Juventino Rosas: cronología de una leyenda

José Juventino Policarpo Rosas Cadena, nació en un convulso y lleno de transformaciones siglo XIX. Aunque existen algunas discrepancias, la fecha de su nacimiento se registra un 25 de enero de 1868, en el poblado de Santa Cruz de Galeana, Guanajuato. Desde pequeño, Juventino demostró tener una habilidad innata para la música, pues a muy corta edad, aprendió a tocar el violín, gracias a la enseñanza de su padre —Jesús Rosas—, que tocaba el arpa y había pertenecido a una orquesta militar.

Siendo apenas un niño y ya con un amplio dominio del violín, formó junto con su padre y su hermano Manuel, un trio musical. El conjunto tocaba en bailes, bautizos y otras fiestas que se presentaban en Santa Cruz o sus alrededores. Gracias a estas presentaciones, el trio podía sacar una ganancia extra.

En 1875, la familia Rosas se traslada a la Ciudad de México con la intención de mejorar su calidad de vida. Al poco tiempo de establecerse en la capital, el trio busca una oportunidad y se une a la orquesta de los hermanos Elvira. En esta agrupación duraron un lapso corto, ya que decidieron ingresar a la orquesta de los hermanos Aguirre. Desafortunadamente, el trio se desintegró y abandonaron la orquesta, debido a la muerte prematura de Manuel Rosas—hermano de Juventino—, quien perdió la vida en una riña callejera.

Una vida en solitario

A los 15 años, Juventino se enfiló en una orquesta encabezada por la cantante Ángela Peralta. Con ellos recorrió el país en una gira, sin embargo, otra tragedia rondaba su vida. Estando en Mazatlán, varios integrantes de la agrupación contrajeron Cólera, siendo Ángela una víctima mortal de este padecimiento.

En México, el Vals creaba tendencia y marcaba el compás de las cotidianidades. Existían muchos compositores dispuestos a conquistar el corazón del mundo con sus obras, sin embargo, es en este periodo de auge musical, donde se descubre el genio de Juventino por la composición. Sin tener ninguna educación formal, Rosas creó grandes obras de forma autodidacta, motivado por su pasión y su sensibilidad musical.

Cuando tenía 19 años, tuvo la oportunidad de presentar su música en el Teatro Nacional, para un importante público. Entre los asistentes destacaban miembros del gabinete de Porfirio Díaz. Mismos que asistían al evento para conmemorar la batalla de Puebla. Tiempo después de esta presentación, Juventino tuvo la oportunidad de componer un Vals dedicado a la esposa de Porfirio, Carmen Romero Rubio, titulado “Carmen”.

Sobre las olas

La creación de su obra más conocida “Sobre las olas”, está rodeada de misterio y no se conoce a ciencia cierta dónde se creó. Algunas fuentes plantean que Juventino compuso esta obra en Tláhuac, lugar donde residió un tiempo. Por otro lado, otras fuentes plantean que al desertar de una banda musical, se escondió en casa de su amigo José Reina, quien vivía en el poblado de Contreras.

De acuerdo con el INBAL —Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura—, una mañana se fue al manantial de La Magdalena a nadar. Estando en el agua, se le vino a la mente una melodía que comenzó a tararear. Inmediatamente salió del agua y la escribió en un cuaderno que llevaba consigo a todos lados. Ahí, en ese solitario lugar, comenzó la magia que hechizaría al mundo. El nombre de dicha composición también está rodeado de misterio, de acuerdo a las fuentes que se consulten, existe la posibilidad de que el nombre “Sobre las olas” haya sido invención de un amigo suyo que era poeta. Otra versión indica, que fue Miguel Ríos Toledano quien cambió el nombre al hacer la composición para piano de este vals.

La casa Wagner y Levien, fue la encargada de publicar y reproducir el Vals “Sobre las olas”, al comprarle la propiedad intelectual a Juventino —junto con otro tema— por la cantidad de 45 pesos. El vals se estrenó en el año de 1991, cobrando una notoriedad abrumadora, primero en los círculos nacionales y después, extendiendo su magia fuera de las fronteras mexicanas. Este vals, es considerado el segundo más bello del mundo, solo por debajo de “El Danubio Azul” de Johann Strauss.

La muerte de Juventino Rosas

Juventino Rosas falleció el 9 de julio de 1894, debido a complicaciones hepáticas en las isla de Cuba. Ahí fue enterrado con un epitafio que versaba “Juventino Rosas, violinista mexicano y, autor del célebre vals Sobre las olas, falleció en Julio de de 1894. La tierra cubana, sabrá conservar su sueño”. En 1909 sus restos fueron traídos a México para ser enterrado en el panteón de Dolores pero en 1939, el presidente Lázaro Cárdenas ordenó que se exhumara el cuerpo para depositarlo en la Rotonda de los Hombres Ilustres, donde descansa hasta la fecha.

A pesar de que murió a una corta edad, Juventino compuso un legado que sonará muchos años más. Conmemorando 154 años de su nacimiento, la memoria colectiva de nuestra sociedad se aferra a no olvidarlo, a rememorar las composiciones de uno de los más grandes músicos que nos ha dado nuestro país. Al morir, dejó un legado de más de 90 obras musicales, aunque solo se tienen en conservación 35 partituras, debido que la mala administración de los dueños, ocasionó que los documentos se perdieran o se destruyeran.

Fuente

Nuestro cotidiano es un musical, un errático y pobremente coreografiado espectáculo musical. Pasamos una gran parte del día creyendo que el mundo se mueve al ritmo de Sinatra, Frank Ocean o Bronco, con un par de audífonos colgando y una canción sonando, tonadas que van dándole un ritmo distinto a cada realidad, a cada par de oídos.
En el caso de Baby, el protagonista de Baby: Aprendiz del crimen, la música acalla el zumbido de un pasado doloroso, una evasión que se convierte en una prodigiosa habilidad.

Después de contraer una cuantiosa deuda con una brillante mente criminal conocida como “Doc” (Kevin Spacey), nuestro querido Baby (Ansel Engort) debe actuar como chofer en cada uno de sus meticulosamente planeados atracos muy a su pesar y con un ferviente deseo de saldar su cuenta y no liarse con criminales como Bats (Jamie Foxx), Buddy (Jon Hamm) y Darling (Eiza González, sí la que una vez era Lola).

Su espectacular habilidad al volante, su enigmática personalidad y su perfecta sincronía con su playlist pronto harán de Baby el blanco de intimidación y envidias por parte de los criminales, pero poco le importará después de conocer a Debora (Lily James), una bella mesera de melódica voz que empujará a Baby a una vida normal lejos del delito, pero a ese track le falta bastante por acabar.

La película funciona como una simple y efectiva pieza de entretenimiento, pero pretender que supera en agudeza a otros trabajos de Wright como Hot Fuzz (2007) o que rebasa en estilización pop a Scott Pilgrim contra el mundo (2010) sería bastante cuestionable. En todo caso, Baby: Aprendiz del crimen comienza a denotar los sesgos generacionales de Edgar Wright, alineados con una sensibilidad distinta a los tiempos contemporáneos, bien entendida por cineastas como Andrea Arnold (Dulzura Americana, 2016) o Harmony Korine (Spring Breakers, 2012).

Desde un playlist profundamente conservador y un guion por momentos demasiado consciente de sí mismo y de su obligación de jugar a la precocidad cool, la película simplemente padece de una preocupante mediocridad en casi todos los niveles excepto la meticulosa edición y las rigurosamente montadas secuencias de persecuciones automovilísticas, muestras de indudable virtuosismo.

Baby: Aprendiz del crimen no es más que una pegajosa tonada que reconocemos desde los primeros acordes, que no se desvía de los acordes y los beats que nos son placenteramente familiares, pero que si se atraviesa en nuestro playlist, difícilmente dejamos reproducir antes de cambiarle.

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Fuente

He aquí una breve guía de las cintas que establecieron cuanto ya nos parece «común» —o fundamental— del género, así como de cuáles fueron sus fuentes originales y sus aportes a la estética del cine.

¡Corre película!

Le Voyage dans la Lune —Viaje a la Luna— (1902)

Dir. Georges Méliès. Guión: Gaston y Georges Méliès. Con: François Lallement y Jules-Eugène Legris.

Basada en las novelas De la Tierra a la Luna (1865), de Julio Verne y Los primeros hombres en la Luna (1901), de H. G. Wells, no sólo es la primera cinta que sentó las bases del género, sino que es una de las grandes joyas del arte universal. Méliès, quien había sido dibujante profesional, reportero y luego un notable ilusionista, quedó impresionado cuando los hermanos Lumière presentaron su cinematógrafo.

Méliès ofreció a los Lumière 10 mil francos por una copia de su invención, pero éstos se negaron argumentando que «no tenía ninguna utilidad comercial» y que deseaban conservarla como «una curiosidad para fines científicos». Eso no desanimó a Méliès quien, luego de recorrer Europa en busca de otros artefactos similares, conoció en Inglaterra a Robert W. Paul, que justo acababa de desarrollar un instrumento similar al cinematógrafo. El mismo Méliès hizo ajustes técnicos al aparato para materializar cuanto tenía en mente.

1 v. Algarabía 93, junio 2012, Causasyazares: «El cine antes del cine»; pp. 64-69.

Entre los muchos aportes que Méliès hizo al cine, destacan:˞

• Partir de un guión técnico y visual: desarrollaba la trama por medio de ilustraciones que luego eran la base para crear las escenografías, así como de los requerimientos para cada toma.˞
• Pausar la grabación —stop trick— para aparecer —o desaparecer— elementos en la imagen.˞
• Innovar con la animación cuadro por cuadro —stop motion—, para simular movimiento.˞
• Sobreponer negativos para integrar animaciones u otras imágenes —filmadas aparte sobre fondos negros— para agregarlos en la edición final.
• ˞Pintar fotogramas a mano —lo que le permitía, además de darles color, agregar efectos especiales.˞
• Emplear cuadros de fondo y maquetas para representar objetos de gran tamaño.
• Simular escenas submarinas por medio de peceras.˞
• Montar el primer estudio profesional con iluminación y montajes especiales —usó los paneles de cristal de un invernadero para aprovechar al máximo la luz del sol— para crear escenarios —con tramoyas, trampillas y decorados— y filmar secuencias completas con actores y acróbatas disfrazados.

Nace un arte

No sólo incluyó estas técnicas para hacer creíble el lanzamiento del cohete, su impacto sobre la «cara de la Luna» —literal— y representar montañas, paisajes, unos primitivos selenitas, el regreso del cohete a la Tierra y su caída en el mar, sino que demostró todas las posibilidades visuales que tenía este nuevo arte, capitalizando la escenografía teatral y los trucos de ilusionismo del siglo XIX. Además, estableció una narrativa clara —a diferencia de otras películas silentes, ésta no incluye ningún rótulo explicativo: toda es visual—, un ritmo uniforme y una trama concreta.

La estética de Méliès no tenía intenciones de ser «científicamente creíble», era más afín a los escenarios fantásticos descritos por Cyrano de Bergerac, en sus «Estados e imperios de la Luna» —El otro mundo (1662)— y a los relatos increíbles del Barón de Münchhausen.

En 1904 Méliès dirigió otra cinta igual de compleja a la que añadió más efectos y trucos con maquetas, y cuya trama era muy similar, pero ahora el reto era llegar al centro del Sol: Voyage à travers l’impossible —El viaje imposible.

El Gabinete del Dr. Caligari (1920) fue la primera cinta de terror de ciencia ficción y se considera una obra maestra del Expresionismo alemán: su diseño oscuro, con perspectivas y escenografías distorsionadas, producen una sensación caótica, como si todo ocurriera en otro mundo o dimensión.

Uno pensaría que esta forma tan novedosa y entretenida de contar historias volvería millonario a Méliès, pero ocurrió todo lo contrario: hacia 1913 invirtió todos sus recursos en producir películas pero, como la mayoría de la industria se enfocó en la Gran Guerra, quebró antes de lograr un buen acuerdo de distribución.

De las más de 500 cintas que filmó, sólo se conserva una decena: la mayoría se deterioraron o fueron destruidas para reciclaje —se dice que el propio Méliès incineró sus originales o se los entregó a sus acreedores para que «recuperaran la plata que contenían».

20 000 Leagues Under the Sea —20 mil leguas de viaje submarino— (1916)

Escrita y dirigida por Stuart Paton. Con: Allen Holubar y Jane Gail. Basada en el relato homónimo de Julio Verne —y con añadidos de su novela La isla misteriosa (1874)—, fue la primera cinta en filmarse «bajo el agua». Aunque entonces no existían cámaras sumergibles, por medio de un sistema de tubos y espejos —a manera de periscopio—, se pudieron grabar imágenes en aguas poco profundas e iluminadas por el sol.

En su momento, producir esta cinta fue una tarea titánica que casi llevó a la quiebra al estudio Universal Film Manufacturing Company. La quisieron hacer tan realista que, filmar en locaciones —algunas en la India—, crear los equipos de buceo, los trajes exóticos de los protagonistas, las escenografías, los barcos y una superficie navegable a escala real del Nautilus, provocó que durante 12 años nadie más se atreviera a hacer otra adaptación de una novela de Verne.

En 2010 la cinta fue comercializada con un score original; seis años después fue restaurada por la Biblioteca del Congreso de los ee. uu. y resguardada dentro de su registro nacional cinematográfico.

Aelita (1924)

Dir. Yákov Protazánov. Guión: Fiódor Otsep. Con: Yulia Sólntseva, Ígor Ilyinski y Nikolái Tsereteli.

Con base en la novela homónima de Alekséi Nikoláyevich Tolstói —no confundir con el poeta del siglo XIX ni con el escritor Lev Tolstoi—, se trata de uno de los primeros largometrajes sobre viajes interplanetarios y difundir la sospecha de que podría existir una civilización avanzada en Marte. La relevancia de esta cinta fue de tal magnitud que, en sus proyecciones en Leningrado, el propio Dmitri Shostakovich llegó a tocar en piano el score que compuso exprofeso.

Lo más icónico del filme son sus escenarios constructivistas, diseñados por Isaac Rabinovich y Victor Simov, así como los vestuarios futuristas de Aleksandra Ekster. Éstos influyeron en cintas posteriores como Metropolis y Mujeres en la Luna—ambas de Fritz Lang— y en los seriales de Flash Gordon.

Aunque en su momento fue muy popular, durante décadas era imposible conseguir una copia debido al hermetismo del régimen socialista. No fue sino hasta 2004 —cuando fue restaurada y comercializada—, que volvió a valorarse dentro de la historia del cine.

Metropolis (1927)

Dir. Fritz Lang. Guión: Thea von Harbou. Con: Brigitte Helm, Gustav Fröhlich y Alfred Abel.

Considerada un emblema del Expresionismo alemán —y una obra maestra del cine—, está basada en la novela homónima de Thea von Harbou, quien fue esposa —y guionista— de Fritz Lang de 1922 a 1933.

Lo más sobresaliente son sus majestuosos rascacielos, que se alzan cientos de metros y por los que pasan varios niveles de avenidas, líneas de tren y vehículos voladores. En esta sección vive la clase adinerada, la cual tiene acceso a todas las comodidades y privilegios, a jardines exóticos y espacios abiertos. Mientras que en otra ciudad, subterránea, se ubican las máquinas que dotan de energía a la superficie, y en donde los trabajadores son sobreexplotados y confinados a condiciones de vida infrahumanas, con la falsa esperanza de que «algún día llegará un mediador a redimirlos de su miseria».

Por otro lado, también se plantea el desarrollo extremo de la robótica y la inteligencia artificial, al grado de que un androide puede suplantar a un humano, sin que nadie pueda notar la diferencia.

Este concepto visual —y político—, de ciudades altamente tecnificadas y con rascacielos tan enormes como su desigualdad social, hasta la fecha continúa siendo la constante de visiones futuristas: desde Blade Runner (1982), pasando por Ghost in the Shell (1995) y El quinto elemento (1997), y Ready Player One (2018), entre muchas otras.

A pesar de la magnificencia de Metropolis —y sus polémicos argumentos— fue un fracaso económico: costó 5 millones de reichsmarks2 y sólo recuperó 75 mil en taquilla. Por ello sufrió umerosos cortes y modificaciones al proyectarse en otros países, lo que provocó que, durante décadas, fuera imposible conseguir el metraje original. No fue hasta 2008 que en Argentina se descubrió una cinta de 16 mm que contenía los 26 minutos faltantes, con los cuales se pudo restaurar —casi— por completo en 2010.

Desde 2001, la Unesco la declaró patrimonio histórico dentro de su Programa Memoria del Mundo.

El primer largometraje en mostrar un viaje a Marte fue la cinta danesa Himmelskibet(1918). Curiosamente, en Dinamarca no se volvió a filmar ninguna cinta de ciencia ficción sino hasta 1962.

Buck Rogers (1933-1939)

Es el personaje central de la novela Armageddon 2419 a.d. (1928), de Philip Francis Nowlan, que de inmediato fue adaptado a cómics —diseñados por Dick Calkins— y programas de radio. En la historia original, Rogers era un piloto de la I Guerra Mundial que, debido a un accidente, permanecía «congelado» durante 500 años, hasta que científicos del futuro recuperan su cuerpo, lo vuelven a la vida y se vuelve fundamental para vencer a un tirano galáctico.

Con motivo de la Feria Mundial de Chicago (1933-34) se filmaron 10 minutos en formato de 35 mm con sonido:

Buck Rogers in the 25th Century: An Interplanetary Battle with the Tiger Men of Mars, en el que se muestran pistolas de rayos, trajes espaciales e intercomunicadores estelares; esto definió la estética —y el sonido— de armas y naves interplanetarias —la simulación de batallas en el espacio exterior— que se emplearon en cintas posteriores; también volvió popular los conceptos de «exploración espacial» y «animación suspendida».

Luego, en 1939 se filmaron 12 seriales de cine —producidos por Universal Pictures—, pero como su presupuesto era reducido, reciclaron escenas y escenografías del musical futurista Just Imagine (1930) y del mismísimo Flash Gordon’s Trip to Mars (1938).

La influencia de Buck Rogers fue tal, que en 1952 la WB decidió hacer la parodia Duck Dodgers in the 24½th Century, con el pato Daffy como protagonista.

Flash Gordon (1934-1938)

Debido al éxito del cómic de Buck Rogers y como la King Features Syndicate no pudo obtener los derechos de John Carter —personaje de Edgar Rice Burroughs cuyas aventuras se desarrollan en Marte—, al ilustrador Alex Raymond le fue encomendada la tarea de crear un personaje similar. Raymond se basó en la novela When Worlds Collide (1933), de Philip Wylie y Edwin Balmer, en la que se plantea la llegada de dos planetas errantes que, de pronto, entran al Sistema solar y amenazan con estrellarse contra la Tierra.

Con la ayuda del ghostwriter Don Moore para crear un centenar de seres y personajes del planeta Mongo —entre ellos uno de los villanos más emblemáticos de la historia: Ming El Despiadado—, Flash Gordon se convirtió en un clásico que ha influido a centenares de obras de ciencia ficción.

El primer serial —de 13 capítulos— se filmó en 1936 y fue tal su relevancia y permanencia en los cines —se repitió durante décadas en las matinés para niños—, que justo porque George Lucas no pudo comprar los derechos para volver a filmarlo, decidió crear su propio universo galáctico: Star Wars.

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El Dr. Ian Q. Carrington, cuando consigue una película, procura que ésta contenga documentales, escenas eliminadas, comentarios adicionales y demás chucherías, pues dice que «uno siempre se queda con ganas de descubrir algo más».

Fuente

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«Si puede ser escrito o pensado, puede ser filmado».
 Stanley Kubrick

28 de diciembre de 1895, París, Francia

Treinta y tres personas, del centenar que paseaba por el Boulevard des Capucines, se animaron a entrar al número 14, en cuya puerta un cartel anunciaba de forma escueta: «Cinematógrafo Lumière. Entrada 1 franco».

Una vez que todos ocuparon su asiento, se apagaron las luces y sobre una gran tela blanca se proyectó la imagen de una estación de tren. El público no se extrañó de nada, pues ya existían «linternas mágicas» con las que se amplificaban fotografías… hasta que la imagen comenzó a moverse.

Cuando en la proyección apareció un ferrocarril que se aproximaba a toda velocidad a la estación, algunas personas huyeron de la sala temerosas de que éste los aplastara. Una vez pasado el susto, regresaron apenados a sus lugares a disfrutar del resto de las imágenes en movimiento.

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Según «la más oficial de las historias», así fue la primera proyección pública del cinematógrafo de los hermanos Lumière, quienes durante algún tiempo pensaron que su invento no pasaría de ser una curiosidad sin trascendencia.

La ilusión del cine tal vez comenzó en antiguas cavernas con las pinturas rupestres, cuando el ser humano intentó contar historias con luces y sombras.

Sombras de Oriente

En la India, cinco mil años antes de la era cristiana, ya se proyectaban sombras sobre una tela para representar animales y personas —con manos o figuras—, pero fue durante la dinastía Han, en China —206-220 a.C.—, que se perfeccionó el arte de narrar historias con papeles de colores —incluso con piezas de vidrio— y eran proyectados por medio de lámparas detrás de una pantalla —también de papel.

• Cámara estenopeica: En el siglo v a.C. los antiguos griegos registraron este fenómeno, que consiste en una imagen que se proyecta de cabeza en un muro cuando ha pasado por un pequeño agujero dentro de una habitación oscura; los griegos no pudieron entender la naturaleza de la luz porque pensaban que los ojos emitían ciertos rayos que permitían la vista. No fue sino hasta el siglo x que el matemático y astrónomo persa Ibn al-Hayṯam (965-1040) pudo explicar el fenómeno y descubrió que, entre más pequeño era el agujero, más nítida resultaba la imagen reflejada. Con base en este principio, diseñó la primera «cámara oscura», con la que se pudieron observar los eclipses —y otros astros que transitaran por el sol— sin perder la vista.

• Cámara oscura: Permite obtener la proyección de una imagen que a su vez es invertida con un espejo para reflejarse en una tela. El término fue acuñado por Johannes Kepler, quien en su Ad Vitellionem Paralipomena (1604), describe su funcionamiento y las bases para desarrollar el telescopio y, siglos más tarde, la fotografía; también la usaron los paisajistas para trazar panorámicas.


Persistencia retiniana —o de la visión—
Una imagen permanece en la retina humana durante una décima de segundo antes de desaparecer. Debido a este efecto, una secuencia de imágenes fijas —de 12 a 24 «cuadros» por segundo— crean la ilusión de movimiento continuo:

• La linterna mágica: Invirtiendo el proceso de la cámara oscura—cuya imagen sólo podía verse dentro de una superficie reducida— este aparato permitió proyectar imágenes hacia una tela o un muro. Durante mucho tiempo se pensó que el «inventor» de este instrumento fue el alemán Atanasio Kircher, pero hace poco se descubrió que es más probable que lo hubiera diseñado el astrónomo holandés Christiaan Huygens.

• Zoótropo: Aunque existe un modelo chino que data del 180 d.C., el modelo estroboscópico moderno fue creado en 1834 por el matemático inglés William George Horner. Consiste en un tambor que en su interior contiene dibujos y cuenta con orificios verticales por lo que, una vez que se le da vuelta, simula un movimiento secuencial en las imágenes.

• El daguerrotipo: En el siglo xv se comenzaron a estudiar las propiedades del nitrato de plata y sus reacciones fotoquímicas ante la luz. En 1820, Joseph Nicéphore Niépce realizó el primer fotograbado, que consistía en exponer una placa fotosensible ante la proyección de una imagen durante una larga exposición. Más tarde, Niépce se asoció con Louis Daguerre y experimentaron la técnica con derivados de la plata. Niépce murió en 1833, pero Daguerre continuó perfeccionando su técnica, hasta que en 1837 desarrolló el daguerrotipo, técnica sobre la cual se fue mejorando la fotografía.

Primer daguerritpo: vista de la ventana de Daguerre

• El celuloide: el nitrato de celulosa fue desarrollado en 1863 por John Wesley Hyatt. Se comenzó a emplear como película fotográfica en 1887. La flexibilidad de este material permitió desarrollar largos rollos de película, esenciales para grabar imágenes en movimiento.

Pierre Janssen, además de haber descubierto el helio en 1868 por medio de la observación de un eclipse, también desarrolló el «revólver fotográfico» para capturar imágenes del paso de Venus por el Sol en 1874.

Por la misma época, el médico Étienne Jules Marey llevaba algunos años estudiando el movimiento de personas y animales. Con base en el invento de Janssen, Marey desarrolló el «rifle fotográfico», con el que pudo registrar el movimiento de aves, caballos e incluso personas y, con ello, romper con muchos mitos que existían sobre la naturaleza del movimiento.

• «Teatro óptico»: con base en la linterna mágica y el zootropo, Charles-Émile Reynaud inventó el praxinoscopio —mejor conocido como «teatro óptico»—, que funcionaba con perforación en las cintas para tener una reproducción medida y automática. Además, sus dibujos animados fueron las primeras proyecciones visuales con argumento, música de fondo e incluso «efectos sonoros» que él mismo ejecutaba al momento de proyectarlos.

• El kinetoscopio: Considerado el precursor directo del cinematógrafo, este instrumento fue desarrollado por William Kennedy Laurie Dickson —mientras trabajaba para Thomas Alva Edison— entre 1889 y 1892. Por supuesto, Edison registró la patente como suya —para variar—. Aunque tuvo su momento de auge, la gran desventaja de este aparato es que las cintas sólo podían ser vistas por una sola persona y los intentos por «agregarle sonido» fracasaron.

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«El secreto de las películas es que son una ilusión». 
George Lucas

La gran trascendencia del cinematógrafo de los hermanos Lumière —a diferencia de otras invenciones de su época— fue que la reproducción de las imágenes no se limitaba a un sólo espectador; sin proponérselo, inventaron una experiencia colectiva que, hasta la fecha, forma parte indispensable de nuestra cotidianidad.

Entre los espectadores de la primera función privada que ofrecieron los Lumière se encontraba el ilusionista George Méliès, quien al finalizar la proyección le rogó a los inventores que le vendieran uno de esos aparatos. Los Lumière trataron de disuadir a Méliès porque, además de que le resultaría muy costoso, estaban convencidos de que la «novedad» de los documentales en movimiento sería efímera: «El cine no pasará de ser una curiosidad. Es una moda que desaparecerá cuando se agote la capacidad de sorpresa del público».

Méliès demostró, en casi 600 cortometrajes de ficción, las posibilidades narrativas que tenía este invento, al grado de convertirlo en un arte. El resto es la historia del cine. ❧

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El matrimonio bostoniano 

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Cada creyente en la existencia de los niños índigo sostiene teorías disímiles sobre su naturaleza, origen y habilidades paranormales. Así, algunos afirman que su origen es extraterrestre: son la reencarnación de quienes en otras vidas fueron habitantes de otros planetas. Otros, menos adeptos a esta especie de panspermia cerúlea, concuerdan con la idea de la reencarnación, pero son más mundanos y prefieren ver en ellos al nuevo Dalai Lama o a Moctezuma.

Entre las habilidades especiales o «suprapsíquicas» de los niños azulinos podemos enlistar: la telepatía o capacidad de comunicarse con otras personas por medio de la mente, la clariaudiencia —o don de adelantarse a lo que luego escuchan—, la telequinesis o habilidad de mover las cosas con la mente, la vitakinesis2 o don de curar enfermedades con la mente y, finalmente, la precognición o facultad de conocer el futuro. Más allá de estos poderes parapsicológicos, los índigo también pueden hablar con ángeles, fantasmas, hadas y gnomos, y resolver exámenes de conocimientos jamás aprendidos, sin necesidad de recordar o razonar cosa alguna, con la ayuda de su pura intuición.

Por desgracia, para los fanáticos de la Nueva Era no existe ningún estudio científico que haya mostrado que el a d n de los niños índigo sea distinto al del resto de los Homo sapiens; contrario a lo que afirma sin prueba ni referencia un sitio en internet, el ADN de los añiles no tiene tres hebras en lugar de dos. En conclusión, el niño índigo no es el Homo superior.

Origen de los índigo

La denominación de los niños índigo proviene de un libro de 1982 titulado Entendiendo tu vida a través del color: conceptos metafísicos del color y del aura; su autora, Nancy Ann Tappe, fue la primera en hablar de la existencia de niños con halos —a la manera de los santos de las iglesias— o auras de color azul. Esto nos remite a la pregunta: ¿y qué es el aura?

Más de cien años antes de la moda índigo de la Nueva Era, a mediados del siglo XIX, el espiritista estadounidense Andrew Jackson Davis proclamaba la existencia de «atmósferas psíquicas», que después serían llamadas «auras». Más tarde, miembros de la Sociedad Teosófica, como Charles W. Leadbeater, asociarían la habilidad de ver auras con la facultad de percibir los chakras —una serie de centros de energía asociados a diferentes partes del cuerpo—. Con estos ingredientes y otros de su propia inspiración, Tappe definió el aura como «un campo energético multicolor dentro y fuera del cuerpo humano».

Para apoyar «científicamente» la existencia del aura, sus defensores afirman que es posible fotografiarla mediante una cámara Kirlian —inventada en 1939 por el soviético Semyon Davidovich K. y su esposa Valentina Khrisanovna K.—. Sin embargo, esté vivo o no, cualquier objeto exhibe auras al fotografiarse mediante esta kirliangrafía; es la conductividad debida a la humedad del aire y de los objetos la que permite que se genere el campo eléctrico que da lugar a los kirlogramas y no una propiedad de naturaleza espiritual. Además de la humedad, otras variables físicas medibles y reconocibles —como la presión, la temperatura y el voltaje— ocasionarán que los kirlogramas de una misma persona sean muy diferentes.

Si bien fue Nancy Ann Tappe su madrina de bautizo, no podemos culparla del tsunami de niños índigo que desde los años 80 inundó las costas de la Nueva Era. Eso se lo debemos a Lee Carroll y Jan Tober, quienes en 1999 y 2001 publicaron los que ahora son libros canónicos al respecto: Los niños índigo y Homenaje a los niños índigo. A diferencia de otros gurús neoerianos, ninguno de los dos está demasiado preocupado por darle una imagen de respetabilidad científica a sus creencias: Carroll afirma que «canaliza» o es el recipiente mediante el cual actúa una «amorosa entidad angelical» conocida como «Kryon». Jan Tober ha sido cantante profesional7 y ahora se encarga de organizar talleres y seminarios kryónicos para Carroll, y graba discos personalizados para quien lo solicite; se supone que la música de estos c d incorpora información relacionada con el nacimiento de cada cliente, por lo que éste, al escucharla, consigue «activar» su a d n y llegar a un nivel de aura cristal, que es superior al cada vez más vulgar índigo.

¿Habilidades paranormales o TDAH?

Algunos estudiosos del tema consideran que la creciente popularidad que los niños índigo han alcanzado en los círculos de la Nueva Era desde finales del siglo pasado se vio impulsada por la controversia en el diagnóstico y tratamiento del Trastorno por Déficit de Atención con Hiperactividad —TDAH—. En 1996, un millón y medio de niños estadounidenses estaban medicados con Ritalin, por lo que cada vez más maestros, psicólogos, médicos y padres de familia comenzaron a preguntarse si no estarían exagerando al clasificar a tantos niños con la etiqueta de TDAH.

Los expertos dicen que actualmente, 90% de los niños menores de diez años son índigo.
Indigo Institute de Metepec

Sus síntomas coinciden con lo que «expertos» indican como rasgos conductuales típicos de los niños índigo: son impacientes, no soportan hacer fila, tienen dificultad con la disciplina y la autoridad, se aburren fácilmente con las tareas asignadas, se distraen rápidamente, expresan su ira de manera abierta y pueden tener problemas para controlarla. Para un padre de la Nueva Era la explicación era evidente, hubo una confusión: sus hijos no tenían t d a h, sólo eran niños índigo.

Es conveniente aclarar que los especialistas en este trastorno son los primeros en advertir que es difícil distinguir entre los síntomas de niños con TDAH y el comportamiento normal de cualquier niño, por lo que es necesario un diagnóstico profesional. Además, existen suficientes evidencias de que los niños con TDAH presentan diferencias neurológicas con respecto a otros.

Y aunque habrá quien afirme que estos niños no son índigos sino méndigos, considerar que un infante es índigo en lugar de sufrir TDAH tiene su lado positivo. Según un estudio, los padres convencidos de que sus hijos eran índigo experimentaban un nivel de frustración menor y reportaban menores interacciones negativas con sus hijos. El lado negativo de considerar que un niño es índigo, como han hecho notar psicólogos y sociólogos, es la presión emocional puesta en un niño del que se tiene la esperanza de que se convierta en el salvador de la humanidad.

Guía para reconocer a un niño índigo

Identificar a un niño como índigo no implica mayor problema si uno está convencido de que es capaz de ver el color del aura psíquica de las personas, pero si no es así, tendrá que hacer lo que los autores de «La identificación de posibles niños índigo. Un estudio exploratorio», artículo publicado en la Revista Intercontinental de Psicología y Educación, en el que sus autores se enfrentan al reto de «reconocer cuáles niños se ajustan al patrón índigo y diferenciarlos de los hiperactivos y superdotados», realizado en una comunidad de Mérida —en Venezuela, no en Yucatán, si no ya tendríamos profecías mayas asociadas con los índigo— mediante una entrevista estructurada de 29 preguntas.

Según el artículo, las características que los investigadores encontraron en los niños índigo son:

• físicas: cuerpo frágil y delicado, huesos finos, ojos grandes, frente ligeramente abultada, mirada profunda, atenta y llena de sabiduría; no soportan las costuras de medias o vestidos y prefieren ropa de algodón o de fibra natural.
• orgánicas: caminan sin ayuda antes del año, prefieren la comida vegetariana, comen y duermen poco, son más resistentes a las enfermedades infectocontagiosas y tienen mayor tendencia a reacciones alérgicas.
• de personalidad: funcionan con base en el amor, expresan lo que sienten sin importar lo que dicen ni de quién se trate, se bloquean y pueden llegar a no hablar, escribir o dibujar por temor a equivocarse.
• intelectuales: son muy preguntones, en especial con lo relacionado a temas filosóficos; son muy curiosos, en particular con las computadoras.
• sociales: les irritan y bloquean mucho los gritos, regaños y sermones.

Más «científico» no se puede.

Cómo han transformado el mundo

A estas alturas del mito, el lector podría tener curiosidad con respecto a qué ha pasado con las primeras generaciones de niños índigo, quienes ya tendrían que haber empezado a transformar el mundo. En un estudio que, inexplicablemente, fue publicado en la revista científica Pacific Health Dialog, sobre medicina y salud pública en las islas del Pacífico, los autores identificaron a diez adultos índigo de Hawaii con ayuda del AuraCam 6000, que permite tomar fotografías del aura —¡así se hace la ciencia en el primer mundo, no con presupuestos raquíticos!

¿Qué han hecho estas personas para convertir a Hawaii en la isla de Utopía de la Nueva Era? Ópalo, por ejemplo, abre el chakra del corazón de quienes ven las películas por ella dirigidas; Haolegurl quiere publicar un libro para ayudar a personas con enfermedades mentales, y Shihan, quien puede mover objetos sin tocarlos —que, de haberlo demostrado, les habría traído a los autores del artículo mayor reconocimiento—, además de que viaja astralmente, y siente, escucha y habla con el mundo de los espíritus, aún no sabe cuál es su propósito en la vida. Tal vez la primera generación de adultos índigo necesite más tiempo —la Nueva Era no se hizo en un día—. O quizá, con su sabiduría milenaria, hayan decidido que sea la segunda generación de niños índigo la que se encargue del trabajo.

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A pesar de tener escasos estudios y conocimientos básicos de matemáticas —no sabía de trigonometría ni álgebra básica— Michael Faraday se convirtió en un científico revolucionario al descubrir la electromagnética, el diamagnetismo y la electrólisis, también fue precursor de múltiples inventos de su época. Nació el 22 de septiembre de 1791 en Newington, Londres. Vivió en el seno de una familia pobre, su padre era herrero así que se vió en la necesidad de encontrar un trabajo a los 14 años para apoyar económicamente a su familia. Por ese motivo no concluyó la educación básica y se hizo aprendiz de un encuadernador, lo cual le permitió acceder a múltiples libros sobre ciencia, llevar su curiosidad hacia los fenómenos naturales, y efectuar sus primeros experimentos al respecto.

En el año de 1812, ya con la chispa de curiosidad encendida en su cabeza, Faraday asistió a las conferencias de Sir Humphry Davy —uno de los fundadores de la electroquímica y quien descubrió el potasio— y quedó fascinado. Al terminar la conferencia Faraday le pidió a Sir Davy un puesto de trabajo, y como él acababa de perder a un asistente —debido a un incidente científico que casi también le cuesta la vista– sin dudar lo contrató.

Aunque estaba rodeado de distintas personalidades y ya era oficialmente parte de Sociedad Real de Química, Faraday no era un caballero, por lo que su posición social lo volvió víctima de la esposa de su jefe, Sir Davy, quien le obligaba a viajar a lado de los criados. Consideró abandonar la ciencia debido a los maltratos que sufría, al llegar y ver que, a diferencia de la Señora Davy, la comunidad científica sí lo aceptaba, prefirió persistir en su sueño.

El 12 de junio de 1821 se casó con Sarah Barnard, ambos confesaron su fe al cristianismo. Nunca tuvieron hijos.
Como Michael Faraday vivió en la época de la revolución industrial fue testigo de múltiples descubrimientos e invenciones. Gracias a Hans Christian Oersted –quien descubrió la relación entre la electricidad y el magnetismo–, Faraday logró desarrollar el primer motor eléctrico conocido.

Ya en 1831, en colaboración con Charles Wheatstone –inventor del estereoscopio y del caleidófono– introdujeron corriente eléctrica en una bombilla, lo que les permitió describir matemáticamente una ley que rige la producción de electricidad atreves de un imán.
Al dar a conocer sus trabajos sobre el electromagnetismo y la rotación electromagnética, Faraday se consagró como uno de los científicos de éxito de la época.

La Jaula de Faraday

Aunque en la mayoría de los libros la jaula de Faraday esta explicada de manera teórica y complicada, es en realidad muy sencilla de entender. La jaula de Faraday es un “recipiente” hecho de puro material conductor, generalmente mallas de alambre y planchas de metal, que te protegen de los campos eléctricos externos. La mayoría de los magos usan en sus espectáculos estas jaulas para causar mayor impresión, inclusive los aviones están equipados con una jaula, por eso cuando les cae un rayo no ocurre nada.

No logró ser tan reconocido, pero sin sus descubrimientos no tendríamos en nuestras manos muchos instrumentos electrónicos. Ya en sus últimos años, la Universidad de Oxford le concedió a Faraday el grado de Doctor Civil Law. También la corona Británica le ofreció un título de caballero en reconocimiento a sus servicios científicos, pero como Faraday era un devoto cristiano lo rechazó.

Fue, hasta el final de su vida, simplemente Sr. Faraday, pues creía que perseguir recompensas mundanas atentaba contra la palabra de Dios en la Biblia. Otra cosa que rechazo dos veces fue el ser presidente de la Royal Society.
Sin embargo la Real Academia de las Ciencias de Suecia y la Academia de Ciencias de Francia, lo eligieron como miembro extranjero en 1838 y en 1844 respectivamente.

Le concedieron una casa en Hampton, donde vivió hasta su muerte, libre de gastos y costos en su modo de vida. El gobierno británico lo buscó para que les ayudara a la producción de armas químicas –para la guerra de Crimea– pero Faraday los rechazó por motivos éticos.

Faraday falleció el 15 de agosto de 1867 a sus 75 años. Actualmente, en la Abadía de Westminster, existe una placa memorial en su nombre, cerca de donde están los restos mortales de Isaac Newton.

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Avatar: The Last Airbender —en español, Avatar: La Leyenda de Aang o, a veces, El Último Maestro Aire— fue una serie animada producida y transmitida por Nickelodeon en 2005 hasta 2008. La serie fue creada por los genios Michael Dante DiMartino y Bryan Konietzko, quienes tuvieron de inspiración a Hayao Miyazaki, el anime, las películas clásicas de kung-fu, entre otros temas asiáticos.

¿De Asia para el mundo?

La concepción de la serie es una combinación de arte, filosofías, mitologías, religiones y hasta modas asiáticas, especialmente de Asia Oriental, algunos ejemplos son las artes marciales chinas, el hinduismo, el taoísmo, el budismo o la yoga. Para que todas estas ideas estuvieran fielmente representadas, la serie tuvo como consultor cultural a Edwin Zane, así como del calígrafo Siu-Leung Lee, ya que la escritura dentro de la serie en realidad es una versión arcaica del chino.

La palabra avatar proviene del sánscrito अवतार, Avatāra, y significa ‘descendiente’, mientras que los caracteres chinos del título indican: «El medio divino que ha descendido al mundo mortal». En la serie, el Avatar es una persona que domina cuatro de los cinco elementos de la naturaleza —Agua, Aire, Fuego y Tierra— y funge como puente entre el plano terrenal y el espiritual, además de ser el equilibrio y mantener la paz entre los pueblos de cada uno de estos elementos. Para que esto perdure, el Avatar reencarna en cada uno de estos cuatro pueblos —siguiendo el orden de Fuego, Aire, Agua y Tierra, y así sucesivamente—, haciéndolo una analogía del Dalai Lama real.

Inspiración real

Los cuatro pueblos elementales de este mundo ficticio están inspirados en diversas culturas y locaciones del mundo real, y no sólo de Asia, por ejemplo: las dos principales Tribus del Agua, atinadamente ubicadas en los polos, están basadas en los inuit norteamericanos; los Nómadas Aire, cuatro templos ubicados en cada uno de los puntos cardinales, están basados en los monjes tibetanos y los nómadas mongoles; el Reino Tierra, la nación más extensa, está fuertemente basado en las dinastías chinas Ming y Qing; y por último, la Nación del Fuego, un archipiélago de islas ubicado en el Oeste, está mayormente inspirada en Japón.

Hay que aclarar que en cada una de estas naciones, existen personas que pueden o no manipular/controlar su elemento nacional, las cuales practican su «[elemento] Control» de manera diferente. Por ejemplo, los maestros Agua fluyen con sus movimientos como en el taichí, mientras que los Tierra se plantan como en el Hung Gar —«el boxeo de la familia Hung»—. Por otro lado, los maestros Fuego se mueven como los Shaolin del Norte y los del Aire practican el Pa kua chang o Bāguàzhâng —«la palma de los ocho trigramas»—. Además, entre mayor sea el conocimiento y dominio elemental, se pueden practicar derivados como el rayo, la sangre, el metal o el vuelo.

Enseñanzas

Dejando a un lado el estilo de animación e inspiración, a lo largo de la serie se presentan una gama de vicisitudes que a diario suceden en el mundo real y que una «caricatura» raras veces aborda o siquiera menciona o reconoce. Guerra, sexismo, colonialismo, genocidio, discriminación, imperialismo, opresión, etc., balanceado con cuestiones filosóficas como el destino y el libre albedrío, sumadas al empoderamiento femenino, la inclusión, el amor no correspondido, el respeto hacia otras creencias y demás situaciones de inclusión.

Todo eso se aborda en La leyenda de Aang, siendo éste un niño de apenas 12 años —literal, el último maestro Aire— que tiene que aprender a controlar los cuatro elementos en más o menos un año para evitar que la Nación del Fuego termine por conquistar el mundo. En tres temporadas se desarrolló esta historia, que fue doblada al español de Latinoamérica por el estudio chileno DINT —ya puedes presumir que sí le entendiste a los chilenos— y, evidentemente, se ha enriquecido la saga con cómics, novelas ligeras, una infame adaptación live-action —no la veas—, una próxima serie live-action de Netflix —qué nervios— y la secuela de la serie: La Leyenda de Korra.

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La palabra inglesa ignoble refiere a algo «de mal gusto», «ordinario»; parecido a lo «ignominioso» que describe el deshonor o descrédito que sufre alguien que ha perdido cierto respeto, y connota lo que podría resultar «vergonzoso».
Esta parodia sobre los Premios Nobel reales —identificados por la sílaba «ig» que refiere a la deshonra—, tiene un tono humorístico que, como dice el lema oficial de esta ceremonia fundada por Marc Abrahams: «premia a aquellos individuos cuyas investigaciones no pueden o no deben ser reproducidas».

Cada año se otorgan diez de estos premios —no necesariamente en las mismas categorías que en los Nobel auténticos—, a aquellos que merecen mención, primero por provocar la burla y luego por invitarnos a pensar. En esta ocasión te presentamos las diez ideas más disparatadas, por supuesto galardonadas con un Ig Nobel.

10. Prohibido aplaudir

En el año 2013 el Ig Nobel de la Paz fue para el presidente de Bielorrusia Alexander Lukashenko, debido a un precepto que aprobó para que la acción de aplaudir en público fuera ilegal. Incluso, la policía de este país también fue reconocida por arrestar a un hombre que aplaudió, aún cuando éste tenía un solo brazo.

9. Masaje para curar el hipo

Francis M. Fesmire, de la Universidad de Tennesse, recibió el premio Ig Nobel en Medicina en el 2010 por su sorprendente descubrimiento de que la clave para terminar con el hipo es un masaje rectal. En su opinión, esta terapia podría resultar más eficaz que los fármacos antiespasmódicos, los tragos de agua, los sustos o los trucos caseros para aliviar el hipo.

8. Peligro gatuno

En el 2014 dos grupos de investigadores de la Escuela de Medicina de la Universidad Pública de Michigan, EE.UU., fueron acreedores al premio Ig Nobel en la categoría de Salud Pública por descubrir que los gatos son peligrosos para la salud mental de las personas, pues existe el riesgo de que el dueño de algún felino se contagie con toxoplasmosis.

7. Teoría de las vacas flojas

Esta teoría fue una de las más aplaudidas en el 2013. Un grupo de científicos se ganó este premio en la categoría de Probabilidad, por realizar una serie de estudios que los llevaron a la conclusión de que cuanto más tiempo esté tumbada una vaca en la hierba, más probable será que se levante.

Además, determinaron que en cuanto una vaca se levanta, nadie puede predecir con facilidad el tiempo en que demorará para recostarse de nuevo. Seguramente su contribución ayudará a comprender mejor la ociosidad de estos animales.

6. Sentido de orientación

El Ig Nobel dentro de la categoría de Biología en el 2014, fue otorgado a un grupo internacional de investigadores checos, alemanes y zambianos, por determinar que los perros prefieren alinear el eje de su cuerpo con las líneas magnéticas de la Tierra cuando orinan o defecan.

La conclusión a la que llegaron es que los canes, cuando van a hacer sus necesidades, tienden a emparejarse con el campo magnético terrestre hacia el norte o el sur, evitando los polos del este u oeste. Este resultado lo obtuvieron tras dos años de observar 70 perros de 37 razas mientras defecaban; sin embargo, hacen falta más análisis y experimentos en laboratorio para corroborar esta situación.

5. El instinto ante el hombre disfrazado

Dentro de la categoría de Ciencia Ártica, en 2014 un investigador noruego y uno alemán fueron premiados por su estudio sobre cómo reacciona un reno al ver a un humano disfrazado de oso polar.

La investigación consistió en medir las distancias en las cuales los renos reaccionaban cuando se sentían acechados por un depredador, y concluyeron que su instinto de alerta aumenta significativamente dependiendo de la distancia a la que se encuentra el oso polar.

4. Contemplar el arte es doloroso

Marina de Tommaso, Michele Sardaro y Paolo Livrea fueron premiados en el 2014, dentro de la categoría de Arte, por estudiar el umbral del dolor mientras una persona observa una pintura «fea» y otra «bonita».

De acuerdo con su investigación, el dolor relativo en las personas que admiraron obras de Botticelli o Tintoretto es leve; por el contrario, el dolor se agudiza en las personas que miraron pinturas de la corriente cubista.

3. Tus hábitos y la psicopatía

Un equipo de científicos asegura haber recopilado evidencia que prueba que las personas que suelen dormir hasta tarde son más narcisistas, manipuladoras y psicópatas que aquellos que se acuestan y se levantan temprano.

Peter K. Jonason, Amy Jones y Minna Lyons, fueron los encargados de estudiar el «cronotipo» —el comportamiento asociado a la hora— aplicado en sus hábitos de sueño. Sus resultados fueron reconocidos con el Ig Nobel en la categoría de Psicología en el 2014.

2. La ciencia aplicada al resbalón

Dentro del campo de la Física, en el 2014 un grupo de japoneses fue premiado por su estudio sobre la fricción entre la suela de un zapato y la cáscara de una plátano, cuando una persona resbala con ésta.

De acuerdo con esta investigación, el coeficiente de fricción entre la suela y la piel del plátano es de 0.07; dicho valor es menor que el de la mayoría de los materiales sobre los cuales acostumbramos pisar, pero es similar al de un suelo bien lubricado.

1. Baby sausage (2014)

El Ig Nobel en la categoría de Nutrición en el 2014 fue para un grupo de investigadoras españolas por su trabajo «Caracterización de la bacteria del ácido láctico aislado de excrementos de bebé como cultivo de potencial alimento probiótico».

Estas investigadoras proponen utilizar las heces de los recién nacidos en nutritivos fuets o embutidos, para conseguir aislar la bacteria producida por el residuo de la energía que nuestro organismo transforma, pero que también ayuda a normalizar el metabolismo y contrarrestar la fatiga muscular.

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La respuesta parece sencilla. Hay un rasgo común que distingue a la creatividad en todos los campos, la novedad. Pero ésta es una respuesta simplista; la creatividad no se da cada vez que se da la novedad. Toda creatividad implica novedad, pero no a la inversa. La novedad consiste, en general, en la presencia de una cualidad que antes estaba ausente. Se busca la novedad ya sea haciendo tabula rasa o a partir del viejo árbol al que cada primavera le brotan hojas nuevas; Paul Valèry lo expresó de manera maravillosa:

Novedad, voluntad de novedad. Lo nuevo es uno de esos venenos excitantes que acaban por ser más necesarios que el alimento y cuya dosis, si al fin nos señorea, debemos acrecer, so pena de muerte, hasta hacerla mortal.

Esta novedad puede tener varios orígenes: deliberada o no intencionada, impulsiva o dirigida, espontánea o resuelta metódicamente a base de estudio y reflexión; es el sello de las diversas actitudes de las personas creativas, la expresión de sus diferentes mentalidades, destrezas y talentos. Consideramos personas creativas a aquéllas cuyos trabajos no son sólo nuevos, sino que además son la manifestación de una habilidad especial, una energía mental, un talento o un genio.

¿Por qué valoramos la creatividad?
El culto a la creatividad es un culto a la capacidad sobrehumana —divina— del hombre. Decía Stravinsky: «En la raíz de toda creatividad, uno encuentra algo que está por encima de lo terrenal». En la concepción actual la creatividad se ha convertido en la esencia del arte; esta asociación no existió mientras que la belleza fue la que definía el arte. Cuando la asociación entre el arte y la belleza se fue debilitando, aquella que existía entre el arte y la creatividad se hizo más fuerte. En los tiempos pasados se asumía que no existía arte sin belleza; hoy, en cambio, se asume que no existe arte sin creatividad.

Actualmente manejamos muchas variantes de palabras que tienen una misma raíz y un sentido análogo: creador, crear, creativo, creatividad. De todas éstas usamos creatividad para designar el proceso que tiene lugar en la mente del creador para producir sus obras y podemos llegar a conocerlas bien, pero sólo nos es dado adivinar —e intentar reconstruir— el proceso.

A principios del siglo XIX el anatomista vienés Franz Joseph Gall, etiquetó cada zona del cráneo con diversos atributos —por ejemplo, la subliminalidad, la benevolencia y la veneración— que suponía localizadas en el córtex subyacente a cada una de ellas. Gall creía que estudiando las protuberancias del cráneo podría deducir muchas cosas del carácter de la persona, entre ellas la creatividad. Aun cuando las ideas de Gall eran erróneas —por lo que la hipótesis de la localización cortical adquirió mala reputación en los círculos científicos—, hoy podemos ver —gracias sobre todo a los estudios detallados del córtex de los macacos, completados con datos humanos— que sí hay manera de localizarla en el cerebro. Sin embargo, el cerebro humano, como el resto del cuerpo, no es una estructura uniforme, tiene diferentes funciones, trabaja interconectado.

Algunos investigadores han sugerido que una mayor distribución bilateral de las funciones del lenguaje —que pedagogía, libros de autoayuda, etcétera. Los artículos acaban casi invariablemente con frases como «impulse su hemisferio derecho» o «entrene el hemisferio derecho».

La tarea primordial del hemisferio izquierdo, dicen a menudo estos artículos, es la representación lógica de la realidad y la comunicación con el mundo externo. Pensar, leer, escribir, contar y quejarse del tiempo son funciones que se atribuyen generalmente al hemisferio izquierdo, mientras que la ocupación del hemisferio derecho es la comprensión de los patrones y las complejas relaciones que no pueden ser definidas con precisión y pueden no ser lógicas. Las cualidades del hemisferio derecho, dicen estos autores, son esenciales para la actividad creativa, pero tienden a ser desarrolladas de forma inadecuada.

Si aceptamos tal distinción: que el hemisferio izquierdo es analítico y el derecho es intuitivo, podemos ir más allá y ver —tal y como lo ha hecho Carl Sagan— cómo las dos formas de pensamiento han interactuado para generar los logros de la civilización. Él dice que las actividades creativas más significativas de nuestra cultura —sistemas legales y éticos, arte y música, ciencia y tecnología— son resultado de un trabajo conjunto entre los dos hemisferios: «Podemos decir que la cultura humana es una función del cuerpo calloso».

Pero, ¿qué nos incita a seguir creando? Quizá, citando a Albert Camus: «El viajero no era más que ese corazón angustiado, ávido de vivir, en rebeldía contra el orden mortal del mundo…».

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