2000, sus ocho carriles fueron tomados por más de 250 000 personas en la Marcha de la Reconciliación entre los aborígenes y los demás australianos. Es la manifestación más grande en la historia del país. En los siguientes meses, ¡más de un millón de personas también marcharon por toda la nación! Pero, ¿por qué la reconciliación? La respuesta está en el arte aborigen, exhibido en el Museo de Arte Contemporáneo de Australia, ubicado en el muelle Circular Quay. Para llegar a él, hay que bajar por las calles empedradas de The Rocks, el pintoresco barrio de casas antiguas de piedra construidas por los primeros colonizadores; el área ocupada por The Rocks era llamada Tallawoladah por los cadigal antes de la colonización.

El Museo de Arte Contemporáneo y el arte aborigen

Las artes aborigen antiguo y el contemporáneo pintan sobre el Dreaming, que es la creación del territorio, los espíritus, y los aborígenes y sus valores. La representación de la «Serpiente Arcoíris» es recurrente y su historia dice así: «Despertó de su sueño y en búsqueda de su tribu, su cuerpo trazó el cauce de los ríos actuales, que luego se llenaron con el agua almacenada en los vientres de las ranas que creó. El agua pobló de vegetación la tierra y fue momento para llamar a los animales a la vida: marsupiales y reptiles del desierto». Tanto canguros como wómbats y lagartos monitores son representados en el arte aborigen por ésta y muchas otras historias. En sí, la pintura aborigen muestra la manera de estar en el mundo, una manera opuesta a la occidental: el ser humano como una especia más de la naturaleza y no como una superior que la explota.

El Museo de Arte Contemporáneo destaca mundialmente por su espectacular colección de 270 pinturas aborígenes contemporáneas hechas sobre corteza de eucalipto, tradición que continúa al norte de Australia, en Arnhem Land. Resulta impresionante que se mantienen la técnica y costumbres de hace 18 000 años cuando pintaban en las cuevas. Las figuras se caracterizan por el patrón de rayado transversal pintado en tonos ocre, blanco y negro con pinceles de tres o cuatro cabellos humanos. Los grupos aún intercambian pigmentos entre ellos, pues únicamente el grupo dueño puede recolectarlo de la naturaleza. En el este de Arnhem Land, el rojo y el blanco pertenecen al grupo de Dhuwa, mientras que el amarillo y el negro, al grupo Yirritja.

Al salir del museo y caminar por Circular Quay, entre el sonido del romper de las olas contra el muelle, la exhibición continúa ahora en galerías de arte. Exponen lienzos de artistas del desierto, caracterizados por representar ojos de agua, vitales para la supervivencia. Son dibujados con patrones de puntos pintados con las puntas de los dedos como lo hacían sus antepasados sobre las rocas.

Terra nullius y el arte aborigen

La vida de los aborígenes cambió radicalmente cuando los colonizadores tomaron posesión de la tierra bajo el principio de terra nullius o «tierra que no le pertenece a nadie» y, por ende, transformaron el territorio y la creación del Dreaming. Al ser los aborígenes seminómadas, los ingleses no vieron rastros de viviendas ni de agricultura, concluyeron que no eran dueños de la tierra y proclamaron la soberanía sobre Australia. La viruela y las armas los ayudaron a expandirse y desplazar a los nativos de su hogar y después explotar los bosques y costas, lo cual contribuyó a la prosperidad económica de Australia. Tristemente, los aborígenes fueron despojados de sus raíces y su identidad se debilitó.

Antes de la colonización, no había «artistas», más bien todos los aborígenes pintaban porque, al no haber desarrollado lenguaje escrito, la pintura era un medio para transmitir el conocimiento. Hoy en día, ¿por qué pintan los aborígenes? Una razón es que sus obras han sido evidencia de su milenario vínculo con el territorio para reclamarlo ante los tribunales, de lo cual el pueblo de Meriam es precursor. El 3 de junio de 1992 se logró una conquista histórica que ayuda a los aborígenes a reconstruir su identidad: la Suprema Corte eliminó el principio de terra nullius, reconoció que han vivido en Australia por miles de años y que tienen derecho a su territorio. Otros pueblos siguen el ejemplo y han ganado sobre los intereses económicos de la agricultura, la minería y la pesca.

La Punta de Bennelong

Circular Quay concluye en la Punta de Bennelong, dominada por la Opera House, y llamada así en memoria de quien fue intérprete entre su tribu, Wangal, y los ingleses. Cada noche desde el año 2017, el techo del exclusivo Restaurante Bennelong de la Opera House se convierte en pantalla al aire libre de una proyección animada de arte aborigen contemporáneo. Las aves, reptiles, marsupiales y ballenas de las historias y pinturas del Dreaming cobran vida ahora en una gran variedad de colores habilitados por la tecnología digital.

Así que Australia no es tan joven como los turistas y los mismos australianos todavía la perciben. Y aunque falta mucho para lograr la reconciliación entre las culturas aborigen y la australiana, reconocer a los aborígenes hace de Australia un país más rico.

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Diego el polémico

Múltiples temas controversiales convergen con «el Diego»: misas, litigios, miniseries, fiscales, abogados, documentales, testimonios, peritajes, videos, testigos, chats, tributos, denuncias, programas de televisión, amantes, hijos no reconocidos, juicios… Millones de personas afirman que él era un genio de la cancha y un hombre imperfecto fuera de ella.

Desde aquella primera entrevista a los 13 años que le hizo el periódico El Gráfico, asomó la mirada curiosa y vivaz a través de la cual podían verse los sueños de un chico noble y humilde. Tras ese antecedente era imposible imaginar que después del debut en Argentinos Juniors y su participación con la Selección Argentina juvenil campeona en Tokio ‘79, Maradona se convertiría en un hito del futbol mundial.

El juego genial

Él es la suma de todos los componentes del juego: elegancia, agilidad mental, técnica y gol. Maradona trascendió la identidad de un club al crear universos simbólicos que se constituyeron en marcas indelebles, no sólo deportivas sino también ideológicas. De allí que los seguidores de la Albicleste se hayan hecho incluso más nacionalistas.

Maradona siempre formó parte de equipos contestatarios como él mismo: el Nápoles, que representa al sur italiano subdesarrollado contra el norte industrializado y rico; el Barcelona y el Rayo Vallecano, que confrontan con el centralismo representado por el Real Madrid, la monarquía, el franquismo y el clero; y Boca Juniors, que enarbola la bandera de la hinchada número 12: la afición que juega, venida de las entrañas del pueblo argentino.

Triunfos y campeonatos

La mejor época de Maradona como futbolista fue la década de los 80, específicamente durante el Mundial de México ʻ86, donde lo más sonado fue el triunfo contra Inglaterra con un gol que llevaba la picardía latinoamericana, como es la gambeta, el regate y el túnel, que de su mano, la famosa «mano de Dios», Argentina obtuvo su segundo estrella.

Su imagen se agigantó y se definió históricamente en una coyuntura particular de transición en el futbol mundial, configurada por una transformación sustancial del estadio a la pantalla, pasando de la era del deporte espectáculo a la del negocio espectacular, hoy llamado «futbol moderno».

The dark side

Y como sucede casi siempre dentro de toda historia vertiginosa, vinieron los excesos de alcohol y drogas —como sucedió en Punta del Este—, la recuperación en La Habana, los escándalos de la boda en el Luna Park, errores que mermaron tanto que marcaron el derrotero de su muerte a los apenas 60 años, acontecimiento que dejó al futbol en silencio.

Actualmente este deporte sigue como siempre: produciendo alegrías y tristezas; especulación y esperanzas, manipulación y poder; y hasta una propuesta de jugar los mundiales cada dos años, así como aumentar los participantes y países sede para seguir industrializando la pelota, ésa que Maradona siempre tuvo como amiga, que reconoció en su despedida del futbol haberla manchado; pero también esa pelota que una tarde de junio de 1986, en el Estadio Azteca, lo convirtió en el Barrilete Cósmico.

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Cuestionadora de los sistemas racionales, mujer rebelde y creadora indescifrable, firme creyente en los poderes del más allá y, sobre todo, con la fe puesta en la inteligencia, Leonora Carrington fue una surrealista plena, aunque la etiqueta le molestara. Con el grupo de André Breton, Benjamin Péret y Max Ernst, ella decía: «No tratábamos de reinventar el mundo; era descubrir y dar una imagen diferente. Eso ya lo habían hecho los románticos y mucho antes en la Edad Media. Sólo queríamos descubrir un mundo. De reinventarlo no hubiéramos sido capaces».

Inmersa en la forma del pensamiento surrealista, prefería situarse por separado: «Lleva su tiempo individualizarse. Al calor del entusiasmo inicial de un movimiento se da cabida a todo tipo de cosas. Pero [el surrealismo] era un movimiento dominado por los hombres». Y, por ello, Leonora cuestionaba algunos sesgos «machistas» del colectivo y la consideración romántica de que la mujer era «musa», con un lugar asegurado en un nicho.

Decía Carrington: «Enfrentábamos nuestra situación de mujeres —junto a Remedios Varo y Alice Rahon— con mucho cabrón trabajo. ¿De qué otra manera lo puedo decir? Era sobre todo el trabajo de no mentirse a una misma para tener un poco de más paz. De no aceptar chistes desagradables sobre las mujeres, de no aceptar los paternalismos ni que te dijeran «mejor ocúpate de tejer o de cuidar a tus hijitos.» Tampoco que te dieran palmaditas en la cabeza como diciendo: «¡Qué bien, mi chula!». Breton tenía una visión tradicional de la mujer. Establecía límites a la realidad de seres mucho más ricos, complejos y profundos: las mujeres de carne y hueso. Las veía como musas y yo no estaba de acuerdo».

Desde pequeña […] tuve experiencias extrañas con todo tipo de fantasmas. […] Las he tenido toda mi vida. Quizá fue porque siempre estuve en contacto con la mitología celta.

Leonora Carrington

Así, como una insurrecta siempre, no tuvo acogida en un mundo supuestamente «racional», atento a las guerras y a una concepción plana de la naturaleza de los hombres y de los animales.

Su pintura fue su mejor y más complicado lenguaje con el que entabló contacto con su entorno. Pleno de múltiples significados, su trabajo con el pincel, el bronce y la letra estableció, sin embargo, un orden laberíntico que encerró siempre el enigma: «Raras veces pongo en mi pintura cosas que son literalmente de cuerdas… Nunca he creído en las simplificaciones», le dijo a la crítica de arte Teresa del Conde con motivo de la retrospectiva que ocupó el Museo de Arte Moderno en febrero de 1995.

Una niña ineducable

Nació el 6 de abril de 1917 en Clayton Green, Lancashire, Inglaterra. Procedente de una familia de buena cuna en la que rigió la educación católica estricta, tuvo como progenitores a una irlandesa de extracción rural y a un rico industrial inglés al que le llegaban de manera constante los reclamos de profesores por considerar a esa pequeña un ser «ineducable», interesado sólo en dibujar desde los 3 años. En 1920 la familia se mudó a Crookhey Hall, cerca de Lancaster, y la niña y sus hermanos quedaron al cuidado de una institutriz francesa, un tutor religioso y una nana irlandesa, personaje que sería fundamental, pues llenó la imaginación de Leonora con cuentos populares irlandeses y relatos de fantasmas.

En 1921 comenzó a inventar historias y a ilustrarlas con dibujos pero, mientras su rebeldía afloraba, sus padres la enviaron a Florencia y a París para formarla adecuadamente dentro de los cánones de la sociedad británica. En la ciudad italiana pasó nueve meses en un internado, donde se empapó del arte del Renacimiento. En 1936 ingresó en Londres a la academia del pintor purista Amédée Ozenfant, y conoció a Max Ernst a través de su ilustración para la portada del libro Dos niños amenazados por un ruiseñor. Un año después estableció contacto personal con él; decidieron vivir juntos y, ya como pareja, se mudaron al sur de Francia, donde ambos realizaron los decorados para la obra de Alfred Jarry, Ubú rey.

Memorias de abajo

En 1939, escribió La dama oval, con ilustraciones de Max Ernst, quien ese mismo año fue recluido por los nazis en un campo de concentración. Leonora logró liberarlo meses después, pero al poco tiempo, el pintor volvió a ser encarcelado y, al no lograr su rescate, ella escapó a España, donde sufrió un colapso nervioso que motivó su internamiento en un hospital para enfermos mentales de Santander, durante seis meses. No volvió a ver a Ernst. Por recomendación de André Breton y Pierre Mabille escribió Down Below como testimonio de esa experiencia.

El poder es muy peligroso; sin embargo, hay uno muy importante, que es el poder sobre una misma. […] consiste en no dejarse explotar y mantenerse rebelde, sin violencia; tener el control sobre su propio cuerpo, sobre la decisión de tener o no tener hijos porque la maternidad no es un fin… Que una mujer sea dueña de su cuerpo no es mucho pedir.

Leonora Carrington

En 1941 su padre solicitó la transferencia de Leonora al sur de África, pero ella huyó a Lisboa y se refugió en el consulado mexicano, donde contactó al escritor Renato Leduc, con quien contrajo matrimonio para conseguir la visa que haría posible su salida hacia Nueva York. Ya en Manhattan la pintora colaboró en revistas y exhibiciones surrealistas; en 1942 viajó a México para mantener, desde entonces, una vida activa en el mundo intelectual, sobre todo, con los surrealistas refugiados de guerra: Benjamin Péret, Remedios Varo, Kati y José Horna, así como con el fotógrafo húngaro Emerico «Chiqui» Weisz, quien —una vez divorciada de Leduc— desde 1946 se convirtió en su esposo, padre de sus hijos y compañero de vida.

Armada de locura

Muchas fueron las descripciones que de ella hicieron escritores y pintores, amigos y admiradores. Breton dijo que Leonora contempló el mundo real con los ojos de la locura y la locura del mundo con cerebro lúcido. Octavio Paz la llamó —junto con Remedios Varo—, «hechicera hechizada», insensible a la moral social, a la estética y al precio.

Finalmente, uno de los comentarios más entrañables que pinta a Leonora de cuerpo entero es de Luis Carlos Emerich: «Una fantasía en pie, con la rebeldía como sello. Una mujer culta e inteligente que parece tenebrosa, pero en el fondo es un chistorete cotidiano. Creadora de mundos donde confluyen el juego eterno del bien, el mal y el conocimiento. Pintora abigarrada, compleja, irónica, con una sintaxis que escapa a la anécdota. Surrealista que es pura intuición y sabiduría de los valores esenciales: vida, muerte, destino y trascendencia del ser».

«Estoy armada de locura para un largo viaje». Esa afirmación hecha por Leonora en 1948 se incluyó en el catálogo de una de sus primeras exhibiciones en París. Y la sentencia fue cumplida con creces: en su trayecto la acompañaron siempre el frenesí frente al mundo y sus pobladores; un cerebro lúcido frente a la injusticia de los hombres. Y entre la locura y la clarividencia, transitó ese interminable viaje que concluyó el 25 de mayo de 2011.

El presente texto fue publicado en Algarabía 128, mayo 2015, «Leonora Carrington: la rebeldía como sello», pp. 60-67, que, a su vez, fue un editado del texto original publicado en «Laberinto», de Milenio Diario, 28 de mayo de 2011.

Angélica Abelleyra es una de las periodistas culturales más notables de México —con más de 30 años de trayectoria—, experta en artes visuales y literatura. Ha sido docente de maestría en periodismo y curadora de varias exposiciones.

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Avatar: The Last Airbender —en español, Avatar: La Leyenda de Aang o, a veces, El Último Maestro Aire— fue una serie animada producida y transmitida por Nickelodeon en 2005 hasta 2008. La serie fue creada por los genios Michael Dante DiMartino y Bryan Konietzko, quienes tuvieron de inspiración a Hayao Miyazaki, el anime, las películas clásicas de kung-fu, entre otros temas asiáticos.

¿De Asia para el mundo?

La concepción de la serie es una combinación de arte, filosofías, mitologías, religiones y hasta modas asiáticas, especialmente de Asia Oriental, algunos ejemplos son las artes marciales chinas, el hinduismo, el taoísmo, el budismo o la yoga. Para que todas estas ideas estuvieran fielmente representadas, la serie tuvo como consultor cultural a Edwin Zane, así como del calígrafo Siu-Leung Lee, ya que la escritura dentro de la serie en realidad es una versión arcaica del chino.

La palabra avatar proviene del sánscrito अवतार, Avatāra, y significa ‘descendiente’, mientras que los caracteres chinos del título indican: «El medio divino que ha descendido al mundo mortal». En la serie, el Avatar es una persona que domina cuatro de los cinco elementos de la naturaleza —Agua, Aire, Fuego y Tierra— y funge como puente entre el plano terrenal y el espiritual, además de ser el equilibrio y mantener la paz entre los pueblos de cada uno de estos elementos. Para que esto perdure, el Avatar reencarna en cada uno de estos cuatro pueblos —siguiendo el orden de Fuego, Aire, Agua y Tierra, y así sucesivamente—, haciéndolo una analogía del Dalai Lama real.

Inspiración real

Los cuatro pueblos elementales de este mundo ficticio están inspirados en diversas culturas y locaciones del mundo real, y no sólo de Asia, por ejemplo: las dos principales Tribus del Agua, atinadamente ubicadas en los polos, están basadas en los inuit norteamericanos; los Nómadas Aire, cuatro templos ubicados en cada uno de los puntos cardinales, están basados en los monjes tibetanos y los nómadas mongoles; el Reino Tierra, la nación más extensa, está fuertemente basado en las dinastías chinas Ming y Qing; y por último, la Nación del Fuego, un archipiélago de islas ubicado en el Oeste, está mayormente inspirada en Japón.

Hay que aclarar que en cada una de estas naciones, existen personas que pueden o no manipular/controlar su elemento nacional, las cuales practican su «[elemento] Control» de manera diferente. Por ejemplo, los maestros Agua fluyen con sus movimientos como en el taichí, mientras que los Tierra se plantan como en el Hung Gar —«el boxeo de la familia Hung»—. Por otro lado, los maestros Fuego se mueven como los Shaolin del Norte y los del Aire practican el Pa kua chang o Bāguàzhâng —«la palma de los ocho trigramas»—. Además, entre mayor sea el conocimiento y dominio elemental, se pueden practicar derivados como el rayo, la sangre, el metal o el vuelo.

Enseñanzas

Dejando a un lado el estilo de animación e inspiración, a lo largo de la serie se presentan una gama de vicisitudes que a diario suceden en el mundo real y que una «caricatura» raras veces aborda o siquiera menciona o reconoce. Guerra, sexismo, colonialismo, genocidio, discriminación, imperialismo, opresión, etc., balanceado con cuestiones filosóficas como el destino y el libre albedrío, sumadas al empoderamiento femenino, la inclusión, el amor no correspondido, el respeto hacia otras creencias y demás situaciones de inclusión.

Todo eso se aborda en La leyenda de Aang, siendo éste un niño de apenas 12 años —literal, el último maestro Aire— que tiene que aprender a controlar los cuatro elementos en más o menos un año para evitar que la Nación del Fuego termine por conquistar el mundo. En tres temporadas se desarrolló esta historia, que fue doblada al español de Latinoamérica por el estudio chileno DINT —ya puedes presumir que sí le entendiste a los chilenos— y, evidentemente, se ha enriquecido la saga con cómics, novelas ligeras, una infame adaptación live-action —no la veas—, una próxima serie live-action de Netflix —qué nervios— y la secuela de la serie: La Leyenda de Korra.

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Cuando filmas el tipo de películas que yo hago, recibes cartas extrañas de la gente.

David Fincher

David Fincher es reputado como un director sumamente disciplinado, cuyo más notable talento es provocar reflexión a través de sus inquietantes historias. Representante de la vanguardia cinematográfica de los últimos 30 años, sobre el cine que hace, el grueso de la crítica le aplaude que descienda profundamente en el psique de la sociedad moderna. Afirman, señalan, que al escoger proyectos tan complejos narrativamente hablando, captura de principio a fin la atención de los espectadores. Sus partidarios le atribuyen ser el principal responsable de que el cine hollywoodense resurgiera del período nada brillante que tuvo durante la década de los noventa. 

Nacido en Denver, Colorado, en 1962, Fincher incursionó el cine desde los 21 años, trabajando para George Lucas en Industrial Light & Magic, donde colaboró en los efectos especiales de Star Wars: Episode VI – Return of the Jedi (1983). Comienza, como casi todo cineasta de entonces, siendo asistente en superproducciones veraniegas y luego pasaría a ser una de las figuras más importantes de la industria del videoclip, tan sólo le debemos los audiovisuales más sobresalientes de la era MTV: Janie’s Got a Gun de Aerosmith, Vogue y Express Yourself de Madonna, Cradle of Love de Billy Idol, Freedom de George Michael y Love is Strong de los Rolling Stones. 

A la edad de 30 años Fincher realizó su primer largometraje: Alien 3 (1992). Su transición a la gran pantalla lamentablemente se encuentra con múltiples dificultades detrás de cámaras; y aunque no todo es negativo en su llegada al cine, a la tercera entrega de esta exitosa saga de ciencia ficción, la cual consigue por momentos esa sensación claustrofóbica que poseía la original, se le debe situar dentro del grupo de películas problemáticas que no lograron superar su rodaje infernal ni su tortuosa post producción.

Ya cuajó

Su siguiente filme, Seven (1995), encumbró a uno de los villanos más laureados del Séptimo Arte y fue la película confirmativa de su genialidad. En este thriller de intriga policial —considerado de culto— se nos cuenta la persecución, la cacería del consabido John Doe —un asesino en serie, una suerte de ángel exterminador, que ejecuta sus crímenes con base en los siete pecados capitales—, a cargo de una pareja de detectives: el veterano Somerset —Morgan Freeman, entregando uno de sus trabajos más memorables—, a punto de retirarse, y su compañero, el novato David Mills —Brad Pitt, quien ofrece con esta, después de Legends of the Fall (1994), la segunda gran actuación de su carrera—. Sólido, violento e inteligente, el filme nace de la imaginación de Andrew Kevin Walker —8MM (1999), Sleepy Hollow (1999)—, un escritor desconocido que pasaba los días enteros detrás de un mostrador en Tower Records. Estupendamente narrada y sólidamente actuada, todo un festival de emoción, precisión y estética, esta obra le valdría muy buenas críticas a nivel internacional, y lo confirmaría como uno de los directores más interesantes del momento.

Aparte de las ya mencionadas, David Fincher ha dirigido otras diez películas en estas tres décadas, entre las cuales destacan la argumentalmente pesadillesca The Game, de 1997, que colmada de vuelta de tuercas seguro le hubiera fascinado al mismísimo Alfred Hitchcock; Fight Club (1999), una sátira de sorprendente salvajismo basada en la novela del siempre perturbador Chuck Palahniuk, que critica vigorosamente a la sociedad americana noventera, y con majestuoso estilo visual y las destacadas actuaciones de Brad Pitt y Edward Norton, nos presenta a uno de los personajes cinematográficos más aclamados de las pasadas épocas, el señor Tyler Durden; Zodiac, en 2007, su triunfal regreso al mundo de los asesinos seriales, donde narra la historia real del hombre que aseguró, por medio de cartas, haber matado a 37 personas, y que nunca fue capturado por la policía, y jamás fue posible confirmar su identidad. Y así le siguen Panic Room (2002), The Curious Case of Benjamin Button (2008), The Social Network (2010), The Girl with the Dragon Tattoo (2011), Mank (2020) y The Killer (2023); además de la encantadoramente tensa y tóxica Gone Girl (2014), estelarizada por Ben Affleck y la hermosa Rosamund Pike, toda una crítica mordaz a las relaciones modernas y al espectáculo mediático.

Es indiscutible que David Fincher goza de la cualidad para compaginar su gran capacidad cinematográfica con un avis comercial, un instinto para la taquilla y el negocio, francamente extraordinario. En términos generales, siempre nos muestra un rostro muy distinto en sus tramas. Es un director que ha dado varios golpes de taquilla y gozado de una enorme libertad creativa; ha llevado las formas más contemporáneas del thriller a la categoría de arte. En declaraciones publicadas en 2006 en la prensa, Fincher admitió hacer películas independientes: «Sí, claro que las hago, pero las hago en Sony y en Paramount», concluyó jactándose del gran logro que ha conseguido dentro de la industria. 

Para celebrar sus ya más de 30 años de éxito, David Fincher estrenará a finales de este 2026 The Adventures of Cliff Booth, secuela de Once Upon A Time in Hollywood (2019), y la cual marca su primera colaboración con otro genio del cine, Quentin Tarantino.

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La respuesta parece sencilla. Hay un rasgo común que distingue a la creatividad en todos los campos, la novedad. Pero ésta es una respuesta simplista; la creatividad no se da cada vez que se da la novedad. Toda creatividad implica novedad, pero no a la inversa. La novedad consiste, en general, en la presencia de una cualidad que antes estaba ausente. Se busca la novedad ya sea haciendo tabula rasa o a partir del viejo árbol al que cada primavera le brotan hojas nuevas; Paul Valèry lo expresó de manera maravillosa:

Novedad, voluntad de novedad. Lo nuevo es uno de esos venenos excitantes que acaban por ser más necesarios que el alimento y cuya dosis, si al fin nos señorea, debemos acrecer, so pena de muerte, hasta hacerla mortal.

Esta novedad puede tener varios orígenes: deliberada o no intencionada, impulsiva o dirigida, espontánea o resuelta metódicamente a base de estudio y reflexión; es el sello de las diversas actitudes de las personas creativas, la expresión de sus diferentes mentalidades, destrezas y talentos. Consideramos personas creativas a aquéllas cuyos trabajos no son sólo nuevos, sino que además son la manifestación de una habilidad especial, una energía mental, un talento o un genio.

¿Por qué valoramos la creatividad?
El culto a la creatividad es un culto a la capacidad sobrehumana —divina— del hombre. Decía Stravinsky: «En la raíz de toda creatividad, uno encuentra algo que está por encima de lo terrenal». En la concepción actual la creatividad se ha convertido en la esencia del arte; esta asociación no existió mientras que la belleza fue la que definía el arte. Cuando la asociación entre el arte y la belleza se fue debilitando, aquella que existía entre el arte y la creatividad se hizo más fuerte. En los tiempos pasados se asumía que no existía arte sin belleza; hoy, en cambio, se asume que no existe arte sin creatividad.

Actualmente manejamos muchas variantes de palabras que tienen una misma raíz y un sentido análogo: creador, crear, creativo, creatividad. De todas éstas usamos creatividad para designar el proceso que tiene lugar en la mente del creador para producir sus obras y podemos llegar a conocerlas bien, pero sólo nos es dado adivinar —e intentar reconstruir— el proceso.

A principios del siglo XIX el anatomista vienés Franz Joseph Gall, etiquetó cada zona del cráneo con diversos atributos —por ejemplo, la subliminalidad, la benevolencia y la veneración— que suponía localizadas en el córtex subyacente a cada una de ellas. Gall creía que estudiando las protuberancias del cráneo podría deducir muchas cosas del carácter de la persona, entre ellas la creatividad. Aun cuando las ideas de Gall eran erróneas —por lo que la hipótesis de la localización cortical adquirió mala reputación en los círculos científicos—, hoy podemos ver —gracias sobre todo a los estudios detallados del córtex de los macacos, completados con datos humanos— que sí hay manera de localizarla en el cerebro. Sin embargo, el cerebro humano, como el resto del cuerpo, no es una estructura uniforme, tiene diferentes funciones, trabaja interconectado.

Algunos investigadores han sugerido que una mayor distribución bilateral de las funciones del lenguaje —que pedagogía, libros de autoayuda, etcétera. Los artículos acaban casi invariablemente con frases como «impulse su hemisferio derecho» o «entrene el hemisferio derecho».

La tarea primordial del hemisferio izquierdo, dicen a menudo estos artículos, es la representación lógica de la realidad y la comunicación con el mundo externo. Pensar, leer, escribir, contar y quejarse del tiempo son funciones que se atribuyen generalmente al hemisferio izquierdo, mientras que la ocupación del hemisferio derecho es la comprensión de los patrones y las complejas relaciones que no pueden ser definidas con precisión y pueden no ser lógicas. Las cualidades del hemisferio derecho, dicen estos autores, son esenciales para la actividad creativa, pero tienden a ser desarrolladas de forma inadecuada.

Si aceptamos tal distinción: que el hemisferio izquierdo es analítico y el derecho es intuitivo, podemos ir más allá y ver —tal y como lo ha hecho Carl Sagan— cómo las dos formas de pensamiento han interactuado para generar los logros de la civilización. Él dice que las actividades creativas más significativas de nuestra cultura —sistemas legales y éticos, arte y música, ciencia y tecnología— son resultado de un trabajo conjunto entre los dos hemisferios: «Podemos decir que la cultura humana es una función del cuerpo calloso».

Pero, ¿qué nos incita a seguir creando? Quizá, citando a Albert Camus: «El viajero no era más que ese corazón angustiado, ávido de vivir, en rebeldía contra el orden mortal del mundo…».

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Barbie es una película sobre género muy necesaria desde los años 70, luego de la liberación sexual y de que las mujeres comenzaron a participar más numerosamente en casi todos los ámbitos sociales. ¿Les será tan fácil desenvolverse como a los hombres? La película Barbie muestra sin tapujos las asimetrías sociales entre los hombres y las mujeres, de las cuales no somos conscientes. A través del discurso feminista del personaje Gloria, la película transmite explícitamente lo que millones de mujeres sienten y no han logrado articular sobre las exigencias hacia la mujer en las sociedades industriales y posindustriales. Además, muestra cómo podría ser un mundo de sólo mujeres. Es indispensable producir más películas sobre las brechas entre los géneros y darnos cuenta de ellas.

Criatura hermosa

Sin embargo, Pobres Criaturas se convirtió en mi favorita. Si no la has visto, mi opinión tal vez te revele mucho sobre ella. El griego Yorgos Lanthimos, su director, se propuso retos que logró magistralmente; combinó los géneros de fantasía científica, comedia oscura y drama con los estilos artísticos victoriano, art decó y futurista, para lograr una época atemporal y un mundo coherente. 

Además, Pobres Criaturas me cautivó porque Bella, su protagonista, muestra una manera de ganar libertad frente a las conductas humanas y a los acontecimientos —cosa que cualquier persona puede decidir responder como lo hace Bella—.Por si hay duda, aclaro que no es una película de autoayuda o que pretenda dar lecciones de ningún tipo.

Origen

Pobres Criaturas es una adaptación de la novela homónima del escritor, poeta y artista escocés Alasdair Gray publicada en 1992. La película trata de la vida de Bella Baxter, quien fue la creación del científico Dr. Godwin Baxter. Él rescató del río a una mujer embarazada que intentó suicidarse al lanzarse de un puente y le trasplantó el cerebro del feto. A lo largo de la película, atestiguamos el crecimiento de Bella de bebé a niña, luego a adolescente hasta que llega a ser mujer. 

Cuando alcanza la adolescencia, su curiosidad por salir de la mansión en Londres en la que vive encerrada con su creador, el Dr. Godwin, la motiva a irse a recorrer el mundo con el gigoló abogado Duncan Wedderburn. En este viaje por Europa y África la protagonista se descubre a sí misma, al mundo y la variedad de conductas humanas.

Personajes

Bella encarna la inocencia, la naturalidad y la experimentación. Es un lienzo blanco contra el que se estrellan colores que representan las conductas humanas: la conducta obsesiva, representada por el padre de Godwin, quien lo castró con el afán de hacer experimentos científicos; la evasión de nuestras emociones, encarnada en Godwin y su elección de utilizar la ciencia y la racionalidad para conducirse; la deshonestidad, mostrada por los marineros; el pragmatismo y la lucha por la supervivencia, ejemplificados por la matrona; la crueldad y el afán de dominio, representados por Alfie. 

El personaje más radical es el abogado Duncan, que encarna la inmadurez y el narcisismo. Duncan también nos muestra la locura en la que nos enfrascamos cuando nos ponemos en la posición de víctima ante sucesos fuera de lo que esperamos o deseamos, ante la imposibilidad de reconocer a quien está frente a nosotros y de no tomarnos personales sus acciones, ante la imposibilidad de reconocer nuestra herida y aquello externo que la hace doler.

Bella le dice a Alfie que antes de él, otros habían tratado de mantenerla prisionera. La sociedad constantemente busca someter la inocencia y la naturalidad para mantener el control o el status quo, no es plenamente permisiva de la experimentación, pues ésta puede afectar grandes intereses económicos, políticos y religiosos.

Reflexiones

Ante estas conductas humanas y la opresión de las mismas en Bella, ella responde siendo consciente de sus emociones sin victimizarse, sin tomarse personal nada de lo que le sucede o el daño que otros le infligen con sus actos. Bella se muestra responsable de su situación en lugar de culpar al de enfrente por ella, como lo hace el herido abogado contra Bella cuando se da cuenta de que no puede dominarla como lo hizo con las mujeres anteriores. Ella no sufre porque no tiene apegos a objetos, a relaciones, a ideas o al pasado, simplemente vive el presente.

El budismo identifica al apego como la causa del sufrimiento y la protagonista no responde a las personas ni a los acontecimientos con juicios, prejuicios o condicionamientos sociales. Es decir, Bella se conduce en libertad —que por cierto, son principios de la práctica del budismo y de la meditación, como estar en el presente, el desapego, la observación y la ausencia de prejuicios.

Al terminar de verla, sólo queda para el espectador responder por qué la película tiene ese título, y ¿quiénes son las «pobres criaturas»?

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«Si puede ser escrito o pensado, puede ser filmado».
 Stanley Kubrick

28 de diciembre de 1895, París, Francia

Treinta y tres personas, del centenar que paseaba por el Boulevard des Capucines, se animaron a entrar al número 14, en cuya puerta un cartel anunciaba de forma escueta: «Cinematógrafo Lumière. Entrada 1 franco».

Una vez que todos ocuparon su asiento, se apagaron las luces y sobre una gran tela blanca se proyectó la imagen de una estación de tren. El público no se extrañó de nada, pues ya existían «linternas mágicas» con las que se amplificaban fotografías… hasta que la imagen comenzó a moverse.

Cuando en la proyección apareció un ferrocarril que se aproximaba a toda velocidad a la estación, algunas personas huyeron de la sala temerosas de que éste los aplastara. Una vez pasado el susto, regresaron apenados a sus lugares a disfrutar del resto de las imágenes en movimiento.

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Según «la más oficial de las historias», así fue la primera proyección pública del cinematógrafo de los hermanos Lumière, quienes durante algún tiempo pensaron que su invento no pasaría de ser una curiosidad sin trascendencia.

La ilusión del cine tal vez comenzó en antiguas cavernas con las pinturas rupestres, cuando el ser humano intentó contar historias con luces y sombras.

Sombras de Oriente

En la India, cinco mil años antes de la era cristiana, ya se proyectaban sombras sobre una tela para representar animales y personas —con manos o figuras—, pero fue durante la dinastía Han, en China —206-220 a.C.—, que se perfeccionó el arte de narrar historias con papeles de colores —incluso con piezas de vidrio— y eran proyectados por medio de lámparas detrás de una pantalla —también de papel.

• Cámara estenopeica: En el siglo v a.C. los antiguos griegos registraron este fenómeno, que consiste en una imagen que se proyecta de cabeza en un muro cuando ha pasado por un pequeño agujero dentro de una habitación oscura; los griegos no pudieron entender la naturaleza de la luz porque pensaban que los ojos emitían ciertos rayos que permitían la vista. No fue sino hasta el siglo x que el matemático y astrónomo persa Ibn al-Hayṯam (965-1040) pudo explicar el fenómeno y descubrió que, entre más pequeño era el agujero, más nítida resultaba la imagen reflejada. Con base en este principio, diseñó la primera «cámara oscura», con la que se pudieron observar los eclipses —y otros astros que transitaran por el sol— sin perder la vista.

• Cámara oscura: Permite obtener la proyección de una imagen que a su vez es invertida con un espejo para reflejarse en una tela. El término fue acuñado por Johannes Kepler, quien en su Ad Vitellionem Paralipomena (1604), describe su funcionamiento y las bases para desarrollar el telescopio y, siglos más tarde, la fotografía; también la usaron los paisajistas para trazar panorámicas.


Persistencia retiniana —o de la visión—
Una imagen permanece en la retina humana durante una décima de segundo antes de desaparecer. Debido a este efecto, una secuencia de imágenes fijas —de 12 a 24 «cuadros» por segundo— crean la ilusión de movimiento continuo:

• La linterna mágica: Invirtiendo el proceso de la cámara oscura—cuya imagen sólo podía verse dentro de una superficie reducida— este aparato permitió proyectar imágenes hacia una tela o un muro. Durante mucho tiempo se pensó que el «inventor» de este instrumento fue el alemán Atanasio Kircher, pero hace poco se descubrió que es más probable que lo hubiera diseñado el astrónomo holandés Christiaan Huygens.

• Zoótropo: Aunque existe un modelo chino que data del 180 d.C., el modelo estroboscópico moderno fue creado en 1834 por el matemático inglés William George Horner. Consiste en un tambor que en su interior contiene dibujos y cuenta con orificios verticales por lo que, una vez que se le da vuelta, simula un movimiento secuencial en las imágenes.

• El daguerrotipo: En el siglo xv se comenzaron a estudiar las propiedades del nitrato de plata y sus reacciones fotoquímicas ante la luz. En 1820, Joseph Nicéphore Niépce realizó el primer fotograbado, que consistía en exponer una placa fotosensible ante la proyección de una imagen durante una larga exposición. Más tarde, Niépce se asoció con Louis Daguerre y experimentaron la técnica con derivados de la plata. Niépce murió en 1833, pero Daguerre continuó perfeccionando su técnica, hasta que en 1837 desarrolló el daguerrotipo, técnica sobre la cual se fue mejorando la fotografía.

Primer daguerritpo: vista de la ventana de Daguerre

• El celuloide: el nitrato de celulosa fue desarrollado en 1863 por John Wesley Hyatt. Se comenzó a emplear como película fotográfica en 1887. La flexibilidad de este material permitió desarrollar largos rollos de película, esenciales para grabar imágenes en movimiento.

Pierre Janssen, además de haber descubierto el helio en 1868 por medio de la observación de un eclipse, también desarrolló el «revólver fotográfico» para capturar imágenes del paso de Venus por el Sol en 1874.

Por la misma época, el médico Étienne Jules Marey llevaba algunos años estudiando el movimiento de personas y animales. Con base en el invento de Janssen, Marey desarrolló el «rifle fotográfico», con el que pudo registrar el movimiento de aves, caballos e incluso personas y, con ello, romper con muchos mitos que existían sobre la naturaleza del movimiento.

• «Teatro óptico»: con base en la linterna mágica y el zootropo, Charles-Émile Reynaud inventó el praxinoscopio —mejor conocido como «teatro óptico»—, que funcionaba con perforación en las cintas para tener una reproducción medida y automática. Además, sus dibujos animados fueron las primeras proyecciones visuales con argumento, música de fondo e incluso «efectos sonoros» que él mismo ejecutaba al momento de proyectarlos.

• El kinetoscopio: Considerado el precursor directo del cinematógrafo, este instrumento fue desarrollado por William Kennedy Laurie Dickson —mientras trabajaba para Thomas Alva Edison— entre 1889 y 1892. Por supuesto, Edison registró la patente como suya —para variar—. Aunque tuvo su momento de auge, la gran desventaja de este aparato es que las cintas sólo podían ser vistas por una sola persona y los intentos por «agregarle sonido» fracasaron.

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«El secreto de las películas es que son una ilusión». 
George Lucas

La gran trascendencia del cinematógrafo de los hermanos Lumière —a diferencia de otras invenciones de su época— fue que la reproducción de las imágenes no se limitaba a un sólo espectador; sin proponérselo, inventaron una experiencia colectiva que, hasta la fecha, forma parte indispensable de nuestra cotidianidad.

Entre los espectadores de la primera función privada que ofrecieron los Lumière se encontraba el ilusionista George Méliès, quien al finalizar la proyección le rogó a los inventores que le vendieran uno de esos aparatos. Los Lumière trataron de disuadir a Méliès porque, además de que le resultaría muy costoso, estaban convencidos de que la «novedad» de los documentales en movimiento sería efímera: «El cine no pasará de ser una curiosidad. Es una moda que desaparecerá cuando se agote la capacidad de sorpresa del público».

Méliès demostró, en casi 600 cortometrajes de ficción, las posibilidades narrativas que tenía este invento, al grado de convertirlo en un arte. El resto es la historia del cine. ❧

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El matrimonio bostoniano 

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La información no genera vínculo; los objetos, sí.
Byung-Chul Han

Los mensajes por chat en mi celular iban y venían en mayor cantidad que de costumbre. «No salimos ni al súper», «Mi hermano está contagiado», «Por fin puedo tomar el curso de arte que tanto quería, ahora es por videoconferencia». Estábamos confinados a raíz de la pandemia declarada como tal por la Organización Mundial de la Salud el 11 de marzo de 2020 y ocasionada por el virus SARS COVID-2 . Sólo nos quedó la virtualidad para seguir estando cerca.

Conforme pasaron los meses, la intensidad en los grupos de chat continúo, parecía que, a más mensajes, más vínculo. «Les mando una foto de hoy, por primera vez salimos, fuimos al Bosque de Chapultepec», nos escribió mi amiga Frinee. Me detuve y quise hacer memoria, ¿qué recuerdos estaba forjando con mis amistades? Cada nuevo mensaje anulaba el previo, las fotos que me enviaban sobre sus vidas pronto se perderían entre los cientos de piezas de información almacenada en la nube. Pensamos que volveremos a las fotos y a los videos porque lo digital sobrevivirá por siempre gracias a la gran capacidad de memoria en nuestros dispositivos y en la nube. La verdad es que es tanto volumen intangible que se nos olvida.

Sólo basta una carta o postal

No había forjado recuerdos con mis amistades durante los meses de aislamiento causado por la pandemia, ni recuerdos sobre los sucesos de su vida, ni sobre su sentir porque no había compartido momentos presenciales con ellos. ¿Qué hacer?

—Miren lo que me encontré—, irrumpió Óscar en el grupo de chat de mis amigos de la licenciatura. —Esta postal de Barcelona me la envío Gloria en el año 2000.

Quedamos asombrados. Gloria se arrancó a chatear sobre sus recuerdos en ese viaje. Yo recordé que era una asidua escritora de cartas en mi adolescencia, enviaba unas dos al mes a mis amigas, quienes me respondían, a veces con postales de sus ciudades o de los lugares que visitaban.

Yo estaba felizmente confinada en la Riviera Maya, en Quintana Roo, ¿por qué no enviarles postales de su bello arrecife de coral y de la zona arqueológica de Tulum, que mira al mar turquesa? Aproveché que algunos comercios comenzaron a abrir para buscarlas en Playa del Carmen. En un viejo portapostales pintado de blanco, oxidado y casi vacío, encontré suficientes.

Contagié a mi esposo y envío dos postales. ¿Se habrá debido a que el último regalo que le dio su mejor amiga antes de morir de cáncer fue el bonche de cartas y postales que ellos intercambiaron?

Como en los viejos tiempos

Cuando le escribí su postal a Maylin, recordé con ella los cursos de literatura que tomamos juntas; con Salvador, nuestras idas al teatro; con Dulce, Gloria y Tonatiuh, encuentros que se pospusieron por la pandemia y la promesa de retomarlos en cuanto fuera posible. Luego de tres semanas, me contactaron para agradecerme el detalle y Gloria tomó la estafeta, así que le compartí los domicilios de nuestros amigos de la licenciatura. Unos meses después Luis Pablo y yo recibimos sus postales de Mazatlán. Ella me escribió: «Carlita: disfruto de tomarme el tiempo de sentarme a escribir las postales junto con un café, de valorar lo más especial de mi viaje y escribirlo en la postal». Me sentí motivada para enviar una segunda ronda de postales, esta vez, de Morelia tomadas bajo el lente del cronista de la ciudad José Antonio Romo.

«Estuve en Morelia, donde crecí, un par de meses con mi madre. El home office ha sido un regalo para mí. Mi mamá me compartió recetas de cocina y yo le leí mi autobiografía sobre mi vida en Qatar, una obra que me llevó años escribir. Sabía de su enfermedad y mi madre sucumbió al cáncer en mayo», le escribí a Alejandro, cuya madre murió cuando éramos compañeros en la licenciatura.

A Alberto le envíe un abrazo especial por el fallecimiento de su padre por esas fechas. «Ahora ellos viven en nosotros», le escribí. Más adelante envíe una postal a Maylin: «Sigo en Morelia, viendo qué hacer con las propiedades, amistades, el hogar que fue Morelia para mí. Supongo que tuviste que hacer lo mismo cuando migraste de La Habana a la Ciudad de México”.

A Dulce le escribí: «Es momento de echar mano de tantos años de meditación, yoga, terapias, rituales; tú me has acompañado en ese camino». Y a Carmina, cuyo padre falleció hace varios años, le compartí que no supe cómo, pero de repente algo hizo click en mí y logré lo que anhelé por tanto tiempo: reconciliarme con mi madre. «Ahora me siento más vinculada con ella que nunca». Ironías de la vida y de la muerte.

También aproveché para echar una o dos fotos de recuerdo en el sobre junto con la postal, es decir, me di a la tarea de buscar dónde imprimir las fotos digitales almacenadas en mi computadora. Tristemente, solo Frinée, Leonardo y Dulce recibieron su sobre con la postal y fotografía y nunca me llegó la postal que me envió Luis Pablo desde Australia.

También internacionales

Me queda el recuerdo de la postal que me envió Gloria de su viaje a Alemania. Está impregnada de uno de los sucesos más importantes en su vida: el nacimiento de la hija de su hermano, la única sobrina de la familia, y cuya llegada al mundo motivó su viaje, junto con la boda de su hermano y conocer a la familia política. Con razón escogió la postal de un jardín de tulipanes colorido, lleno de vida.

Si quieres aventurarte a enviar postales, envíalas en sobre y por correo certificado de Correos de México, así es más probable que alcancen su destino. Y si lo alcanzan, sentirás alegría de compartir un recuerdo tangible en la era digital.

PD: Me gusta escribir cartas, me gusta recibirlas, pero me desmotiva que no alcancen su destino. Hace unos 15 años, propusimos una transformación para Correos de México; había que modificar la red logística. Puede sonar muy complicado, pero esta solución no resultaba amenazante porque no implicaba despedir personal ni introducir maquinaria, aspectos a los que se niegan los sindicatos y otros involucrados. Era un buen momento para la transformación del servicio postal mexicano, pues no había tantos proveedores de mensajería como ahora. Pero Purificación Carpynteiro, quien comenzó esta transformación, no quiso quedarse como titular, sino que se fue a buscar una subsecretaría. No alcanzó a escuchar nuestra propuesta y quien la sucedió, no tuvo interés en implementarla. Y así ha seguido pasando el tiempo y aumentando el deterioro de Correos de México.

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