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Juventino Rosas: cronología de una leyenda

José Juventino Policarpo Rosas Cadena, nació en un convulso y lleno de transformaciones siglo XIX. Aunque existen algunas discrepancias, la fecha de su nacimiento se registra un 25 de enero de 1868, en el poblado de Santa Cruz de Galeana, Guanajuato. Desde pequeño, Juventino demostró tener una habilidad innata para la música, pues a muy corta edad, aprendió a tocar el violín, gracias a la enseñanza de su padre —Jesús Rosas—, que tocaba el arpa y había pertenecido a una orquesta militar.

Siendo apenas un niño y ya con un amplio dominio del violín, formó junto con su padre y su hermano Manuel, un trio musical. El conjunto tocaba en bailes, bautizos y otras fiestas que se presentaban en Santa Cruz o sus alrededores. Gracias a estas presentaciones, el trio podía sacar una ganancia extra.

En 1875, la familia Rosas se traslada a la Ciudad de México con la intención de mejorar su calidad de vida. Al poco tiempo de establecerse en la capital, el trio busca una oportunidad y se une a la orquesta de los hermanos Elvira. En esta agrupación duraron un lapso corto, ya que decidieron ingresar a la orquesta de los hermanos Aguirre. Desafortunadamente, el trio se desintegró y abandonaron la orquesta, debido a la muerte prematura de Manuel Rosas—hermano de Juventino—, quien perdió la vida en una riña callejera.

Una vida en solitario

A los 15 años, Juventino se enfiló en una orquesta encabezada por la cantante Ángela Peralta. Con ellos recorrió el país en una gira, sin embargo, otra tragedia rondaba su vida. Estando en Mazatlán, varios integrantes de la agrupación contrajeron Cólera, siendo Ángela una víctima mortal de este padecimiento.

En México, el Vals creaba tendencia y marcaba el compás de las cotidianidades. Existían muchos compositores dispuestos a conquistar el corazón del mundo con sus obras, sin embargo, es en este periodo de auge musical, donde se descubre el genio de Juventino por la composición. Sin tener ninguna educación formal, Rosas creó grandes obras de forma autodidacta, motivado por su pasión y su sensibilidad musical.

Cuando tenía 19 años, tuvo la oportunidad de presentar su música en el Teatro Nacional, para un importante público. Entre los asistentes destacaban miembros del gabinete de Porfirio Díaz. Mismos que asistían al evento para conmemorar la batalla de Puebla. Tiempo después de esta presentación, Juventino tuvo la oportunidad de componer un Vals dedicado a la esposa de Porfirio, Carmen Romero Rubio, titulado “Carmen”.

Sobre las olas

La creación de su obra más conocida “Sobre las olas”, está rodeada de misterio y no se conoce a ciencia cierta dónde se creó. Algunas fuentes plantean que Juventino compuso esta obra en Tláhuac, lugar donde residió un tiempo. Por otro lado, otras fuentes plantean que al desertar de una banda musical, se escondió en casa de su amigo José Reina, quien vivía en el poblado de Contreras.

De acuerdo con el INBAL —Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura—, una mañana se fue al manantial de La Magdalena a nadar. Estando en el agua, se le vino a la mente una melodía que comenzó a tararear. Inmediatamente salió del agua y la escribió en un cuaderno que llevaba consigo a todos lados. Ahí, en ese solitario lugar, comenzó la magia que hechizaría al mundo. El nombre de dicha composición también está rodeado de misterio, de acuerdo a las fuentes que se consulten, existe la posibilidad de que el nombre “Sobre las olas” haya sido invención de un amigo suyo que era poeta. Otra versión indica, que fue Miguel Ríos Toledano quien cambió el nombre al hacer la composición para piano de este vals.

La casa Wagner y Levien, fue la encargada de publicar y reproducir el Vals “Sobre las olas”, al comprarle la propiedad intelectual a Juventino —junto con otro tema— por la cantidad de 45 pesos. El vals se estrenó en el año de 1991, cobrando una notoriedad abrumadora, primero en los círculos nacionales y después, extendiendo su magia fuera de las fronteras mexicanas. Este vals, es considerado el segundo más bello del mundo, solo por debajo de “El Danubio Azul” de Johann Strauss.

La muerte de Juventino Rosas

Juventino Rosas falleció el 9 de julio de 1894, debido a complicaciones hepáticas en las isla de Cuba. Ahí fue enterrado con un epitafio que versaba “Juventino Rosas, violinista mexicano y, autor del célebre vals Sobre las olas, falleció en Julio de de 1894. La tierra cubana, sabrá conservar su sueño”. En 1909 sus restos fueron traídos a México para ser enterrado en el panteón de Dolores pero en 1939, el presidente Lázaro Cárdenas ordenó que se exhumara el cuerpo para depositarlo en la Rotonda de los Hombres Ilustres, donde descansa hasta la fecha.

A pesar de que murió a una corta edad, Juventino compuso un legado que sonará muchos años más. Conmemorando 154 años de su nacimiento, la memoria colectiva de nuestra sociedad se aferra a no olvidarlo, a rememorar las composiciones de uno de los más grandes músicos que nos ha dado nuestro país. Al morir, dejó un legado de más de 90 obras musicales, aunque solo se tienen en conservación 35 partituras, debido que la mala administración de los dueños, ocasionó que los documentos se perdieran o se destruyeran.

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A pesar de que la neurofisiología y la genética contribuyen a que una persona desarrolle tartamudez, el efecto que tiene en su vida depende en gran medida de su entorno, porque la timidez, la ansiedad, el miedo y el estrés tienden a agravarla. Aunque menos de 1% de la población mundial tartamudea, dentro de ese pequeño porcentaje han existido varios casos célebres que a continuación le presentamos:

Demóstenes (384-322 a.C.)

Considerado uno de los mejores oradores de la Grecia Antigua, Demóstenes es tan célebre por sus logros en retórica y política como por la dedicación que empleó para alcanzarlos. A diferencia de su tocayo, amigo de Don Gato —y contrario a la creencia popular—, el ateniense sufría de un problema de lenguaje, pero no es claro que se tratara de disfemia. Según el historiador Plutarco, tenía una debilidad en la voz y una falta de aire que oscurecía el sentido de sus palabras. Para superar estas deficiencias, Demóstenes se adhirió a un estricto régimen de entrenamiento que incluía, según algunas versiones, recitar sobre el ruido de las olas a orillas del mar y hablar con piedras en la boca o mientras corría.

Jorge VI de Inglaterra (1895 -1952)

Jorge vi llegó inesperadamente al trono después de que su hermano mayor abdicara de la Corona británica; sin embargo, para él, que había sufrido problemas de lenguaje además de una gran timidez, pronunciar discursos públicos suponía un gran reto. Fue el terapeuta australiano Lionel Logue quien ayudó al monarca a superar su tartamudez con ejercicios vocales y de respiración, declarando la guerra a Alemania en 1939 con uno de los discursos más célebres de la historia. Jorge vi se ganó la admiración del Reino Unido, e inspiró la película The King’s Speech (2010) —El discurso del rey.

Alan Turing (1912-1954)

Al no existir grabaciones del fundador de la ciencia de la computación, es difícil precisar la gravedad de su dificultad en el habla. De lo que sí existen registros precisos, es de los ataques que recibió por su homosexualidad. En 2009, el Primer Ministro británico ofreció una disculpa póstuma en nombre del gobierno, por la manera en que Turing fue tratado.¹

Marilyn Monroe (1926-1962)

Durante una entrevista en 1960, Marilyn Monroe recordó la primera vez que tartamudeó de niña, cuando vivía en un orfanato. Después, alrededor de los 13 años, su tartamudez regresó, y desde entonces le causó problemas cuando estaba nerviosa o estresada. Una vez, mientras grababa una película, no pudo evitar tartamudear, y el asistente de director le gritó, casi indignado: «¡Tú no tartamudeas!», a lo que Marilyn respondió: «¡Eso es lo que tú crees!». Pero en general, la tartamudez de la actriz no fue nunca evidente en el escenario o en la pantalla.

La tartamudez en la ficción

A continuación presentamos una lista con algunos de los tartamudos más célebres en la literatura, la televisión y el cine.

Ken Pile

—Interpretado por Michael Palin— en Los enredos de Wanda

En esta comedia clásica, un grupo de gángsters planea un gran asalto. Uno de ellos, Ken, sufre un evidente tartamudeo. En una escena, Wanda —Jamie Lee Curtis— besa a Ken para obtener información de él, lo que le cura momentáneamente su mal. Este entrañable personaje sufría de nerviosismo extremo y baja autoestima debido a su tartamudez.

A Fish Called Wanda (1988), Dir. Charles Crichton

Billy Bibbit

—Interpretado por Brad Dourif— en Atrapado sin salida

Lo mismo en la novela que en la película, Billy Bibbit sufre de una tartamudez muy pronunciada que lo lleva a sufrir de baja autoestima. Su ánimo está tan afectado, que incluso tiene un intento de suicidio. Esta interpretación le valió un Oscar como mejor actor de reparto a Dourif entre otros reconocimientos.

Jorge VI

—Interpretado por Colin Firth— en El discurso del rey

En este filme se cuenta la historia verdadera del rey de Inglaterra Jorge vi y cómo logró superar su tartamudez gracias a la ayuda de un terapeuta de lenguaje poco ortodoxo, interpretado por Geoffrey Rush. Al final, el rey consigue dar, completamente curado, el ahora célebre discurso con el que el Reino Unido le declaró la guerra a Alemania en 1939.

The King’s Speech (2010). Dir. Tom Hooper

William «el Tartamudo Bill» Denbrough

—Interpretado por Richard Thomas y Jonathan Brandis— en Eso

Este niño desarrolla tartamudez después de la muerte de su hermano, y se empeora cada vez que está asustado o nervioso… lo que sucede a menudo gracias al temible payaso. Lo mismo le sucede al personaje en la novela de Stephen King en la que se basa esta miniserie.

It (1990). Dir. Tommy Lee Wallace

Jimmy

En South Park

La tartamudez de Jimmy no le impide presentarse en público, dar elocuentes discursos ni ser un destacado comediante de stand up.

Porky

En Looney Tunes

Uno de los tartamudos más célebres, que despedía el programa con su frase: ¡Eso es to, eso es to, eso es todo amigos

Y para finalizar, tenemos esta canción que el fallecido músico John Paul Larkin, mejor conocido como Scatman John, escribió para los niños que sufren tartamudez. Él mismo fue tartamudo y recibió un premio por sus contribuciones a la comunidad de tartamudos. Se titula «Scatman (Ski Ba Bop Ba Dop Bop)».

Conoce a otros tartamudos célebres de la vida real en Algarabía 97

1 v. Algarabía 89 y 90, febrero-marzo 2012, semblanzas: «Réquiem por un genio» —primera y segunda parte—; pp. 39-45 y pp. 38-43.

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París, Francia, otoño de 1772

Y cómo no van a causar un alboroto, si no sé por dónde empezar de todas las cosas inmorales que este «caballero» ha decidido contarle al mundo entero. Sólo voy a relatar una parte de ellas, ciertos sucesos de juventud, aunque hay tanta tela de dónde cortar…

Nos relata Rousseau que cuando era un niño de 8 años —huérfano de madre—, su papá tenía que trabajar, así que lo dejaba al cuidado de cierto señorcito de nombre Lambercier, quien vivía con su hermana en un pueblo cuyo nombre no recuerdo. De lo que sí tengo memoria, es que la tal señorita Lambercier tuvo que darle de nalgadas en más de una ocasión porque se había portado mal. Al niño Rousseau los azotes en las pompis le dolieron… ¡pero le gustaron! Tanto así que ya de adulto ¡se excitaba cuando le pegaban sus amantes! Que no fueron pocas, por cierto, aunque se haga el tímido.

La verdad es difícil imaginarse a este señor filósofo, músico, escritor, científico, un sabio, pues, recibiendo las nalgadas de una chica, pero así es. Al parecer, la promesa del castigo le brinda a Jean-Jacques Rousseau una voluptuosidad y una sensualidad que exacerban su sexualidad hasta niveles in-sos-pe-cha-dos.

Jean-Jacques Rousseau: una vida entre las sombras

Pero esto no es todo. Rousseau siguió leyendo a su boquiabierto auditorio que a los 16 años, ¡era un exhibicionista! y ni siquiera se ponía gabardina, ¿eh? Una vez se le ocurrió plantarse con el miembro al aire a la orilla de un pozo a donde iban todas las muchachas del lugar por agua. Al verlo, unas se asustaban y salían corriendo; a otras les daba risa, y algunas más reaccionaban muy enojadas. Una de estas últimas fue a acusarlo, por lo que, de repente, vio venir a un hombretón y a varias señoras enojadísimas dispuestas a darle una paliza, así que huyó a una cueva donde quedó atrapado; y sólo porque el hombre tuvo compasión de él no se lo llevaron a la cárcel. ¡Ah, pero qué muchacho tan travieso! ¿Y no que le gusta que le peguen?

En fin, hasta aquí me detengo. Tal vez en otra ocasión les contaré de cómo Rousseau convenció a su mujer de abandonar a los cinco hijos de ambos en un orfanato, o de cómo compartió sexualmente a una señorita con un buen amigo. Pero ahorita mismo voy a pedir mis sales, porque me está dando el vahído nada más de pensar en que a Rousseau le dan de nalgadas y…
Au revoir!

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O alguna vez te han dicho frases como «¡No dramatices!», «Estás histérica», «De todo la haces de pedo», o bien «Sí te llamé —cuando tú sabes perfectamente que no te llamó—». ¿Alguna vez te han tildado de alucinada con los demás? «Es que no le crean», «Siempre hace eso», «Se pone como loquita», «Ya sabes como alucina esta pinche vieja», etcétera.

Pues si te ha pasado, eso tiene un nombre: gaslighting.

Y como todo lo que tiene nombre, existe, es real, y muchas personas lo hacen o lo han sufrido.

El concepto se puede definir como «la manipulación en la que alguien puede hacer que otro cuestione su propia realidad» y se considera un patrón de abuso emocional en la que la víctima es manipulada para que llegue a dudar de su propia percepción, juicio o memoria.

Por extensión, el término también se puede usar para describir a una persona o líder —un gaslighter o gaslighteador— que presenta una narrativa falsa a un grupo de personas que los lleva a dudar de sus percepciones y a ser engañados, desorientados o angustiados.

Generalmente, esta dinámica es posible sólo cuando la audiencia es vulnerable, como en relaciones de poder desiguales, o cuando la audiencia teme las pérdidas asociadas con desafiar la narrativa falsa, el caso de Trump es el más flagrante: negaba, indiciaba, influenciaba, en fin… Y peor aún el caso de David Koresh y la tragedia que provocó en Waco, Texas. Pero, realmente, es menos común usarlo de esa forma, social o masiva, sino más bien de persona a persona.

Gas de luz obscura

Gaslighting fue en gran medida un término oscuro hasta mediados de la década de 2010, cuando se filtró ampliamente en el léxico del inglés.

Según la Asociación Americana de Psicología, el término refiere «a la manipulación tan extrema como para inducir una enfermedad mental o para justificar el internamiento de la persona afectada por gas en una institución psiquiátrica, y ahora se usa de manera más general».

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The New York Times utilizó por primera vez la forma de gerundio común gaslighting en 2015 y la American Dialect Society reconoció la palabra gaslighting como la nueva palabra «más útil» del año en 2016. Mientras que Oxford University Press nombró gaslighting como finalista en su lista de las nuevas palabras más populares de 2018.

El término, gaslighting o gaslighteo —como ya se dice en nuestra lengua— hasta hoy se usa muy ocasionalmente en la literatura clínica, pero la Asociación Americana de Psicología aún lo considera un coloquialismo.

El primer estudio que se hizo de esto fue en 2008, y se publicó como «Gaslighting: A Marital Syndrome»: en él se examinan ciertos comportamientos masculinos durante y después de sus aventuras extramatrimoniales, así como el efecto de esos comportamientos y actitudes asociados en sus cónyuges y se concluye que tanto los maridos como los terapeutas masculinos pueden contribuir a la angustia de las mujeres, no sólo al etiquetar erróneamente sus reacciones, sino también a través de la continuación de ciertas etiquetas estereotipadas que se imponen negativamente en la esposa afectada.

Gaslighting es también ahora utilizado en la literatura de autoayuda y en la psicología amateur para describir la dinámica entre dos partes: el gaslighter o gaslighteador, que presenta persistentemente una narrativa falsa, y el gaslighted o gaslighteado, que lucha por mantener su autonomía individual.

Y siempre se aclara que esta dinámica sólo puede ser efectiva cuando hay una estructura de poder desigualo cuando el gaslighteado le ha otorgado su respeto al gaslighteador.

¿Por qué ese nombrecito tan raro de gasluceando?

El término se deriva de la película británica Gaslight de 1940 basada en una obra de teatro del mismo nombre de Patrick Hamilton, dirigida por Thorold Dickinson, en la que actúan Anton Walbrook y Diana Wynward —y que yo ya vi tres veces.

Básicamente la trama es la siguiente: en el Londres victoriano, de lo único que se habla en un vecindario específico es que en 1880 alguien finalmente se mudó al número 12 de Pimlico Square.

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La casa había estado vacía durante casi 20 años cuando la dueña anterior, Alice Barlow, fue asesinada allí, y se cree que sus valiosos rubíes fueron robados durante el crimen.

Los nuevos propietarios, los recién casados Paul y Bella Mallen, pueden o no estar al tanto de ese hecho.

Bella sufre de los nervios, y éstos empeoran después de mudarse a la casa: según esto se la pasa olvidando y perdiendo cosas y su esposo se lo reprocha todo el tiempo, ella se angustia más y así se hace un círculo vicioso. Además, «parece delirar» al escuchar ruidos en el ático de la casa que está clausurado y ver que las luces de gas de la casa parpadean cuando esto pasa.

Esos parpadeos sólo deberían ocurrir cuando se encienden y apagan otras luces en la casa ya que el gas se dispersa.

Se lo dice a Paul, pero él afirma que está loca.

Vemos como el «amor»de Paul por Bella cruza esa delgada línea hacia el odio al lidiar con el empeoramiento de sus nervios, aislándola en la casa para no avergonzarse de ella en público y haciéndole saber a todas sus amistades que está loca.

Sin embargo, B. G. Rough, el dueño del establo, que una vez fue agente de policía y que trabajó en el caso Barlow, duda de Paul Mallen, duda que sea la persona que dice ser y cree que en realidad es alguien indirectamente asociado con el caso Barlow.

Con la ayuda del primo de Bella, Vincent Ullswater —quien siempre ha estado en desacuerdo con Paul, porque se ha negado a dejarlo ver a Bella sin que ella lo sepa— Rough descubre lo que sucede detrás de las puertas cerradas del 12 de Pimlico Square, él es el asesino, quiere hacer pasar a su mujer por loca y además quedarse con la casa y con las joyas.

Corolario

Esto es a muuuuy grandes rasgos, el gaslighting o gaslighteo, si alguna vez te ha pasado o te pasa, pues ya sabes que hacer, corre por tu vida y cuéntaselo a quien más confianza le tengas.

María del Pilar Montes de Oca Sicilia ha tenido muchas relaciones de pareja: algunas buenas, otras malas, otras regulares, pero nunca se ha dejado gaslightear

Entérate más en nuestra edición 203:

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Llevar lo simple a lo extraordinario

Un espacio amplio, con techo alto y paredes blancas de aspecto rústico es el lienzo que usaron los creadores de Carmina para desarrollar un concepto que lleva a los visitantes a vivir una experiencia gastronómica rodeada de múltiples estímulos visuales seleccionados con mimo desde el mobiliario, la iluminación, la inclusión de elementos naturales y un precioso mural interactivo que se convierte en el recuerdo perfecto de tu visita.

Al primer contacto, la amabilidad del personal liderado por Miguel Ángel Casillas destaca por una delicada calidez que brinda la sensación de familiaridad. Los meseros son también guías culinarios que te ayuda a vivir una experiencia hecha a la medida.

En Carmina saben que cada mente y paladar es un mundo, por lo que consultan tus gustos, te ofrecen una explicación amable de cada salsa, bebida y platillo e incluso te advierten si un pan está caliente o si la salsa es muy picosa.

Algo más que comida

Carmina cuenta con un menú diverso, capaz de satisfacer incluso las exigencias de veganos o vegetarianos, con ensaladas frescas y platillos con ingredientes y combinaciones sorprendentes, como la ensalada de higos y la coliflor rostizada, por supuesto ¡a las brasas!

Además de transformar los vegetales en experiencias gustativas exquisitas, tienen múltiples platillos que sacian el apetito y el gusto de los amantes de la carne, que se ofrece en término medio, pero puedes pedirlo en otro, sí así lo prefieres.

Carmina te envuelve

Una sopa, una guarnición y un delicioso plato fuerte o un postre que da pena comer de tan bello que se presenta, son apenas el centro del universo de exquisiteces construido en Carmina, un espacio para los adeptos a las artes visuales que incluso cuenta con una exposición fotográfica a la venta.

La música, como parte de este ambiente, está seleccionada especialmente por Andrés, conocido como «Velcro», quien crea una burbuja de familiaridad y diversión. Cada día es una nueva selección musical adaptada a los visitantes, con un talento similar al de un oráculo de las melodías

Cada piso está destinado a crear un ambiente diferente, la planta baja es un jardín contemporáneo donde la mixología no sólo es parte de la carta sino de la decoración, el primer piso crea un ambiente quizá más formal pero no menos ameno en el que puedes disfrutar de una reunión familiar, romántica o de negocios y su terraza se presta a una celebración a la luz de las estrellas.

La clave es seguir innovando

A pesar de los estragos de la pandemia, Carmina ha sabido llevar las reglas sanitarias al pie de la letra, para que sus visitantes se sientan seguros y cómodos, incluso han planificado cada platillo para que comensales que prefieren resguardarse en casa puedan acceder a este delicioso menú directo en sus domicilios.

La memorable escena que hoy han construido no se detiene porque Carmina aún está en desarrollo y tanto el Chef Josué Rodríguez Maya como su equipo preparan una línea culinaria diversificada en tres secciones: rústico, romero y healthy con la que abarcan todos los gustos y antojos que puedas imaginar.

Déjate consentir por este grupo de profesionales que llevan la experiencia de la buena comida a un nuevo nivel. Visítalos en Av Nuevo León #89, Hipódromo Condesa, Cuauhtémoc.

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¿Qué son las Auroras Polares?

Seguramente, a lo largo de nuestra vida, hemos visto alguna fotografía en internet o en Instagram, de unas luces que aparecen danzando principalmente sobre paisajes nevados. Las Auroras Polares, son un fenómeno lumínico natural que aparece en los polos magnéticos de la tierra —Polo Norte y Polo Sur—, y de ahí la derivación de sus nombres más conocidos, Aurora Boreal —que aparece en el norte del planeta— y Aurora Austral —que aparece en el sur del planeta—.

¿Por qué se forman?

La formación de este bello fenómeno, es causado por la interacción del flujo de partículas que desprende el sol —viento solar— , que llegan al campo magnético de la tierra —Magnetósfera— y a la atmósfera terrestre. Las partículas que viajan en el viento solar, son Iones —carga positiva— y electrones —carga negativa—, que colisionan en la Magnetósfera, se distribuyen por una especie de rio magnético hasta llegar a los polos de la tierra. Una vez en estas zonas, los átomos de los elementos que componen nuestra atmósfera —Oxígeno, Nitrógeno, Helio, etc.— son excitados por las partículas solares a tal grado, que tienen que liberar energía, ¿Cómo lo hacen? irradiando la luz que vemos en el cielo.

Los colores que se observan en las Auroras, no son meros hechos circunstanciales. Es decir, gracias a cada color, podemos advertir qué átomos de cada elemento están colisionando y siendo excitados por las partículas solares. Normalmente, las luces polares danzan a 95 kilómetros arriba de nosotros, y es en esta zona, dónde se puede advertir el color más característico de las auroras: el verde, el cual es producido por los átomos de Oxígeno. El color rojo también es producido por las partículas del Oxígeno, pero a con una altitud mucho mayor, ya que este color se puede percibir a unos 200 kilómetros de altura. Las partículas de Nitrógeno molecular, son las causantes de las tonalidades azules y violetas, estas se encuentran a 120 kilómetros por encima de nosotros.

¿Dónde ver Auroras Polares?

Existen muchos sitios para ver estas luces, aquí te dejamos una lista:

Auroras Boreales: Las islas Lofoten en Noruega, Parque Nacional y reserva Denali en Alaska, Múrsmansk en Rusia, Rovaniemi en Finlandia, Escocia en Reino Unido, Nuuk en Groenlandia, Nunavut en Canadá, Kiruna en Suecia y por último, el Archipiélago de Svalbard en Noruega.

Auroras Australes: Tasmania en Australia, Nueva Zelanda, Ushuaia en Argentina y Punta Arenas en Chile.

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Desde su origen–que podemos ubicar, por el momento paralelo al del cinematógrafo–, las historietas se constituyeron como un importante medio de comunicación de masas y como un poderoso vehículo ideologizante. Roman Gubern define el concepto como una “historia ilustrada cuya acción se sucede en diversas viñetas, en donde el texto de lo que cada personaje dice se encuentra encerrado en un globo o bocadillo que sale de su boca. Pueden estar divididas en tiras o episodios que se publican en los sucesivos números de un periódico o revista, o presentarse como historietas completas en un solo cuaderno o comic book“. Por su parte, Umberto Eco nos da la siguiente definición: “la historieta es un producto cultural, […] y funciona según toa la mecánica de la persuasión oculta, presuponiendo en el receptor una postura de evasión que estimula de inmediato las veleidades paternalistas de los organizadores […] Así, las historietas, en su mayoría, reflejan la implícita pedagogía de un sistema […] como refuerzo de los mitos y valores vigentes”. Si bien Eco devela el factor determinante de la historieta oficial o tradicional como parte del proceso educativo de masas ver que ésta ha sido instrumento de reactivos sociales que satirizan y critican al sistema de manera directa o metafórica.

En general podríamos decir que quien produce este tipo de medios tiene en sus manos la responsabilidad que tendría un educador de presscolar.

Historieta es una palabra de origen castellano usada principalmente en Argentina, Cuba o España, aunque también se le dice de otras formas como “tebeo” en España; “monitos” o “cuentos” en México; “muñequitos” en Cuba; etcétera. En otros idiomas, la historieta recibe los nombres de bande desinée en francés, comic, en inglés fumetti en italiano, manga en japonés, quadrinhos en portugés de Brasil, patufet en catalán, etcétera. De todos modos, hacia los años 70 del pasado siglo, se empezó a imponer en ele mundo hispanoparlante el término de orige anglosajón “cómic” y, desde finales de los 80, “manga”, aunque este último se refiere únicamente a la historieta japonesa o de estilo japonés.

Algunos dicen que el nacimiento de la historieta data de 1896, cuando Richard Outcault crea par el diario Journal— aprovechando las nuevas tecnologías de impresión a color– The Yellow Kid, un personaje de rasgos orientales con una túnica amarilla sobre la que se leían frases de tono popular. El éxito de esta historieta fue tal, que se publicó durante casi 20 años periódicos. Sin embargo, hay otros que opinan que Katzenjammer Kids de Rudolph Driks, de 1897, fue realmente la primera historieta, porque él fue quien introdujo el uso de “bocadillos” o “globos” que contienen el diálogo, dándole más dinamismo al conjunto de la historia gráfica. A partir de esos años principalmente en Estados Unidos, la historieta ganó tantos adeptos que se constituyó como toda una industria.

La extensión de géneros y de personajes que podemos encontrar dentro del campo de las historietas es muy vasta. En sus primeros años, y específicamente durante la década de los 30, los relatos de ciencia ficción y aventuras capturaron la imaginación y la preferencia de los lectores, y dentro de estos relatos nacieron personajes fascinantes que se convirtieron en verdaderos emblemas de su época: los superhéroes.

En el estilo japonés o “manga” los personajes son sumamente estilizados, andróginos por lo general, de facciones finas y ojos muy grandes

Entre ellos podemos mencionar– por sólo citar algunos– a Buck Rogers (1929) de Phillip Nowlan y Dick Calkins; La sombre (1929) de George C. Jenks; Trzán (1929) de Harold Foster y Burne Hogarth– basado en el personaje literario de Edgar Rice Burroughs–; Dick Tracy (931) de Chester Gould; Flash Gordon (934) de A. Raymond y Dan Barry; Mandrake el mago (1938) de fran Striker y Charles Flanders y, por supuesto, Supermán (1938) de Joe Shuster y Jerry Siegel; Batman (1939) de Bob Kane y Bill Finger; el Hombre araña (1964) de Stan Lee y Steve Dicko; y los ahora famosos Hom bres X (1965) de Stan Lee Jack Kirby.

La evolución de los cómics ha sido paulatina. Algunas veces se han frenado publicaciones por causas sociales o económicas, como en la Segunda Guerra Mundial, que trajo consigo el cierre de muchos periódicos y, en algunos casos, el encarcelamiento de algunos artistas. Hergé, dibujante belga creador de Tin Tin –un reportero adolescente que hacía expediciones por todo el mundo, apreciado principalmente en Francia y España– se vio en serios aprietos cuando los Aliados liberaron su nación y descubrieron que había trabajado en uno de los periódicos manejado por los alemanes, a pesar de que sus contribuciones no eran políticas ni apoyaban al régimen nazi. Durante esta época, la historieta tuvo muchas funciones. En Gran Bretaña fue un medio masivo para levantar la moral satirizando a los alemanes y, principalmente, a Hitler; mientras que en Estados Unidos nacieron, bajo pretexto, personajes patrióticos propagandísticos como el Capitán América.

En 1954 se publica en E.E.U.U. La seducción del inocente de Fredick Werthham, libro que intenta demostrar que los comic books son perniciosos para la juventud a través de argumentaciones tendenciosas y absurdas. Los editores, al ver el revuelo que esto causa y después de un juicio del Congreso, fundan el Comic Code Auhority, órgano de autocensura que dará el visto bueno a las publicaciones que salgan a las calles.

Hoy en día las cosas son distintas las nuevas editoriales han roto con estos lazos de control, ayudando a las más grandes a redefinir sus publicaciones. La historieta no sólo nace a la par de la cinematografía, sino que comparte con ella un lenguaje narrativo único en el cual la pintura, la literatura y el teatro prestan elementos para contar historias de manera dramática; esto se suma al hecho de que la vida de un personaje y sus vicisitudes pueden extenderse durante años. Por ser un producto popular, hay un constante reflejo de la sociedad del momento, creando una empatía total con quien la lee; el ejemplo más claro de esto es el del Hombre araña. cuando este personaje nació en 1965, ya existían otros adolescentes con poderes, pero siempre se trataba de personajes respetados y aceptados por la sociedad tanto en su faceta de supehéroes como en la de personas comunes. Esto no pasa con un débil Peter Parker, que, en cambio, era un chico que sufría los vituperios de una sociedad enfocada al más fuerte y audaz, que al descubrir sus poderes y vivir una tragedia–la muerte de su tío a manos de un ladrón que Peter no capturó por indolencia–, cambia radicalmente su situación: toma un camino heroico y ve la oportunidad de sobresalir. Muchos lectores han visto reflejadas sus vidas en esta historieta y por eso, hoy por hoy, sigue vigente.

El proceso de creación de una historieta lleva tiempo; es un producto artesanal que requiere de muchísimos elementos para formular una propuesta que no sólo se base en la acción del momento. Es necesario delinear el perfil psicológico de los personajes para determinar su actuación en tal o cual situación; hay algunos tan complejos que explicarlos llevaría a estudios psicológicos profundos, como puede ser el caso de Batman. Lleva tantos años en la industria y ha sido redefinido por tantos escritores que ya no es lo que en un principio creó Bob Kane. Grandes autores del cómic han creado obras complejas de narración atrayendo a públicos más maduros. Éste es el caso de la antitesis del cómic estadounidense, Humanoides Internacional, de un grupo de creativos europeos –entre ellos Moebius–, quienes formulan una corriente de ciencia ficción para adultos que trata temas con mayor razonamiento, no sólo para entretener. Escritores como Jodorowsky han creado muchos títulos para este medio de expresión, sin limitarse en el estilo o los temas.

Otra parte fundamental de la historieta es el dibujo. Actualmente no existen reglas específicas para la creación de una historieta, que en un principio contenía la acción de los personajes dentro de cuadros que se sucedían en una retícula más o menos ordenada, pero que con el paso del tiempo ha permitido a los elementos del dibujo exceder los límites. La narración gráfica, por lo tanto, es fundamental para expresión de la historia, aun en los ejmplos menos honrosos, como es el caso de El libro vaquero y sus similares: las poses de los personajes, sus actitudes faciales, los encuadres y las tomas deben mantener cogerencia con el cuadro que lo sigue, si lo que se quiere es narrar con verosimilitud.

Lo único que diferencia a un buen dibujante de uno malo es la claridad con la que realiza su trazo, porque por más complejo o expresivo que pretenda ser, se dirige a un público variado y masivo y debe ,antener lementos reconocibles, de la misma manera que cualquier sistema de signos.

Dentro de los signos utilizados en el lenguaje de la historieta debemos mencionar las onomatopeyas, que son la traducción escrita de sonidos que agregan dramatismo a los momentos de acción, sobre todo durante batallas o momentos de terror: “BOOM”, “POW”, “CRASH!”, “BANG!”…

Enumerar a los innovadores de la historiera sería ocioso, ya que generalmente, lo único que se reconoce es la obra y el personaje, que rebasan al creador como figura pública. Aun en Europa, donde los personajes son dibujados casi exclusivamente por sus creadores, estos últimos no forman parte de la memoria de la mayoría. Podemos tomar como ejemplo a los conocidos Pitufos; sí esos pequeños seres azules constantemente perseguidos por Gargamel, del dibujante Peyo; de igual forma, René Goscinny y Albert Uderzo, aunque prolíficos con su trabajo, es Asterix el galo el que realmente se reconoce. No podemos olvidar a otros tantos creadores importantes como Quino, dibujante argentino creadores crítica Mafalda; y Schultz, que con su obra Peanuts llevó a la fama a un perro llamado Snoopy y a su desabrido amo Charlie Brown. y así podríamos continuar, pero eso es tema de otro artículo.

En México podemos afirmar que la cultura gráfica de nuestra nación ha permitido el desarrollo de la historieta, aunque por desgracia, ha degenerado en publicaciones de poco contenido cultural que les ha valido la categoría de “basura literaria”. No obstante, hay ejemplos rescatables. La familia Burrón de Gabriel Vargas ha transmitido una cultura y valores propios del mexicano por muchos años; el conocido Rius y sus libros, que son verdaderos ensayos sobre la problemática, los sucesos y la historia de nuestra nación, y creador de personajes como Calzontzin, un indígena crítico del sistema; o Germán Butzé, creador de Los supersabios, una historieta que por su sencillez y valores fue léida durante muchos años. Y así podemos nombrar a otros creadores, sin dejar de mencionar a Edgar Clément, quien con el apoyo de CONACULTURA, desarrolló su premiada obra Operación Bolívar, una historia fantástica en un México todavía más surrealista de lo que es.

A sazón de todo esto podemos afirmar, sin velo de duda, que la historieta o cómic merece una segunda oportunidad que nos permita apreciarla debidamente, como un medio expresivo, educativo y propagandístico con una lectura dinámica, que si bien es preferido por grupos menos letrados, también narra historias o explica situaciones que en otros medios sería difícil dramatizar de la misma manera. Así, la próxima vez que nos hallemos frente a una estas publicaciones, acerquémonos a ella; no sólo puede robarnos una sonrisa, sino puede hacernos reflexionar acerca de nuestra realidad.

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