Beneficios de los préstamos personales

Uno de los principales beneficios de los préstamos personales es la rapidez con la que puedes acceder a los fondos. Las principales instituciones financieras ofrecen procesos de solicitud en línea, lo que te permite recibir el dinero en tu cuenta de manera inmediata o en un corto plazo. Una vez que solicites el préstamo en la plataforma y que recibas el visto bueno de la entidad, puedes utilizarlos para cualquier propósito, desde cubrir emergencias médicas hasta realizar mejoras en tu hogar.

¿Qué montos puedes solicitar?

El monto que puedes solicitar dependerá de varios factores, como tu historial crediticio, tus ingresos y la entidad que elijas para hacer la solicitud. Generalmente, los préstamos personales ofrecen desde pequeñas cantidades para cubrir gastos puntuales, hasta montos mayores que pueden ayudarte a financiar proyectos más ambiciosos. Las plataformas más confiables permiten obtener hasta $25,000 sin comisiones ocultas. Es importante calcular bien la cantidad que realmente necesitas y no exceder tu capacidad de pago.

Pasos clave para solicitar un préstamo

Solicitar un préstamo personal hoy en día ya no es un proceso complicado. El primer paso es elegir la cantidad de dinero que necesitas y decidir los plazos de pago que más te convienen. Luego, deberás completar un formulario de solicitud en línea, en el que tendrás que ingresar datos personales y financieros. Las mejores instituciones procesan las solicitudes de forma rápida y te notifican la respuesta en pocos minutos.

Factores a considerar antes de solicitarlo

Antes de decidirte por un préstamo, es crucial analizar algunos aspectos clave. Primero, asegúrate de entender las tasas de interés y cualquier cargo adicional que pueda aplicarse. También revisa los términos de pago, como la duración del préstamo y la periodicidad de las cuotas. Un préstamo bien gestionado puede ser una gran ayuda, pero es importante asegurarse de que podrás cumplir con los pagos.

El pago de tu préstamo

Una vez aprobado el préstamo, es esencial cumplir con los pagos acordados para evitar cargos adicionales o afectar tu historial crediticio. Puedes optar por pagar en cuotas mensuales o establecer un calendario que se ajuste a tus ingresos. La clave está en mantener un control financiero adecuado y ser puntual con los pagos para que el préstamo sea una herramienta útil sin complicaciones.

En conclusión, los préstamos personales pueden ser una opción valiosa para quienes requieren fondos de forma rápida, ya sea para emergencias u oportunidades que no puedan dejar pasar. Sin embargo, es fundamental comprender los aspectos clave, como los beneficios, los montos disponibles y el proceso de solicitud.

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El día V-J, en Times Square, vi a un marino corriendo por la calle y abrazando a todas las mujeres que veía, sin importar si era una abuela, o si era corpulenta o delgada, no hacía ninguna diferencia. Estaba corriendo tras él con mi Leica, pero no me había gustado ninguna foto. De pronto, en un segundo, vi que había tomado en sus brazos algo de color blanco. Volteé y disparé en el momento en el que el marino besó a la enfermera. Si ella hubiera estado vestida de negro, nunca hubiera tomado la foto; lo mismo si él hubiera usado un uniforme blanco. Tomé exactamente cuatro fotos. Todo terminó en unos cuantos segundos.

El artista firma una impresión de su famosa foto en 1995, poco antes de morir.

Breve documental sobre Eisenstaed.

Escultura de Seward Johnson conmemorando la fotografía.

Conoce más de la historia de la revista Life en Algarabía 104.

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El síndrome de Asperger es un trastorno del espectro autista que suele ser menos grave y que se caracteriza, entre otras cosas, por un comportamiento social inusual por parte de quien lo padece. ¿Te gustaría saber más sobre el tema? Da click al video que tenemos preparado para ti.

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1. Jean Cocteau

Francia (1889-1963).
Jean Cocteau es, quizá, el único artista del siglo xx que imitó el modelo de «hombre renacentista», interesado en abordar, con sumo rigor, una extensa área de saberes y disciplinas artísticas. Pintor, escultor, diseñador, novelista, dramaturgo, poeta, crítico y cineasta, Cocteau gravitó del pincel y la pluma a la cámara elaborando los más grandes ejemplos —junto a las obras de Buñuel— de cine auténticamente surrealista.
En 1930 dirigió su primera película, La sangre de un poeta, un comentario de su propia mitología privada. Cocteau narra, en una atmósfera de ensueño, el proceso de un joven poeta condenado a caminar por los pasillos de un hotel por haber cometido un crimen: darle vida a una escultura. Paralelamente, escribió lo que muchos consideran su más grande obra, La Machine Infernal, un tratamiento del tema de Edipo. Posteriormente continuó explorando motivos y temas mitológicos en sus filmes Orfeo (1950) y El testamento de Orfeo (1960). A lo largo de su carrera cinematográfica, Cocteau creó alrededor de 12 películas, entre las que destaca La bella y la bestia (1945). También incursionó en la música manteniendo una estrecha relación con el grupo de compositores denominado «Les Six». Otras colaboraciones artísticas incluyen el diseño de escenarios para el ballet de Darius Milhaud y Erik Satie, Le Boeuf sur le toit (1920), así como la realización de libretos para Igor Stravinsky.

2. Cindy Sherman

EE.UU. (1954- ).
Es considerada una de las artistas más influyentes e importantes del arte contemporáneo debido a su constante, elocuente y provocadora exploración en torno a la construcción de la identidad contemporánea a partir de las implicaciones de la representación visual y el abrumador universo de imágenes que se desprenden del cine, la televisión, las revistas, el Internet y la historia del arte.
Trabajando como su propia modelo durante más de 30 años, Sherman captura su imagen en una amplia gama de formas, personajes y posibilidades que devienen situaciones divertidas, críticas, inquietantes o grotescas. Para crear sus fotografías, ella asume varios roles —fotógrafa, modelo, maquillista, estilista, jefa de vestuario y diseñadora— y hábilmente, con el uso de pelucas, disfraces, prótesis y otros accesorios, altera su físico para ser una sirena, un payaso, una anciana, una señora de la alta sociedad, etc.
Los temas dominantes en la obra de Sherman son el artificio y la ficción; el cine y el performance; el horror y lo grotesco; los mitos y los cuentos de hadas; el género y la identidad de clase. Dirigir una película fue el siguiente paso para la prolífica fotógrafa: en 1997 dirigió Office Killer, una película de terror con dosis de violencia explícita y con una fuerte carga satírica sobre un empleado de oficina que mata accidentalmente a un compañero de trabajo.

3. Robert Longo

EE.UU. (1953- )
Robert Longo tenía 25 años cuando irrumpió en la escena artística de Nueva York con Men in the Cities, su icónica serie de 1983 que consistía en varios dibujos a gran escala, realizados con la técnica al carbón, representando a hombres de negocios posando en contorsiones extrañas y poco naturales.
La práctica del dibujo a gran escala y el desarrollo de una técnica renacentista —uso del claroscuro, aprovechamiento de la luz y la oscuridad como elementos principales— son el sello distintivo de Longo, además de su profunda capacidad de representar estados psicológicos complejos donde busca establecer un equilibrio entre lo personal y la carga social de las personas dibujadas.
Sus obras son imágenes construidas con una presencia física contundente; su intención es explorar el poder y la manera en que afecta los distintos niveles de vida. Longo ha dirigido un par de videoclips musicales, como «Bizarre Love Triangle» de New Order y «The One I Love» de r.e.m., y en 1995 realizó el largometraje de ciencia ficción Johnny Mnemonic, basado en un cuento de William Gibson y protagonizado por Keanu Reeves, sobre un hombre que posee un implante cerebral para trasladar información y se involucra en un enfrentamiento entre una compañía farmacéutica y la Yakuza.

4. David Salle

EE.UU. (1952- )
Perteneciente al arte posmoderno —movimientos y estilos que se desarrollan a partir de la década de los 70 como el neoexpresionismo o el simulacionismo—, el repertorio visual de David Salle se conforma a partir de pinturas y fotografías ya existentes. Basándose en los modelos y estilos de la historia del arte, la publicidad, el diseño y la cultura popular, Salle crea un conjunto de referencias múltiples que alude a los barrocos Velázquez y Bernini, al postimpresionista Cézanne, a Giacometti y Magritte, y al arte americano de la posguerra.
En 1995 fue invitado por Martin Scorsese para dirigir Search and Destroy, un filme sobre el fracaso, los deseos reprimidos y la intención de realizar una película como un negocio para salir de apuros económicos. Esta sátira sobre el sueño americano fue protagonizada por Griffin Dunne, y contó con las actuaciones de Ethan Hawke, Dennis Hopper, Christopher Walken, John Turturro, y Rosanna Arquette. El único filme de Salle —hasta la fecha— fue aclamado durante su presentación en el Festival de Cine de Sundance de 1995 y calificado como «un feroz rugido, a menudo exuberante, pero mordaz comentario sobre la vida moderna americana».

5. Julian Schnabel

EE.UU. (1951- )
Inspirado en artistas como Pablo Picasso y Jackson Pollock, el trabajo pictórico de Schnabel destaca por el empleo de colores brillantes y las gruesas texturas encima de los lienzos. En sus inicios, experimentó pintando sobre superficies poco convencionales —terciopelo, pieles de animales, lozas rotas— desafiando la moderación, racionalidad y orden del arte clásico. Su actitud barroca se reconoce en su amplia gama de fuentes —cristianismo, mitología clásica, libros infantiles, revistas contemporáneas— plasmadas en óleo o collage. Figuración y abstracción; elementos clásicos y neoexpresionistas conviven en su obra.
En 1996 escribió y dirigió su primer largometraje, Basquiat, sobre el artista neoyorquino Jean-Michel Basquiat, y en 2000 volvió a colocarse en la silla de director para trabajar con Javier Bardem y Johnny Depp en Before Night Falls, la película biográfica del escritor cubano Reinaldo Arenas. En La escafandra y la mariposa —Le scaphandre et le Papillon— (2007), ganadora del Globo de Oro a la Mejor Película Extranjera, Schnabel experimentó con varios movimientos de cámara para conseguir que el espectador se colocara en la posición del protagonista, Jean-Dominique Bauby, un editor de moda que sufrió un derrame cerebral devastador y quedó completamente paralizado, pero que adereza su constreñida consistencia con cualquier estímulo exterior y vívidos recuerdos.

6. Tracey Emin

Inglaterra (1963- )
Ubicada dentro del grupo de los Young British Artists, Tracey Emin es la artista con mayor notoriedad sólo atrás de su colega, el mediático Damien Hirst. Basándose en experiencias personales, Emin retrata situaciones dolorosas con brutal honestidad y humor poético en una amplia variedad de medios, incluyendo pintura, dibujo, instalación, escultura y cine. Demostrando su capacidad para ser una narradora consumada, Emin involucra al espectador mediante una exploración franca de emociones universales.
Se trata de un arte confesional donde la artista revela detalles íntimos de su vida estableciendo una relación muy cercana con el espectador. En sus instalaciones, Tracey nos muestra su propia cama, en todo su esplendor embarazoso: colillas de cigarros tiradas, botellas de alcohol vacías, sábanas arrugadas y manchadas, y ropa interior sucia. Se trata de la sangrienta secuela de un ataque nervioso.
En 2004 contó con el apoyo de Michael Winterbottom para dirigir Topspot, filme sobre un grupo de adolescentes que crecen en la localidad costera de Margate, donde Tracey fue violada cuando tenía 13 años. Los seis personajes principales dibujan un panorama sombrío de las costumbres y la vida de los jóvenes en la antigua ciudad natal de Emin.

7. Shirin Neshat

Irán (1957- )
Artista iraní que a los 17 años fue enviada a ee.uu. a estudiar; la Revolución Islámica en 1979 le impidió volver a su país de origen por casi 20 años. Las primeras obras de Neshat fueron fotografías; Unveiling (1993) y Women of Allah (1993-1997) exploran las nociones de feminidad en relación con el fundamentalismo islámico y la militancia en su país natal. Posteriormente incursionó en el videoarte donde produjo obras con contenido abiertamente político.
En sus primeras videoinstalaciones —la trilogía que comprende Turbulent (1998), Rapture (1999) y Fervor (2000)— utiliza pantallas de video duales para retratar oposiciones abstractas que refieren al género y la sociedad, al individuo y al grupo, y también aluden a la condición restrictiva de las leyes islámicas relativas a las mujeres.
Neshat ha dirigido varios cortometrajes, entre los que destacan Illusions & Mirrors (2013), protagonizado por Natalie Portman. En 2009 realizó el largometraje Women Without Men —ganador del León de Plata en el Festival de Venecia—, adaptación de la novela homónima de la escritora iraní Shahrnush Parsipur, que narra cómo se entrelazan las vidas de cuatro mujeres en Irán durante el verano de 1953, cuando el gobierno británico decidió intervenir para derrocar a Mohammed Mossadegh. Un destacado thriller que aborda temas como los derechos humanos, el papel de la mujer en la sociedad y el valor simbólico del jardín en la tradición islámica.

8. Matthew Barney

ee.uu. (1967- )
Mientras vivía con su padre, jugaba futbol americano en el colegio; cuando visitaba a su madre, asistía a museos y galerías. Esta mezcla de deporte y arte lo motivaron a dedicarse a varias disciplinas artísticas —escultura, performance, video y cine— para explorar el tema del cuerpo. Su visión singular coloca como elemento primordial en su obra los rigores físicos del deporte y sus corrientes subterráneas eróticas para analizar los límites del cuerpo y la sexualidad. De esta manera, la obra del artista refleja su pasado como atleta, mientras que también está en sintonía con una nueva política y estética del cuerpo.
Creador de la ambiciosa serie de filmes Cremaster (1994-2002), Barney interpreta a diversos personajes como un sátiro, un mago, un carnero o un asesino, no sólo para representarlos, sino para desenvolverse en el terreno de lo físico como cada uno de ellos. Las acciones rituales de Barney se desarrollan en espacios híbridos, recintos alterados para dificultar el tránsito —por ejemplo el museo Guggenheim o un edificio de General Motors—.
El ciclo de Cremaster es sobre los ascensos y descensos, las repeticiones, los procesos y la búsqueda de resultados. El universo metafórico de Barney emplea la biografía, la mitología y la geología como modelos narrativos.

9. Sam Taylor-Wood

Inglaterra (1967- )
Artista visual británica dedicada a la fotografía y el video. Su obra examina la división entre ‘el ser’ y ‘la apariencia’; a menudo coloca figuras humanas —ya sea individual o colectivamente— en situaciones donde lo reflejado hacia el exterior y las sensaciones al interior están en conflicto. Su lánguido y silencioso retrato fílmico de David Beckham, por ejemplo —que fue filmado en una sola toma— ofrece una alternativa serena y apacible en oposición al ritmo acelerado y frenético que vive una celebridad frente a los reflectores. Para otra de sus obras, Crying Men, convenció a un grupo de actores, incluyendo a Daniel Craig y Jude Law para posar frente a la cámara mientras lloraban.
Taylor-Wood también ha explorado las nociones de peso y gravedad como en la serie de autorretratos Self Portrait Suspenden i-viii, donde aparece la artista flotando en el aire sin la ayuda de ningún apoyo visible. En 2009 realizó su debut como directora con Nowhere Boy, una biopic sobre los años de adolescente de John Lennon; un filme auténtico, ingenioso, con gran sentido visual y narrativo. Actualmente, la artista británica se encuentra en la postproducción de la esperada adaptación cinematográfica de la novela erótica Fifty Shades of Grey (2015).

10. Steve McQueen

Inglaterra (1969- )
Muchas de las obras de videoarte y videoinstalación de Steve McQueen impactan directamente en el movimiento, la dirección y la posición del espectador en el espacio. El artista británico propone una especie de ‘expanded cinema’ —cine expandido—, donde las proyecciones van más allá de los límites de la pantalla tradicional para incluir el cuerpo de los espectadores.
Estas obras ejercen una atracción ineludible, acercando al público a su dinámica, como en la fuerza radial generada en Static (2009): en una pantalla suspendida en el espacio, se proyectan las imágenes captadas por una cámara en movimiento circular alrededor de la Estatua de la Libertad, el espectador se ve obligado a caminar alrededor de esta pieza escultural para percibir la totalidad de la obra.
Sus amplios referentes visuales —el cine de Dziga Vertov, Buster Keaton, Robert Bresson y Andy Warhol; el videoarte de Dan Graham y Vito Acconci; y la fotografía de Man Ray y Alexander Rodchenko—, configuran un estilo basado en la manera de filmar directa y sin una duración determinada, y sus obras temáticamente remiten al sujeto, al tiempo de la vida y a la vulnerabilidad.
Su consciencia política y socialmente comprometida le valió el prestigioso Premio Turner 2009 en el terreno del arte con Deadpan y la Cámara de Oro 2008 en el ámbito cinematográfico con Hunger. En este filme, su debut como realizador, McQueen emplea una sobria puesta en escena y aprovecha los espacios minimalistas como elementos fundamentales en la composición de cada secuencia; Hunger es una meditación sobre la voluntad, la resistencia y el cuerpo humano como el último sitio de protesta.
En 2011 dirigió Shame, un complejo retrato sobre un adicto al sexo, y con 12 Years a Slave, sobre la esclavitud en ee.uu. durante le siglo xix, obtuvo el Oscar a Mejor Película en 2014.

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Existen adjetivos epicenos —que designan el masculino y el femenino de una palabra sin importar el género gramatical—, como oyente o estudiante, que derivan de un verbo, y ése es el caso de presidente, que proviene de presidir, «el que o la que va primero».Hay otros adjetivos como inteligente o adolescente que también derivan de un verbo, si bien éste no prevaleció en el español, sí existió en el latín: intellegere, «comprender, darse cuenta», que se convirtió en inteligente; mientras que adolescente proviene de adolescere, que significa «crecer, desarrollarse, ir en aumento» —y no del verbo español adolecer, como la gente erróneamente cree—. Como sea, es poco común decir estudianta, oyenta, inteligenta o adolescenta. Del mismo modo debería serlo presidenta, a pesar de que la RAE, por el uso —y, quizá, la corrección política—, no lo considera de ese modo.

Sustantivos epicenos

Por otro lado, existen sustantivos epicenos, que designan seres vivos de ambos sexos, como sapo, rana, ballena, pulga, hormiga, mosquito o tortuga. Es importante dejar claro que no siempre el sexo gramatical determina diferencias de género; es decir, que aunque la palabra catarina sea femenina, no significa que todas las veces se refiera a una hembra, pues aunque se trate de un macho, no decimos «el catarino», «el rano» o «el balleno».

Epicenos son también criatura, víctima o persona, y nada tiene de malo que a un hombre se le diga «esa persona». Existen también adjetivos que poseen los dos géneros de forma implícita, como oficinista, cónyuge o testigo, y el que determina el género es el artículo: el o la oficinista, el o la cónyuge, el o la testigo.

También hay otras palabras que, aunque nada nos lo impida, no debemos cambiar de género, como músico, químico o físico, pues hacen referencia a disciplinas como la música, la química y la física. «Margarita es física» o «Mi prima es una excelente música» son términos correctamente empleados aunque con reticencias culturales para su uso. En lugar de eso se dice: «Margarita es físico» o «Mi prima es una excelente músico».

Y respecto a sustantivos como jueza, cancillera o alcaldesa, queda a su consideración su empleo, porque en eso estriba que sean admitidos o no como parte de la norma.

Cintia Calderón Bustamante es egresada de la maestría en Letras de la UNAM, y su amor por la literatura la ha llevado por extraños vericuetos, pero siempre al mismo destino: frente a la página escrita.

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Los estados más mexicanos de los EE.UU.

1. California – 4 184 152
2. Texas – 2 633 778
3. Illinois – 677 430
4. Arizona – 526 789
5. Florida – 275 019
6. Georgia – 248 866

Los estados menos mexicanos de los EE. UU.

1. Maine.- 220
2. Vermont.- 430
3. West Virginia.- 790
4. Rhode Island.- 2 047
5. Alaska.- 4 015
6. Montana.- 5 498

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La «ciudad de espaldas anchas», como lo escribió Carl Sandburg en su poema «Chicago», es una de las ciudades más importantes de los EE. UU. por su historia y habitantes. Aquí tiene algunos de los aspectos que la hacen especial.

En aproximadamente 384 películas la trama se desarrolla en Chicago.
Chicago tiene un mayor índice de crimen y homicidios que los de Nueva York y Los Ángeles juntos.
Chicago no figura como una de las ciudades con mayor viento de EE. UU., si acaso promedia 16.6 km/h anuales.
Al ubicarse en la costa, el clima chicaguense promedia una temperatura anual de 11 ºC; sin embargo puede alcanzar las exorbitantes temperaturas de 40 ºC en verano, así como también sufrir heladas de -32 ºC en invierno.

Deportes

Chicago también es famosa por el gran número de equipos a nivel profesional:
Chicago Cubs (1870) y
Chicago White Sox (1900)
—MLB—
Chicago Bears (1919)
—NFL—
Chicago Blackhawks (1926)
—NHL—
Chicago Bulls (1966)
—NBA—
Chicago Fire fc (1997)
—MLS—
Chicago Sky (2006)
—WNBA—
Chicago Red Stars (2006)
—NWSL.

Población

De 1889 a 1984, Chicago fue la segunda área metropolitana más grande —Los Ángeles, California, la superó—; aunque también hace referencia al renacimiento de la ciudad después del gran incendio de 1871. De ahí su apodo «The Second City»
Hoy en día, se estima que en Chicago viven poco más de 2 705 994 de habitantes; la mayoría de su población es «blanca» —45%, en tanto 31.7% no son de origen hispánico.

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