Frank Lincoln Wright nació en 1867, en Wisconsin, EE.UU. Debido a la inconstancia laboral de su padre, vivió una infancia itinerante en varios estados de la Unión Americana, y finalmente se estableció por un corto periodo en Madison, Wisconsin, donde, sin concluir el bachillerato estudió inglés, francés, matemáticas e ingeniería. Hasta entonces su adolescencia había transcurrido en contacto con la naturaleza, lo que influyó en su posterior perspectiva arquitectónica.

A los 19 años, Wright decidió mudarse a Chicago; un año después, Lloyd Wright entró a trabajar al estudio de arquitectura Adler & Sullivan, como aprendiz del afamado arquitecto Louis Sullivan —quien es considerado por muchos «el padre del modernismo» y el creador del concepto del rascacielos.

En 1893, tuvo lugar la World’s Columbian Exposition —también llamada Feria Mundial de Chicago—, que fue el escaparate de las tendencias dominantes en la arquitectura estadounidense de la época, una mezcla de estilos eclécticos que miraban a Europa pero que, al mismo tiempo, aspiraban a la creación de un estilo propio. Es decir, había un importante dilema cultural: limitarse al conformismo con los estilos históricos o emprender un viaje hacia la experiencia individual y vanguardista. Lloyd Wright eligió la segunda ruta.

La Feria Mundial, además, puso en contacto al joven arquitecto con la arquitectura japonesa. Este episodio tendría una influencia decisiva en la futura obra de Wright: la eliminación de lo superfluo, la exposición franca de la albañilería, la subdivisión del interior mediante mamparas en lugar de muros de tabique, la supresión de todas las molduras esculpidas y la presencia constante de algo que él llamó «humanidad» y que relacionó directamente con la iluminación en su arquitectura. Tras siete años con Sullivan, Wright fue despedido cuando aquel descubrió que construía casas a sus espaldas. Por eso, para 1893, decidió abrir su propio estudio.

Las «Prairie Houses»
Aunque Wright no empleó directamente este término, fue así como se denominó al tipo de casa diseñada por él como el modelo de vivienda más adecuado para la pradera del medio oeste americano. La acentuada horizontalidad, las bajas proporciones, la asimetría, los amplios voladizos de las cubiertas y los techos de ligera pendiente, fueron algunas de sus características externas. Al mismo tiempo, Wright comenzó a gestar un nuevo lenguaje arquitectónico a partir de su aportación más atrevida: la transición fluida de espacios no delimitados por puertas o muros, que a partir de entonces se conoció como «planta abierta».

Con esta propuesta se hizo posible la integración del edificio al paisaje, y las ventanas como agujeros en los muros fueron sustituidas por mamparas. Además, apareció una arquitectura sin esquinas que logró una continuidad total del espacio interior y exterior, y se destruyó así, la forma de caja y la simplicidad, para privilegiar la sinceridad en el uso y elección de los materiales, exhibiendo la propia naturaleza de los ladrillos, la piedra y la madera de la región.

En estos años, Frank Lloyd Wright redactó su primer ensayo teórico, «Arte y oficio de la máquina»,y construyó la fábrica de jabón Larkin en Buffalo, Nueva York, con instalaciones perfectamente iluminadas y ventiladas mediante una enorme cubierta de cristal. Este edificio fue considerado «el primero en su género» y se convirtió en un antecedente directo del «Open office».

En ese momento de crisis entre la cultura clásica y la práctica constructiva, la obra de Lloyd Wright resultó toda una revelación y uno de los factores que dieron un impulso a la formación del Movimiento Moderno en Europa. Entre 1916 y 1922, Wright construyó el Hotel Imperial en Tokio y simultáneamente trabajó en Los Ángeles, donde edificó cuatro casas con un sistema de construcción basado en bloques prefabricados de concreto.

Entre 1928 y 1935 publicó más de 30 artículos en distintos periódicos y revistas, dio conferencias, organizó una exposición itinerante, aparecieron retratos suyos en las revistas Time y The New Yorker, y participó en la exposición International Style del Museo de Arte Moderno de Nueva York. Ese mismo año, en 1932, fundó la Taliesin Fellowship, su escuela taller de arquitectura. Sin embargo, hasta 1934, Wright sólo había construido una casa: la de su primo Richard Lloyd Jones.

Fallingwater
Fallingwater fue la casa más fotografiada del siglo pasado. Edificada en 1936 sobre una pequeña cascada en un angosto valle en el sur de Pennsylvania, esta casa fue el ideal de Wright, por tratarse de un hogar fundido en la naturaleza. Edgar Kaufmann, un adinerado propietario de centros comerciales, le había encargado esta construcción, pero cuando volvió a llamar para saber del proyecto, Wright no tenía listo ni un solo trazo.

Sin embargo, respondió que la casa estaba lista. En ese instante esbozó mentalmente el proyecto y empezó a trazar el bosquejo de una edificación en tres plantas. Dos horas más tarde, el proyecto estaba listo y encargó a dos de sus aprendices que dibujasen los alzados mientras él recibía al cliente. El resultado fue lo que, en palabras de Bruno Zevi, sería «La Divina Comedia del lenguaje arquitectónico moderno». Es como si aquella casa hubiera nacido de la roca: los elementos verticales o muros de carga se construyeron con piedra gris de la región; los horizontales, con concreto armado, los volados son espectaculares, flotan en el aire; el interior con sus pisos de piedra laja evoca la atmósfera de una cueva.

El Museo Guggenheim
Por esta época también construyó otro edificio de oficinas que rompió todos los moldes: la sede central de la Johnson&Johnson —conocido como Johnson Wax Headquarters—. En esta construcción, a base de hongos de concreto, puso en práctica una audaz inversión de los elementos tradicionales entre las paredes, las cubiertas y la luz; también desarrolló, por primera vez, un contorno de esquinas curvas. La originalidad de sus construcciones hizo de Lloyd Wright un starchitect, y por esta razón, en 1943, Salomon R. Guggenheim lo contactó para que formara parte de un proyecto que lo llevaría al clímax de su etapa final: la construcción del Museo Guggenheim. Aunque la idea estructural y el partido arquitectónico
se remontaban al anteproyecto para un planetario de 1925 en forma de zigurat, Wright decidió diseñar el museo sobre ese modelo, pero invirtiendo el helicoide para formar una galería interior ascendente y descendente.

Al combinar los principios estructurales de la Fallingwater y el espacio iluminado desde el cenit —esto es, desde el punto más alto por encima de la cabeza del observador— del edificio de Johnson Wax, el Museo Guggenheim resultó en sí mismo, una obra de arte. Por tratarse, además, de una anomalía en el contexto de la quinta avenida de Nueva York, el edificio constituyó también un hito urbano.

La construcción del Guggenheim se llevó a cabo entre 1956 y 1959, pero Wright falleció seis meses antes de concluirlo, a los 92 años, con más de 70 de carrera y alrededor de 450 edificios ejecutados, en los que demostró una capacidad excepcional para renovarse y un experimentalismo ilimitado, a la par de una invención sistematizada, llena de conceptos espaciales únicos e innovadores y de propuestas que trascendieron el arte americano. Para Lloyd Wright no existía un elemento más precioso de inmortalidad que la luz del hombre que permanece en los otros. Muchas de sus obras fueron demolidas, pero él decía que «aunque los edificios se desmoronen, las ideas son eternas».

Lloyd Wright legó también ensayos sobre urbanismo y arquitectura, como «The Living City», «The Natural House» y «The Future of Architecture»

Sigue leyendo en Algarabía

Ernesto García Cabral

Fuente

Llevar lo simple a lo extraordinario

Un espacio amplio, con techo alto y paredes blancas de aspecto rústico es el lienzo que usaron los creadores de Carmina para desarrollar un concepto que lleva a los visitantes a vivir una experiencia gastronómica rodeada de múltiples estímulos visuales seleccionados con mimo desde el mobiliario, la iluminación, la inclusión de elementos naturales y un precioso mural interactivo que se convierte en el recuerdo perfecto de tu visita.

Al primer contacto, la amabilidad del personal liderado por Miguel Ángel Casillas destaca por una delicada calidez que brinda la sensación de familiaridad. Los meseros son también guías culinarios que te ayuda a vivir una experiencia hecha a la medida.

En Carmina saben que cada mente y paladar es un mundo, por lo que consultan tus gustos, te ofrecen una explicación amable de cada salsa, bebida y platillo e incluso te advierten si un pan está caliente o si la salsa es muy picosa.

Algo más que comida

Carmina cuenta con un menú diverso, capaz de satisfacer incluso las exigencias de veganos o vegetarianos, con ensaladas frescas y platillos con ingredientes y combinaciones sorprendentes, como la ensalada de higos y la coliflor rostizada, por supuesto ¡a las brasas!

Además de transformar los vegetales en experiencias gustativas exquisitas, tienen múltiples platillos que sacian el apetito y el gusto de los amantes de la carne, que se ofrece en término medio, pero puedes pedirlo en otro, sí así lo prefieres.

Carmina te envuelve

Una sopa, una guarnición y un delicioso plato fuerte o un postre que da pena comer de tan bello que se presenta, son apenas el centro del universo de exquisiteces construido en Carmina, un espacio para los adeptos a las artes visuales que incluso cuenta con una exposición fotográfica a la venta.

La música, como parte de este ambiente, está seleccionada especialmente por Andrés, conocido como «Velcro», quien crea una burbuja de familiaridad y diversión. Cada día es una nueva selección musical adaptada a los visitantes, con un talento similar al de un oráculo de las melodías

Cada piso está destinado a crear un ambiente diferente, la planta baja es un jardín contemporáneo donde la mixología no sólo es parte de la carta sino de la decoración, el primer piso crea un ambiente quizá más formal pero no menos ameno en el que puedes disfrutar de una reunión familiar, romántica o de negocios y su terraza se presta a una celebración a la luz de las estrellas.

La clave es seguir innovando

A pesar de los estragos de la pandemia, Carmina ha sabido llevar las reglas sanitarias al pie de la letra, para que sus visitantes se sientan seguros y cómodos, incluso han planificado cada platillo para que comensales que prefieren resguardarse en casa puedan acceder a este delicioso menú directo en sus domicilios.

La memorable escena que hoy han construido no se detiene porque Carmina aún está en desarrollo y tanto el Chef Josué Rodríguez Maya como su equipo preparan una línea culinaria diversificada en tres secciones: rústico, romero y healthy con la que abarcan todos los gustos y antojos que puedas imaginar.

Déjate consentir por este grupo de profesionales que llevan la experiencia de la buena comida a un nuevo nivel. Visítalos en Av Nuevo León #89, Hipódromo Condesa, Cuauhtémoc.

Fuente

Juventino Rosas: cronología de una leyenda

José Juventino Policarpo Rosas Cadena, nació en un convulso y lleno de transformaciones siglo XIX. Aunque existen algunas discrepancias, la fecha de su nacimiento se registra un 25 de enero de 1868, en el poblado de Santa Cruz de Galeana, Guanajuato. Desde pequeño, Juventino demostró tener una habilidad innata para la música, pues a muy corta edad, aprendió a tocar el violín, gracias a la enseñanza de su padre —Jesús Rosas—, que tocaba el arpa y había pertenecido a una orquesta militar.

Siendo apenas un niño y ya con un amplio dominio del violín, formó junto con su padre y su hermano Manuel, un trio musical. El conjunto tocaba en bailes, bautizos y otras fiestas que se presentaban en Santa Cruz o sus alrededores. Gracias a estas presentaciones, el trio podía sacar una ganancia extra.

En 1875, la familia Rosas se traslada a la Ciudad de México con la intención de mejorar su calidad de vida. Al poco tiempo de establecerse en la capital, el trio busca una oportunidad y se une a la orquesta de los hermanos Elvira. En esta agrupación duraron un lapso corto, ya que decidieron ingresar a la orquesta de los hermanos Aguirre. Desafortunadamente, el trio se desintegró y abandonaron la orquesta, debido a la muerte prematura de Manuel Rosas—hermano de Juventino—, quien perdió la vida en una riña callejera.

Una vida en solitario

A los 15 años, Juventino se enfiló en una orquesta encabezada por la cantante Ángela Peralta. Con ellos recorrió el país en una gira, sin embargo, otra tragedia rondaba su vida. Estando en Mazatlán, varios integrantes de la agrupación contrajeron Cólera, siendo Ángela una víctima mortal de este padecimiento.

En México, el Vals creaba tendencia y marcaba el compás de las cotidianidades. Existían muchos compositores dispuestos a conquistar el corazón del mundo con sus obras, sin embargo, es en este periodo de auge musical, donde se descubre el genio de Juventino por la composición. Sin tener ninguna educación formal, Rosas creó grandes obras de forma autodidacta, motivado por su pasión y su sensibilidad musical.

Cuando tenía 19 años, tuvo la oportunidad de presentar su música en el Teatro Nacional, para un importante público. Entre los asistentes destacaban miembros del gabinete de Porfirio Díaz. Mismos que asistían al evento para conmemorar la batalla de Puebla. Tiempo después de esta presentación, Juventino tuvo la oportunidad de componer un Vals dedicado a la esposa de Porfirio, Carmen Romero Rubio, titulado “Carmen”.

Sobre las olas

La creación de su obra más conocida “Sobre las olas”, está rodeada de misterio y no se conoce a ciencia cierta dónde se creó. Algunas fuentes plantean que Juventino compuso esta obra en Tláhuac, lugar donde residió un tiempo. Por otro lado, otras fuentes plantean que al desertar de una banda musical, se escondió en casa de su amigo José Reina, quien vivía en el poblado de Contreras.

De acuerdo con el INBAL —Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura—, una mañana se fue al manantial de La Magdalena a nadar. Estando en el agua, se le vino a la mente una melodía que comenzó a tararear. Inmediatamente salió del agua y la escribió en un cuaderno que llevaba consigo a todos lados. Ahí, en ese solitario lugar, comenzó la magia que hechizaría al mundo. El nombre de dicha composición también está rodeado de misterio, de acuerdo a las fuentes que se consulten, existe la posibilidad de que el nombre “Sobre las olas” haya sido invención de un amigo suyo que era poeta. Otra versión indica, que fue Miguel Ríos Toledano quien cambió el nombre al hacer la composición para piano de este vals.

La casa Wagner y Levien, fue la encargada de publicar y reproducir el Vals “Sobre las olas”, al comprarle la propiedad intelectual a Juventino —junto con otro tema— por la cantidad de 45 pesos. El vals se estrenó en el año de 1991, cobrando una notoriedad abrumadora, primero en los círculos nacionales y después, extendiendo su magia fuera de las fronteras mexicanas. Este vals, es considerado el segundo más bello del mundo, solo por debajo de “El Danubio Azul” de Johann Strauss.

La muerte de Juventino Rosas

Juventino Rosas falleció el 9 de julio de 1894, debido a complicaciones hepáticas en las isla de Cuba. Ahí fue enterrado con un epitafio que versaba “Juventino Rosas, violinista mexicano y, autor del célebre vals Sobre las olas, falleció en Julio de de 1894. La tierra cubana, sabrá conservar su sueño”. En 1909 sus restos fueron traídos a México para ser enterrado en el panteón de Dolores pero en 1939, el presidente Lázaro Cárdenas ordenó que se exhumara el cuerpo para depositarlo en la Rotonda de los Hombres Ilustres, donde descansa hasta la fecha.

A pesar de que murió a una corta edad, Juventino compuso un legado que sonará muchos años más. Conmemorando 154 años de su nacimiento, la memoria colectiva de nuestra sociedad se aferra a no olvidarlo, a rememorar las composiciones de uno de los más grandes músicos que nos ha dado nuestro país. Al morir, dejó un legado de más de 90 obras musicales, aunque solo se tienen en conservación 35 partituras, debido que la mala administración de los dueños, ocasionó que los documentos se perdieran o se destruyeran.

Fuente

I

Éxodo 20:3-61
Deuteronomio 5:7-10

No habrá para ti otros dioses delante de mí.
No te harás escultura ni imagen alguna, ni de lo que hay arriba en los cielos, ni de lo que hay abajo en la tierra, ni de lo que hay en las aguas debajo de la tierra. No te postrarás ante ellas ni les darás culto, porque yo Yahvéh, tu Dios, soy un Dios celoso, que castigo la iniquidad de los padres en los hijos, hasta la tercera y cuarta generación de los que me odian, y tengo misericordia por millares con los que me aman y guardan mis mandamientos.
Catecismo 2083-2141
Amarás a Dios sobre todas las cosas.

II

Éxodo 20:7
Deuteronomio 5:11

No tomarás en falso el nombre de Yahvéh, tu Dios; porque Yahvéh no dejará sin castigo a quien toma su nombre en falso.
Catecismo 2142-2167
No tomarás el nombre de Dios en vano.

III

Éxodo 20:8-11

Recuerda el día del sábado para santificarlo. Seis días trabajarás y harás todos tus trabajos, pero el día séptimo es día de descanso para Yahvéh, tu Dios. No harás ningún trabajo, ni tú, ni tu hijo, ni tu hija, ni tu siervo, ni tu sierva, ni tu ganado, ni el forastero que habita en tu ciudad. Pues en seis días hizo Yahvéh el cielo y la tierra, el mar y todo cuanto contienen, y el séptimo descansó; por eso bendijo Yahvéh el día del sábado.

Deuteronomio 5:12-15

Guardarás el día del sábado para santificarlo, como te lo ha mandado Yahvéh tu Dios. Seis días trabajarás y harás todas tus tareas, pero el día séptimo es día de descanso para Yahvéh tu Dios. No harás ningún trabajo, ni tú, ni tu hijo, ni tu hija, ni tu siervo, ni tu sierva, ni tu buey, ni tu asno, ni ninguna de tus bestias, ni el forastero que vive en tus ciudades; de modo que puedan descansar, como tú, tu siervo y tu sierva. Recuerda que fuiste esclavo en el país de Egipto y que Yahvéh tu Dios te sacó de allí con mano fuerte y tenso brazo; por eso Yahvéh tu Dios te ha mandado guardar el día sábado.
Catecismo 2168-2195
Santificarás las fiestas.

IV

Éxodo 20:12

Honra a tu padre y a tu madre, para que se prolonguen tus días sobre la tierra que Yahvéh, tu Dios, te va a dar.

Deuteronomio 5:16

Honra a tu padre y a tu madre, como te lo ha mandado Yahvéh tu Dios, para que se prolonguen tus días y seas feliz en el suelo que Yahvéh tu Dios te da.
Catecismo 2197-2257
Honrarás a tu padre y a tu madre.

V

Éxodo 20:13
Deuteronomio 5:17

No matarás.
Catecismo 2258-2330
No matarás.

VI

Éxodo 20:14
Deuteronomio 5:18

No cometerás adulterio.
Catecismo 2331-2400
No cometerás actos impuros.

VII

Éxodo 20:15
Deuteronomio 5:19

No robarás.
Catecismo 2401-2463
No robarás.

VIII

Éxodo 20:16
Deuteronomio 5:20

No darás testimonio falso contra tu prójimo.
Catecismo 2464-2513
No dirás falso testimonio ni mentirás.

IX-X

Éxodo 20:17

No codiciarás la casa de tu prójimo, ni codiciarás la mujer de tu prójimo, ni su siervo, ni su sierva, ni su buey, ni su asno, ni nada que sea de tu prójimo.

Deuteronomio 5:21

No desearás la mujer de tu prójimo, no codiciarás su casa, su campo, su siervo o su sierva, su buey o su asno; nada que sea de tu prójimo.
Catecismo 2514-2533
No consentirás pensamientos ni deseos impuros.
Catecismo 2534-2557
No codiciarás los bienes ajenos.

Estos son los diez mandamientos.

Fuente

1. Letty Lynton

(1932). Dir. Clarence Brown, con Joan Crawford y Robert Montgomery.
Sin necesidad de una pistola, Letty Lynton —Joan Crawford— es una amenaza; obliga a dar un paso hacia atrás. Recién llegada a Nueva York, sin titubeos, muestra que nadie puede escapar de lo que se esconde detrás de ese geométrico traje y la estola afelpada. «Cuidado», dice su soberbio rostro enmarcado por un fascinator —femenino sombrero ajustado.

2. El hijo desobediente

(1945). Dir. Humberto Gómez Landero, con Germán Valdés «Tin Tan» y Marcelo Chávez.
Confundido con un millonario, «Tin Tan» —Germán Valdés— hace pasar a su supuesta familia varios tragos amargos… ¿Y cómo no? Con esa nota de pachuco —pantalón holgado, saco amplio con solapas, sombrero adornado con pluma, tirantes y zapatos bicolor—, ¿Quién lo iba a tomar en serio en la alta sociedad mexicana de los años 40?. Sin embargo, a pesar de su estrafalaria forma de vestir, Tin tan forjó un hito dentro de la moda y el cine, gracias a su vestimenta de pachuco la cual logró extenderse por todo el país. 

3. Rebel Without a Cause

—Rebelde sin causa— (1955). Dir. Nicholas Ray, con James Dean y Natalie Wood.
A Jim Stark —James Dean— nunca le gustó que le dijeran qué hacer ni cómo, por eso se distinguió por su estilo indómito: jeans pegados, playera blanca y chamarra roja de cuero. Así, a mediados del siglo pasado, todas las muchachas morían porque este chico malo les hablara al oído.

4. La sospechosa

(1955). Dir. Alberto Gout, con Silvia Pinal y Miguel Torruco.
A Regina de Alba —Silvia Pinal— «le hacen cosquillas» los modelos que popularizó Marilyn Monroe. Esta diva mexicana se valía de su excelsa gura —generosamente dotada por la naturaleza— para lucir cualquier traje con un glamour que ya muchas personalidades desearían tener.

5. La Dolce Vita

(1960). Dir. Federico Fellini, con Marcello Mastroianni y Anita Ekberg.
Roma de los años 60: las estatuas, las luces…, los paparazzi acosando a la bella actriz Sylvia —Anita Ekberg—.El periodista Rubini —Marcello Mastroianni— tiene suerte y puede llevársela a un paseo nocturno. Aquí están dentro de la Fuente de Trevi —él, de traje sastre y ella con un vestido negro largo y escotado—, en los albores románticos del amanecer. Esta es una imagen memorable, Fellini buscaba el equilibrio entre la moda y el cine, por eso el cuidado de la composición y creación de la imagen cinematográfica.

6. Breakfast at Tiffany’s

—Desayuno en Tiffany’s— (1961). Dir. Blake Edwards, con Audrey Hepburn y George Peppard.
Holly Golightly —Audrey Hepburn—, aspirante a actriz, nos deleita con su encanto neoyorquino —sutil, ligero, fresco, espontáneo, elegante y so sticado—, en un clásico vestido Givenchy, para verla desayunar frente a la joyería Tiffany & Co. Muchos caerán rendidos a sus pies después del primer bocado.

7. Jules et Jim

(1962). Dir. François Tru aut, con Jeanne Moreau y Oskar Wener.
Los amigos Jules —Oskar Werner— y Jim —Henri Serre— se enamoran de Catherine —Jeanne Moreau—, a quien le gusta juguetear por los rincones de París y de Alemania. Es la Primera Guerra Mundial, pero Catherine sólo quiere pasarla bien disfrazada de vagabundo, al estilo del niño que acompaña a Chaplin en The Kid (1921).

8. Bonnie and Clyde

—Bonnie y Clyde— (1967). Dir. Arthur Penn, con Warren Beatty y Faye Dunaway.
A esta parejita de asaltantes de los años 30 les gusta ir a «trabajar» con un estilo casual pero arriesgado. La señorita Bonnie Parker —Faye Dunaway— usa un paliacate vintage y una pistola como accesorios, muy al estilo del Viejo Oeste pero con un toque femenino y moderno; mientras que Clyde Barrow —Warren Beatty—, más conservador, se muestra como un gentleman de cuello blanco.

9. The Great Gatsby

—El Gran Gatsby— (1974). Dir. Jack Clayton, con Robert Redford y Mia Farrow.
Estos socialités nos rompen el corazón con sus trajes de gala de los años 20. Jay Gatsby —Robert Redford— no puede ocultar, aun con este esmoquin muy ad hoc para las estas en Long Island, su melancólica pasión por Daisy Buchanan —Mia Farrow—, quien, con su lujoso sombrero de cristales, muestra que las lágrimas se pueden volver accesorios de moda.

10. The Cook, The Tief, His Wife and Her Lover

—El cocinero, el ladrón, su mujer y su amante— (1989). Dir. Peter Greenaway, con Richard Bohringer y Michael Gambon.
Esta exótica prenda, mitad lencería y mitad vestido de noche, fue creada por el diseñador francés Jean Paul Gaultier. La porta con inigualable distinción Georgina —Helen Mirren— en esta historia de crímenes y pasiones: es un vestido de caníbal para devorar hombres. 

11. Fa yeung nin wa

—Deseando amar— (2000). Dir. Wong Kar Wai, con Tony Chiu Wai Leung y Maggie Cheung.
En el Hong Kong de 1962, Chow Mo-wan —Tony Chiu Wai Leung— intenta frenar la pasión que siente por la señora Chan —Maggie Cheung—, quien baja la mirada para evitar que el deseo se le escape por los ojos. Ella sabe que «menos es más»; su vestido sólo deja ver sus brazos: la imaginación lo es todo. Wong Kar Wai, nos seduce y convence, mediante la poética de la imagen, a adentrarnos en la moda y el cine desde una perspectiva a la cual no estamos acostumbrados, la no occidental. La paleta de colores, el guion y el montaje, hacen de “In the mood for love” una película que simplemente no te puedes perder. 

Fuente

Así es todo el fandom de los juegos de mesa, juegos de rol y cartas coleccionables se reúnen por dos días para internarse en los detalles de estos pasatiempos. Los asistentes disfrutarán de una gran variedad de juegos de mesa de las editoriales y mentes creativas más importantes de la industria como lo son Devir, Iello, GDM, Usaopoly, Xiba GAMES, Azahar Juegos, entre otros.

Una de las grandes sorpresas de MEGA XP 2022 es la visita de Eric Lang, desarrollador de juegos de mesa originario de Canadá, reconocido por títulos como Blood Rage, Rising Sun, Ankh, Marvel United y Arcadia Quest.  Entre las distintas actividades podrán participar en emocionantes torneos y conocer a personajes de renombre del mundo de juegos de mesa, como desarrolladores, ilustradores y creadores de contenido.

En este programa estrella se encuentra Germán Milla, Ilustrador de Bitoku y Albert Monteys historietista español y creador del arte de Luna Capital.

Los boletos para MEGA XP ya pueden adquirirse a precio de preventa hasta el 17 de junio

Pase Individual $152.90

Pase Familia (para 4 personas) 488.40

Pase de 2 días $289.5.

Consigue los tuyos a través de The Hive Tickets.

Gana un pase doble para la MEGA XP 2022

Si llegaste hasta aquí y no tienes idea de cómo es que miles de personas pueden apasionarse por este tipo de juegos, te contamos que Calabozos y dragones, uno de los juegos de rol más populares, puede tener partidas que duran horas, días o incluso años.

La partida más larga que conocemos lleva 40 años, fué iniciada por Robert Wardhaugh y sus amigos en 1982 y actualmente algunos de los hijos del grupo original forman parte de la, al parecer, interminable partida. 

Para los lectores ávidos que llegaron hasta este punto tenemos como regalo, dos pases dobles para los primeros dos participantes que envíen un inbox a la cuenta de Facebook @RevistaAlgarabía con las respuesta correctas a estas preguntas:

1. ¿Cuál es el nombre del historietista español creador del arte de Luna Capital?
2. ¿Cuál es el nombre del desarrollador de juegos canadiense que asistirá a MEGA XP?
3. ¿Cuántos años ha durado el juego más largo de Calabozos y Dragones?

Fuente

Los inicios

A los 13 años, Anaïs empezó a escribir sus memorias, y continuó sin interrupciones hasta su muerte. Este diario —todo un personaje, como ella lo consideraba— es su confidente y el eterno acompañante de su vida; es dependiente de él, y es el único medio con el que tiene absoluta sinceridad, sin importar lo grandes que fuesen sus «crímenes». En sus páginas, Anaïs describe a la mujer libre —o libertina, si alguien se atreve a juzgarla— en una eterna confesión de realidades y de sueños; de mentiras a sus amantes, a su marido, a su madre y a su hermano: «Mentir es la única manera que he encontrado para ser sincera conmigo misma, para hacer lo que quiero haciendo el mínimo daño a los demás».

Escondo mi diario y mis cartas dentro del colchón de nuestra cama, cuyo forro he abierto con una navaja de afeitar.

22 de julio de 1933

Escribiendo la catarsis de una vida

Se dice que para cualquier escritor, escribir es un acto de valentía, y para Anaïs Nin, era un acto catártico: no omite detalles ni se autocensura, trata de conocerse y reconoce sus errores, sus imprudencias, sus despilfarros. Sufre. Su diario es el principio y el fin de su fortaleza y su debilidad, es una serie de sucesos cotidianos, extraordinarios y hasta contradictorios. Cada línea habla de sus limitaciones, sus deseos, sus éxitos y sus fracasos. No es una heroína, es sólo un ser humano que sabía dar y no sabía decir que no.

Sus detractores aseguran que el diario es más ficción que realidad, pues en él también plasma lo que imagina y que jamás ejecuta. Sus jueces la someten a la censura, palidecen al descubrir en sus narraciones detalles de su sexualidad, descripciones vívidas sobre los cuerpos y los besos; detalles de sus deseos, de sus perversiones, de sus sueños eróticos: todo aquello que la mayoría de la gente no se confiesa ni a sí misma.

Anaïs y la búsqueda del amor

La búsqueda del amor es el tema central del diario, y Anaïs nin empezó a buscarlo desde que su padre la abandonó. Lo intentó de mil maneras, entregándose sin reserva a todos. A los 19 años se casó con el banquero Hugh Parker Guiler, quien muchos años después llegó a ser Ian Hugo, cineasta surrealista. Por él, siente un verdadero amor filial; para él es toda su lealtad, su ternura, su amistad, su piedad; por él miente —para protegerlo—, calla y sufre, pero no se arrepiente ni se detiene.

Su estatus de mujer casada no le impidió jamás continuar su búsqueda. Henry Miller fue uno de sus grandes amores, «no el más grande», pero sí uno muy fuerte, pasional, absolutamente libre, contradictorio. Por momentos se sentía como una madre protectora, y en otros lo veía como a un padre intelectual, y en otras más eran un matrimonio tierno y calmado. «Desearía que se murieran todos, Hugh y Padre, y poder vivir con Henry».

Si bien la relación con Henry se prolongó hasta los años 40, y superó barreras, infidelidades, separaciones, pobrezas, críticas, viajes y desatinos, llegó a su fin. No así su correspondencia, que sólo cesó con la muerte de Anaïs en 1977. Ella decía que «Henry era el único que estaba vivo».
Continúa leyendo la historia de esta chica mala en Algarabía 99.

Fuente

Avatar: The Last Airbender —en español, Avatar: La Leyenda de Aang o, a veces, El Último Maestro Aire— fue una serie animada producida y transmitida por Nickelodeon en 2005 hasta 2008. La serie fue creada por los genios Michael Dante DiMartino y Bryan Konietzko, quienes tuvieron de inspiración a Hayao Miyazaki, el anime, las películas clásicas de kung-fu, entre otros temas asiáticos.

¿De Asia para el mundo?

La concepción de la serie es una combinación de arte, filosofías, mitologías, religiones y hasta modas asiáticas, especialmente de Asia Oriental, algunos ejemplos son las artes marciales chinas, el hinduismo, el taoísmo, el budismo o la yoga. Para que todas estas ideas estuvieran fielmente representadas, la serie tuvo como consultor cultural a Edwin Zane, así como del calígrafo Siu-Leung Lee, ya que la escritura dentro de la serie en realidad es una versión arcaica del chino.

La palabra avatar proviene del sánscrito अवतार, Avatāra, y significa ‘descendiente’, mientras que los caracteres chinos del título indican: «El medio divino que ha descendido al mundo mortal». En la serie, el Avatar es una persona que domina cuatro de los cinco elementos de la naturaleza —Agua, Aire, Fuego y Tierra— y funge como puente entre el plano terrenal y el espiritual, además de ser el equilibrio y mantener la paz entre los pueblos de cada uno de estos elementos. Para que esto perdure, el Avatar reencarna en cada uno de estos cuatro pueblos —siguiendo el orden de Fuego, Aire, Agua y Tierra, y así sucesivamente—, haciéndolo una analogía del Dalai Lama real.

Inspiración real

Los cuatro pueblos elementales de este mundo ficticio están inspirados en diversas culturas y locaciones del mundo real, y no sólo de Asia, por ejemplo: las dos principales Tribus del Agua, atinadamente ubicadas en los polos, están basadas en los inuit norteamericanos; los Nómadas Aire, cuatro templos ubicados en cada uno de los puntos cardinales, están basados en los monjes tibetanos y los nómadas mongoles; el Reino Tierra, la nación más extensa, está fuertemente basado en las dinastías chinas Ming y Qing; y por último, la Nación del Fuego, un archipiélago de islas ubicado en el Oeste, está mayormente inspirada en Japón.

Hay que aclarar que en cada una de estas naciones, existen personas que pueden o no manipular/controlar su elemento nacional, las cuales practican su «[elemento] Control» de manera diferente. Por ejemplo, los maestros Agua fluyen con sus movimientos como en el taichí, mientras que los Tierra se plantan como en el Hung Gar —«el boxeo de la familia Hung»—. Por otro lado, los maestros Fuego se mueven como los Shaolin del Norte y los del Aire practican el Pa kua chang o Bāguàzhâng —«la palma de los ocho trigramas»—. Además, entre mayor sea el conocimiento y dominio elemental, se pueden practicar derivados como el rayo, la sangre, el metal o el vuelo.

Enseñanzas

Dejando a un lado el estilo de animación e inspiración, a lo largo de la serie se presentan una gama de vicisitudes que a diario suceden en el mundo real y que una «caricatura» raras veces aborda o siquiera menciona o reconoce. Guerra, sexismo, colonialismo, genocidio, discriminación, imperialismo, opresión, etc., balanceado con cuestiones filosóficas como el destino y el libre albedrío, sumadas al empoderamiento femenino, la inclusión, el amor no correspondido, el respeto hacia otras creencias y demás situaciones de inclusión.

Todo eso se aborda en La leyenda de Aang, siendo éste un niño de apenas 12 años —literal, el último maestro Aire— que tiene que aprender a controlar los cuatro elementos en más o menos un año para evitar que la Nación del Fuego termine por conquistar el mundo. En tres temporadas se desarrolló esta historia, que fue doblada al español de Latinoamérica por el estudio chileno DINT —ya puedes presumir que sí le entendiste a los chilenos— y, evidentemente, se ha enriquecido la saga con cómics, novelas ligeras, una infame adaptación live-action —no la veas—, una próxima serie live-action de Netflix —qué nervios— y la secuela de la serie: La Leyenda de Korra.

¿Te interesa la animación? Éntrale a nuestra edición 210; disponible aquí.

Fuente

De una arrebatadora austeridad y una silente serenidad, la película presenta a un hombre que después de un terrible naufragio queda varado en una isla desierta y cuya tenacidad lo lleva a construir con los pocos materiales disponibles en la isla una balsa que le permita escapar, pero no contará con la negativa a que se vaya por parte del mar y de una enorme tortuga roja.

Poco después de destruir su balsa y regresarlo a la isla, la tortuga se transforma en una hermosa mujer con la que el hombre tiene un hijo convirtiéndose en los orgullosos pobladores de la isla.

Los papeles de dominación se invierten y es aquí la naturaleza con una distintivamente poderosa magia asociada a ella la que domina el destino del hombre, pero a diferencia de otras películas que abordan el naufragio poniendo al mar como un mudo y colosal enemigo, Dudok de Wit reconoce su amoralidad y le otorga la forma de una mujer, tornando la película en una representación de un nuevo génesis, ateo y sensualmente terrenal.

Apoyada en un brillante trabajo de animación, realizado en colaboración con el legendario estudio Ghibli, propiedad del prestigiado cineasta japonés Hayao Miyazaki, La tortuga roja es una sutil exhortación a comunicar y entender antes que luchar y conquistar, a través del silencio y la prudencia.

Seguro te interesará:

La escoba de la bruja 

Fuente

La respuesta parece sencilla. Hay un rasgo común que distingue a la creatividad en todos los campos, la novedad. Pero ésta es una respuesta simplista; la creatividad no se da cada vez que se da la novedad. Toda creatividad implica novedad, pero no a la inversa. La novedad consiste, en general, en la presencia de una cualidad que antes estaba ausente. Se busca la novedad ya sea haciendo tabula rasa o a partir del viejo árbol al que cada primavera le brotan hojas nuevas; Paul Valèry lo expresó de manera maravillosa:

Novedad, voluntad de novedad. Lo nuevo es uno de esos venenos excitantes que acaban por ser más necesarios que el alimento y cuya dosis, si al fin nos señorea, debemos acrecer, so pena de muerte, hasta hacerla mortal.

Esta novedad puede tener varios orígenes: deliberada o no intencionada, impulsiva o dirigida, espontánea o resuelta metódicamente a base de estudio y reflexión; es el sello de las diversas actitudes de las personas creativas, la expresión de sus diferentes mentalidades, destrezas y talentos. Consideramos personas creativas a aquéllas cuyos trabajos no son sólo nuevos, sino que además son la manifestación de una habilidad especial, una energía mental, un talento o un genio.

¿Por qué valoramos la creatividad?
El culto a la creatividad es un culto a la capacidad sobrehumana —divina— del hombre. Decía Stravinsky: «En la raíz de toda creatividad, uno encuentra algo que está por encima de lo terrenal». En la concepción actual la creatividad se ha convertido en la esencia del arte; esta asociación no existió mientras que la belleza fue la que definía el arte. Cuando la asociación entre el arte y la belleza se fue debilitando, aquella que existía entre el arte y la creatividad se hizo más fuerte. En los tiempos pasados se asumía que no existía arte sin belleza; hoy, en cambio, se asume que no existe arte sin creatividad.

Actualmente manejamos muchas variantes de palabras que tienen una misma raíz y un sentido análogo: creador, crear, creativo, creatividad. De todas éstas usamos creatividad para designar el proceso que tiene lugar en la mente del creador para producir sus obras y podemos llegar a conocerlas bien, pero sólo nos es dado adivinar —e intentar reconstruir— el proceso.

A principios del siglo XIX el anatomista vienés Franz Joseph Gall, etiquetó cada zona del cráneo con diversos atributos —por ejemplo, la subliminalidad, la benevolencia y la veneración— que suponía localizadas en el córtex subyacente a cada una de ellas. Gall creía que estudiando las protuberancias del cráneo podría deducir muchas cosas del carácter de la persona, entre ellas la creatividad. Aun cuando las ideas de Gall eran erróneas —por lo que la hipótesis de la localización cortical adquirió mala reputación en los círculos científicos—, hoy podemos ver —gracias sobre todo a los estudios detallados del córtex de los macacos, completados con datos humanos— que sí hay manera de localizarla en el cerebro. Sin embargo, el cerebro humano, como el resto del cuerpo, no es una estructura uniforme, tiene diferentes funciones, trabaja interconectado.

Algunos investigadores han sugerido que una mayor distribución bilateral de las funciones del lenguaje —que pedagogía, libros de autoayuda, etcétera. Los artículos acaban casi invariablemente con frases como «impulse su hemisferio derecho» o «entrene el hemisferio derecho».

La tarea primordial del hemisferio izquierdo, dicen a menudo estos artículos, es la representación lógica de la realidad y la comunicación con el mundo externo. Pensar, leer, escribir, contar y quejarse del tiempo son funciones que se atribuyen generalmente al hemisferio izquierdo, mientras que la ocupación del hemisferio derecho es la comprensión de los patrones y las complejas relaciones que no pueden ser definidas con precisión y pueden no ser lógicas. Las cualidades del hemisferio derecho, dicen estos autores, son esenciales para la actividad creativa, pero tienden a ser desarrolladas de forma inadecuada.

Si aceptamos tal distinción: que el hemisferio izquierdo es analítico y el derecho es intuitivo, podemos ir más allá y ver —tal y como lo ha hecho Carl Sagan— cómo las dos formas de pensamiento han interactuado para generar los logros de la civilización. Él dice que las actividades creativas más significativas de nuestra cultura —sistemas legales y éticos, arte y música, ciencia y tecnología— son resultado de un trabajo conjunto entre los dos hemisferios: «Podemos decir que la cultura humana es una función del cuerpo calloso».

Pero, ¿qué nos incita a seguir creando? Quizá, citando a Albert Camus: «El viajero no era más que ese corazón angustiado, ávido de vivir, en rebeldía contra el orden mortal del mundo…».

Fuente