Algarabía http://algarabia.com Algarabía, léeme y sabrás Wed, 27 May 2015 00:37:34 +0000 es-ES hourly 1 http://wordpress.org/?v=4.0 Las grandes estafas http://algarabia.com/radio-2/las-grandes-estafas/ http://algarabia.com/radio-2/las-grandes-estafas/#comments Wed, 27 May 2015 00:37:34 +0000 http://algarabia.com/?p=38547 Malvados, audaces, inteligentes y hasta encantadores, así son los estafadores, ladrones e impostores más grandes de la historia.

Robos millonarios, fugas en un par de segundos y fraudes de la ciencia son sólo algunas de las historias que te contaremos en Algarabía Radio.

Con Fernando Montes de Oca, Mónica Alfaro, Rodrigo Toledo y Vanessa Mena.


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Las canciones que escucharemos durante el programa son:
– «Bonnie and Clyde», de Serge Gainsbourg and Brigitte Bardot
– «Crimen», de Gustavo Cerati
– «Dos horas de balazos», de Tin Tan
– «Gangsta’s Paradise», de Coolio

Si quieres conocer más sobre este tema, te recomendamos los artículos:
Consejos básicos para ser un estafador
Fraudes en nombre de la ciencia
Frank Abagnale

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Miles Davis y su inolvidable «cool jazz» http://algarabia.com/quien-fue/miles-davis-y-su-inolvidable-cool-jazz/ http://algarabia.com/quien-fue/miles-davis-y-su-inolvidable-cool-jazz/#comments Wed, 27 May 2015 00:11:19 +0000 http://algarabia.com/?p=38542 cool jazz. ]]> Le daba la espalda al público para escuchar mejor a sus músicos y, cuando le daba la gana, bajaba del escenario sin despedirse, incluso mientras la banda seguía tocando. Compositor, arreglista, productor y trompetista: uno de los más grandes en la historia de la música. Su genio, su estilo y su cool jazz lo convirtieron en una figura imposible de olvidar.

Miles Dewey Davis iii fue el prodigioso hijo de un dentista y una profesora de música que jamás imaginaron ver a su crío convertirse en una de las más grandes estrellas del siglo xx. Nombres como Charlie Parker y Dizzi Gillespie rondaban ya su formación desde muy corta edad; sonó a swing, a bepop, a hardbop, a soul, a blues… y nadie ha podido jamás sonar como él.

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Es probable que de su música no pueda decirse más de lo que se ha dicho ya: es su persona la que sigue dando vueltas en las cabezas de todos los que han sido tocados por él. Son su genio, su afición por la comida francesa, la cocina,1 Juran quienes han probado la receta de su Miles’s South Side Chicago Chili Mack que es el mejor chili que ha conocido el ser humano. su rara personalidad y su innegable vigencia sobre lo que hoy vale la pena escribir.

El 13 de marzo de 2006, Miles Davis entró al Salón de la Fama del Rock & Roll.

El músico más cool

«He cambiado el rumbo de la historia de la música unas 5 o 6 veces… ¿usted qué ha hecho, además de cogerse al Presidente?», cuentan que eso fue lo que le respondió a Nancy Reagan, cuando la primera dama osó preguntarle a Davis cuál era el mérito para haber conseguido ser invitado a una gala en la Casa Blanca.

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Las fuentes más fiables indican que esta famosísima anécdota es falsa –…era irreverente, no idiota—. Pero sería muy fácil imaginar que aquellas palabras cruzaran la cabeza de Miles, porque no tenía filtro, ni en lo personal ni en lo artístico: se dejó ir entre géneros y subgéneros, sobrevivió a las constantes transformaciones del jazz —que no han sido pocas— y terminó por establecerse en su propia creación: el cool jazz.

El cool jazz se desarrolló durante la década de 1950, como una mezcla entre el jazz y la música clásica; una de sus principales características es que incluye dos o tres líneas melódicas que ocurren al mismo tiempo y que, a diferencia del bepop, le restó importancia a los solos improvisados y los puso a la par de los solos de base.

Kind of Blue

Nadie puede morir sin escuchar Kind of Blue, obra maestra de Davis, en la que colaboraron el gran John Coltrane, Cannonball Adderley —saxofones— y Bill Evans —piano—, y con la que abrió nuevas posibilidades al blues e inspiró a generaciones posteriores: desde Quincy Jones hasta Pink Floyd.

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El lp, editado en 1959 por la Columbia Records, es distinto a cualquiera de su tiempo: es resultado de dos sesiones de improvisación; la duración de cada tema —entre 6 y 12 minutos— y los solos majestuosos retan a cualquier noción de lo «comercialmente correcto».2 Sólo en la teoría: la realidad es que es uno de los discos más vendidos de toda la historia. En 2003 se colocó en el número 12 de la lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos, de Rolling Stone.

Blue in Green

Miles Davis murió de neumonía en el Saint John Hospital and Health Center de Santa Mónica, California, el 28 de septiembre de 1991.

Nadie puede entender la historia de la música sin las líneas que él escribió. Él fue, ha sido y será siempre el más cool de todos los músicos de la historia de la humanidad: Feliz cumpleaños, Miles.

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La mejor calle de Londres: Piccadilly http://algarabia.com/ideas/la-mejor-calle-de-londres-piccadilly/ http://algarabia.com/ideas/la-mejor-calle-de-londres-piccadilly/#comments Tue, 26 May 2015 23:27:49 +0000 http://algarabia.com/?post_type=ideas&p=38535 ¿Hay algún hombre vivo que no haya oído hablar de Piccadilly? Probablemente muchos, incluso en el mismo Londres, pues el abismo de la ignorancia humana es insondable a pesar del auge de los internados. Pero todos los que importan conocen su Piccadilly para mejor o para peor, y sólo el deseo de mantener una mínima simetría me impulsa a empezar con unas palabras de desnuda descripción geográfica.

Piccadilly es una calle del West End de Londres, que va de este a oeste con una considerable curva en el centro. En tiempos prehistóricos debió ser (imagino) una agradable colina verde a cuyos pies había un lago rodeado de prados. «Limita», como dicen los libros de texto hoy en día, al norte con Mayfair, al sur con St. James y Green Park, al este con Piccadilly Circus y, al oeste, con Hyde Park Corner.

Piccadilly Circus es la plaza más importante del West End de Londres. Fue diseñada en 1819 y se encuentra junto al Barrio de los Teatros, el Soho y el Barrio Chino.

Es una típica calle de Londres, de la mejor clase, aunque del estilo antiguo. En lugar de la regularidad que uno observa en un bulevar de París, Piccadilly presenta una confusión admirada, un desorden pintoresco. Las casas son de todos los tamaños y de todo tipo de arquitectura. Burlington House podría ser un palacio; Apsley House, la mansión Rothschild y edificios similares son residencias dignas de la alta nobleza.

Hay lujosísimos clubes privados de los cuales puede servir de ejemplo el Junior Atheneum. ¿Y en el otro extremo? Hay varios casos —los números 174 y 175, sin ir más lejos— de esas estrechas y extrañas casas de dos pisos que tanto abudan en nuestras ciudades de provincias. «La casa de un inglés en su castillo». ¡Qué extraña influencia ha ejercido esa máxima casi legal sobre la arquitectura inglesa!

Un castillo debe estar contenido en sí mismo, de modo que nuestros pobres prefieren vivir en casas minúsculas, pero que son suyas, a ocupar unos aposentos en alguna espaciosa mansión, como sus equivalentes hacen en Francia e incluso en Escocia.

En el Londres moderno ese sentimiento está desapareciendo, gracias a lo cual es posible contemplar junto a la pintoresca casita de ladrillo de hace uno o dos siglos, una nueva estructura que busca los cielos con un atrevimiento que rivaliza con las torres de la ciudad antigua de Edinburgo y que rivaliza con cualquier otra en el número y variedad de sus inquilinos. De las tiendas hablaré en un momento. Hay una iglesia, San Jaime, con una fachada muy extraña. Es una de las que hizo Wren y lo cierto es que es más bella por dentro que por fuera. Los lugares de entretenimiento —desde los preciosos hotales a los plebeyos pero no menos pubs— los menciono sólo de pasada.

Al parecer, el nombre «Piccadilly» proviene de las sastrerías presentes en esa zona, en las cuales se vendían piccadills —también llamados picadils o pickadils—, que son cuellos de encaje muy usados en el siglo xvii.

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¿Y la arquitectura? Se ha exigido tributo a todos los estilos. Tebsa y Atenas están por igual representadas. Los arquitectos están en duda con los godos y los griegos. No han rehusado recurrir al Renacimiento ni al estilo Reina Ana, pero la tendencia es siempre hacia mayor tamaño y magnificencia. El siglo encontró a Piccadilly hecho de ladrillos y lo deja hecho de mármol.

La diversidad se manifiesta de otra forma: los edficios ostentan una excelente individualidad inglesa. Se encuentran con la calle en diversos ángulos, se niegan a formar una hilera ordenada con los demás edificios. Algunos, como la Devonshire House, presentan —o al menos presentaban el otro día— poco más que el muro de su patio interior. Otros se protegen con vallas de hierro. Otros están directamente junto a la acera y los que están sentados en una de sus ventanas podrían, si sintieran esta inclinación, darles golpecitos en la cabeza a los paseantes. A mí todo eso me parece fabuloso.

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Los arquitectos de las grandes avenidas de otras capitales o bien carecían tristemente de inventiva o bien olvidaron el derpimente efecto de la monotonía. La primera impresión es magnífica, pero pronto se desvanece y no queda nada que pueda alentar o renovar el encanto. Sin embargo tampoco se debe valorar demasiado alto el placer de la diversidad. Piccadilly Circus, por ejemplo, a pesar de su reciente remodelación, con la pobre estatua obra de Gilbert abandonada en su seno, no es más que un barullo incongruente de edificios y Hyde Park Corner adolece del mismo problema. La razón está clara: la regularidad y la simetría lucen mucho más en una plaza o square que en una calle.

Algunos miembros de la Familia Rothschild de Ingleterra poseían mansiones en el extremo occidente de Piccadilly, zona coloquialmente llamada Rotshchild Row.

Cada calle principal de Londres tiene sus características propias. El aire comercial de Cheapside impresiona al paseante. Hasta el extranjero menos inteligente sabría establecer una conexión entre Fleet Street y el periodismo; Oxford Street respira con la abundancia de la rica clase media y Piccadilly, en muchos signos materiales, en el aspecto de aquellos que caminan por sus aceras día tras día o circulan prósperamente en sus carruajes, ejemplifica a cada momento riqueza más allá de los sueños de la avaricia, el nacimiento, la distinción y la alta cuna. ¡Con qué claridad lo muestran las gigantescas mansiones, gigantescas a pesar de que el suelo en el que están edificadas es tan caro que parece que estuviera pavimentado con oro!

No hace falta cruzar sus umbrales para saber que cada casa es un museo de cosas bella y caras, muebles, vajillas, cuadros y todo lo mejor que la civilización más avanzada puede aportar para satisfacer todo deseo material y casi todo anhelo espiritual. También las tiendas están orientadas a clientes adinerados. Existen para satisfacer no las necesidades menos refinadas sino los gustos más exquisitos. Frutas exóticas, grabados y cuadros, joyas, perfumes y demás son los productos estrella. Los carniceros y los panaderos, se imagina uno, se retiran modestamente a los callejones adyacentes.

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Pero en la calle propiamente dicha se nota una distinción, o división. Tomando St. James Street como frontera, es obvio que en la parte que queda al este hay mucha más gente y bullicio. Por la tarde en el este de esta calle se reúne una variopinta y feliz multitud. Se oyen más lenguas de las que se hablaron en la Torre de Babel y se ve a todo tipo y clase de hombres afanarse por la acera no por causa de su trabajo, sino en busca del placer.

En cuanto al segmento occidental, la más exquisita —desde un punto de vista social— clase alta de Londres habita allí o cerca de allí. El hombre con el que uno se cruza en la calle podría ser un noble, o un barón o un millonario. Aborda al peatón que pasa por allí y consigue hablar con él cogiéndole por la manga, pues puede ser perfectamente un famoso. Puede que resulte ser un tártaro, y el experimento, aunque no desprovisto de fascinación, no puede recomendarse. Pero es la experiencia genera, mucho más que la individual, la que le servirá de ayuda. Vea usted su Picadilly.

Si quieres conocer más sobre la famosa calle Piccadilly, consulta el texto completo en el libro Guía literaria de Londres, de la editorial Ático de libros. Más información en www.aticodelibros.com

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La dolce vita de Gioacchino Rossini http://algarabia.com/desde-la-redaccion/la-dolce-vita-de-gioacchino-rossini/ http://algarabia.com/desde-la-redaccion/la-dolce-vita-de-gioacchino-rossini/#comments Tue, 26 May 2015 17:10:34 +0000 http://algarabia.com/?p=17060 Chicos y chicas, sigo de viaje por París. Ay, es que es la ciudad luz, la ciudad del amor y, por ende, la ciudad del chisme.

En un evento gastronómico al que asistí recientemente estuve conversando acerca del famosísimo compositor Gioacchino Rossini, que anda muy desaparecido del ambiente musical desde hace varios añitos.

París, Francia, 1837

Y pues sí, me enteré de que este músico, italiano de nacimiento, fue un niño prodigio: desde los seis años ya tocaba en la banda municipal de Pésaro, su ciudad natal, y a los 18 ya había estrenado su primera ópera, pero qué muchacho más talentoso, digo yo.

Dicen que el regordete Rossini exudaba música por todos los poros, que podía componer una pieza de éxito en tan sólo unos minutos y acerca de cualquier tema. Tan es así que sus óperas Guillermo Tell y El barbero de Sevilla —entre muchas otras— son conocidísimas por todas las sociedades europeas.

Pero también cuentan que al compositor le fascina la buena vida y la gentil convivencia, sobre todo, el buen comer. Es un bromista irredento, un tanto perezoso y bonachón, así que cuando le encargaban alguna ópera o sinfonía, él se esperaba hasta el último momento para hacerla y prácticamente minutos antes del estreno entregaba el encarguito.

Desde 1925, Gioacchino se estableció en París y repentinamente, en 1929, anunció su retiro a los 37 años. Ya han pasado ocho añitos desde entonces y no parece que el buen Rossini vuelva a componer nunca más. ¿Qué por qué se jubiló cuando estaba en la cumbre del éxito? Pues nadie lo sabe a ciencia cierta. Unos dicen que porque estaba cansado, otros, que porque tiene varias enfermedades, algunas raras y otras innombrables.

Y hay quien comenta que simplemente quería dedicarse a vivir plácidamente y sin tensiones: el hombre ha ganado tanto dinero de sus composiciones que tiene para ser rico hasta que se muera, así que no necesita trabajar; aunque le gusta la música, estaba un poco hastiado de trajinar en giras y otros compromisos, por lo cual prefirió dedicarse a su hobby favorito: la gastronomía.

Y es que a este ex compositor lo que más le gusta en el mundo es la comida, hasta dicen que en su vida ha llorado sólo dos veces: una cuando murió su padre y otra cuando se le cayó un delicioso pavo por la borda de un barco. Es muy amigo de Carême, uno de los chefs más famosos y prestigiados de Europa, con quien se anda compartiendo las recetas. Y por si fuera poco, Rossini, que dice que su barriga es como la joroba de un camello, ha creado sus propios platillos, como los Canelones a la Rossini y los Tournedós Rossini, unos filetes que están para chuparse los dedos.

Pequeñuelos, me despido porque ya se me hizo agua la boca, voy a seleccionar de entre las múltiples invitaciones que tengo para cenar, no sin antes compartirles que Rossini acaba de divorciarse de la cantante Isabella Colbran y ya puede vivir a gusto con su nueva mujer, Olympe Pélissier, con quien comparte el amor a la buena cocina… ¡qué romántico!

Au revoir!

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John Wesley Hardin http://algarabia.com/quien-fue/john-wesley-hardin/ http://algarabia.com/quien-fue/john-wesley-hardin/#comments Tue, 26 May 2015 15:12:32 +0000 http://algarabia.com/?p=24996 I
Después de la guerra civil estadounidense, en el sur dominaba la ley sangrienta de la supervivencia: el resultado azaroso del juego era equivalente al del presente en cada lugar. Nada era cierto y la vida bullía en las intolerantes tabernas, y las pendencieras jornadas las habitaban indios, putas, gambusinos, rancheros y vaqueros. También, en aquellos oceánicos desiertos sureños, el sol sombreaba las figuras ermitañas e indiferentes de hombres que no eran gobernados por la ley. Estas tierras furiosas parieron a John Wesley Hardin, en 1853, y al cual los biógrafos le atribuyen 44 muertes; la primera —a sus 15 años— le quitó la vida a «Mage» Holzshauzen, un esclavo con el que sostuvo un pleito.

II
Bob Dylan lo llama, como si fuera otro folclórico Robin de Loxley, «amigo de los pobres» en su canción «John Wesley Hardin». Los testimonios de su vida relatan hechos contradictorios, como sucede con su coetáneo Jesse James. Mientras unos lo llaman impío y despiadado, otros lo retratan como un hombre amistado con caballos, mendigos y que sacudía las cabelleras de los niños. Se casó con su único amor, Jane Bowen, una bella y agraciada mujer que le dio cuatro hijos.

III
Se dice que nunca tuvo un rival a su altura en el manejo y rapidez de la Colt y que admiraba el valor y el arrojo. En 1871 llenó de plomo a cinco cuatreros enfilados frente a él, en un duelo asimétrico, que, sin embargo, abatió al quinteto en el intercambio y, por esto, ofrecieron una fortuna de 4 mil dólares por su cabeza. Vivo o muerto. Una fortuna. Su mala fama lo llevó a aguardar en el cobijo del bosque y en la mudez del desierto, como un coyote que abrió la yugular de un niño y que ahora está condenado al acecho de los hombres. El asesinato de un sheriff provocó el linchamiento de su hermano y otros familiares, y el forajido fue finalmente atrapado por más de 20 oficiales. Fue condenado a 25 años de prisión, y salió por libertad condicional después de 17. Entre los relatos de su vida en prisión dice que mucha gente acudía para verlo, «desde la más vetusta dama hasta la señorita que estaba en la adolescencia».

IV
Como la emergencia de lo sagrado y de lo profano, el recluso Wesley abandonó las leyes de la naturaleza y aprendió las del hombre en el perímetro de la celda hasta convertirse en abogado. Nunca olvidó a Jane. Escribió: «Do you think that it would be impossible for me to forget you. (…) One who you well know I love and adore above all others…?»1 Jesse Wolf Hardin, John Wesley Hardin &The Shootist Archetype, 2006.. Afuera, la humanidad ya rodaba con neumáticos y se iluminaban las calles con luz eléctrica; Dvorak entonaba la Sinfonía del nuevo mundo, Víctor Hugo redactaba La leyenda de los siglos y el tiempo se congelaba en los negativos Kodak.

V
Cuando Wesley Hardin salió libre bajo palabra llevaba más de un año viudo y comenzó a redactar su propia biografía: «Yo tenía la conciencia feliz, de saber que he hecho todo lo que el coraje y la fuerza pueden hacer». Los biógrafos dicen que el abogado y escritor buscaba cambiar de vida; mas la rama estaba torcida desde la raíz, el veneno inundaba las venas, y como si estos azotes tuvieran que ser traicionados para quitarles la vida, el sheriff John Selman disparó por la espalda a Wesley Hardin cuando tiraba los dados en el saloon Las Cumbres, mientras las hirvientes arenas de la calzada de El Paso, en Texas, retozaban con el viento hasta volverse tornados. Después todo se calmó, como si la existencia fuera una enfermedad y la muerte de John Wesley Hardin sosegara su fiebre, un momento.

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¿Qué significa la escala de Richter? http://algarabia.com/ciencia/que-significa-la-escala-de-richter/ http://algarabia.com/ciencia/que-significa-la-escala-de-richter/#comments Mon, 25 May 2015 18:21:45 +0000 http://algarabia.com/?post_type=ciencia&p=38525 La cantidad de energía liberada por un temblor puede alcanzar cifras impresionantes. Un gran terremoto, por ejemplo, se cree que llega a liberar el equivalente a la energía de mil explosiones nucleares, cada una, a su vez, con la fuerza de un millón de toneladas de tnt.

Este equivalente de energía en un sismo es difícil de calcular precisamente por los muchos factores —en su mayor parte desconocidos— que se necesita tomar en cuenta, pero el científico estadounidense Charles Francis Richter (1900-1985) desarrolló una escala de magnitud que se basa en la fuerza de las ondas sísmicas.

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Charles Francis Richter

Esta escala exponencial está arreglada de tal manera que un incremento de una unidad en la escala corresponde a un incremento diez veces mayor en la fuerza de las ondas sísmicas. Por ejemplo, un terremoto de escala 8 es diez veces más fuerte que uno de 7 y un millón de veces mayor que uno de 2.

La escala, que se registra en instrumentos llamados sismógrafos, también toma en cuenta el debilitamiento de las ondas cuando éstas se alejan del lugar donde surgieron —i. e. epicentro—; por lo que los científicos pueden obtener los mismos números al medir los movimientos telúricos, sin importar dónde estén.

El vulcanólogo italiano Giuseppe Mercalli (1850-1914), por su parte, desarrolló la escala que lleva su nombre y que basa sus resultados en la destrucción que provocan en las construcciones las ondas sísmicas.

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Giuseppe Mercalli

Esta tabla muestra los daños, la escala y la frecuencia de los sismos según los clasificaron Richter y Mercalli.

Efectos generales de los terremotos en el área circundante —Mercalli— Magnitud en grados Richter Sismos de tal magnitud ocurridos cada año
Daño total 8.0 + 0.1 – 0.2
Daños grandes 7.4 – 7.9 4
Daños serios 7.0 – 7.3 15
Daños considerables 6.2 – 6.9 100
Daños ligeros 5.5 – 6.1 500
Sentido por todos 4.9 – 5.4 1400
Sentido por muchos 4.3 – 4.8 4,800
Sentido por algunos 3.5 – 4.2 30,000
No sentido, pero registrado 2.0 – 3.4 800,000

Afortunadamente, la mayoría de los sismos son de escalas menores. Los grandes terremotos, de escala 8 o mayores, ocurren sólo una vez cada cinco o diez años. Daños a los edificios se presentan a partir de los 5.5º y son totales desde los 8º.

El terremoto del 19 de septiembre de 1985 en la Ciudad de México registró 8.1º en su epicentro y causó daños por miles de millones de pesos, además de cobrar miles de vidas. Cientos de estos sacudimientos ocurren en todo el planeta cada año, aunque afortunadamente, casi siempre en regiones desiertas o poco habitadas.

La escala Richter ya no se usa
Después de los 7.5 grados, la escala Richter pierde su efectividad, y es poco fidedigna para mediciones de más de 6 mil kilómetros de distancia —dos terremotos que en la escala Richter tienen la misma graduación pueden provocar daños en magnitudes considerablemente diferentes—, por lo que dejó de usarse en los años 70.
Ahora los terremotos se miden con la escala de Magnitud de momento —Mw—, creada en 1979 por sismólogos del mismo instituto en el que trabajaba Richter. Se trata de un cálculo logarítmico que expresa la energía liberada de un sismo al multiplicar la distancia del deslizamiento entre las dos partes de la falla tectónica por el área total afectada.
A pesar de los avances tecnológicos, hoy es imposible predecir un movimiento telúrico. Tan sólo en México, hay un promedio de 10 a 12 sismos por día.

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La lengua fresca http://algarabia.com/algarabia-tv/la-lengua-fresca/ http://algarabia.com/algarabia-tv/la-lengua-fresca/#comments Mon, 25 May 2015 17:36:53 +0000 http://algarabia.com/?p=38523

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¿Golpear a la esposa? no después de las diez http://algarabia.com/datos-inutiles-2/golpear-a-la-esposa-no-despues-de-las-diez/ http://algarabia.com/datos-inutiles-2/golpear-a-la-esposa-no-despues-de-las-diez/#comments Sat, 23 May 2015 15:00:15 +0000 http://algarabia.com/?p=38520 s21-Datos-Inutiles-Post-WEB

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Ponte a prueba #123: Los Simpson http://algarabia.com/quiz/ponte-a-prueba-123-los-simpson/ http://algarabia.com/quiz/ponte-a-prueba-123-los-simpson/#comments Fri, 22 May 2015 19:10:11 +0000 http://algarabia.com/?p=38506 Para quienes somos seguidores de esta serie animada, siempre nos resulta fácil —y didáctico— relacionar los sucesos de nuestra vida cotidiana con algún capítulo de Los Simpson.

Es común que en alguna ocasión nos hayamos topado con alguien parecido al Sr. Burns, malvado y codicioso; o con algún fanático religioso como Flanders. Quién no ha imitado alguna travesura del inquieto Bart, o quien no ha sido ilustrado por las enseñanzas de ese buen hombre que sin televisión y sin cerveza, perdería la cabeza.

Hasta el momento, esta serie animada lleva más de 500 episodios transmitidos desde su estreno en diciembre de 1989. En Algarabía 85 presentamos un dossier con datos exclusivos e interesantes sobre el origen de esta extraordinaria familia; ahora pondremos a prueba tus conocimientos en torno a la fiebre amarilla que ha contagiado a nuestro imaginario colectivo. ¡Larga vida a Los Simpson!

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Pan coupé http://algarabia.com/palabrotas/pan-coupe/ http://algarabia.com/palabrotas/pan-coupe/#comments Fri, 22 May 2015 18:46:19 +0000 http://algarabia.com/?p=38515 Hace varios años, cuando visité la exposición «Instrumentos de tortura y pena capital», en el antiguo Palacio de la Inquisición —luego sede de la Escuela Nacional de Medicina y ahora Museo de la Medicina Mexicana—, escuché al salir a un par de personas opinar sobre la fachada del edificio: «¡Qué maravilloso pan coupé!».

Al buscar el significado de la palabra, me llevé la sorpresa de que se trata de un galicismo que no registran los diccionarios —ni siquiera el de mexicanismos—, pues se compone de dos palabras en francés: pan y coupé, que significa «corte de cara» y cuya traducción idónea sería «chaflán».

Cuando el arquitecto Pedro de Arrieta trazó el Palacio de la Inquisición en 1736, el chaflán era un recurso arquitectónico muy frecuente, sobre todo, para hacer más notable la majestuosidad de ciertas construcciones oficiales.

El chaflán —del francés chanfrein— es un plano largo y estrecho que, en lugar de esquina, une dos paramentos o superficies planas que forman un ángulo. Si se toma una hoja de papel y se le dobla una esquina, el triangulito que resulta forma un pan coupé.

Entre los años 20 y hasta los 60 se retomó el pan coupé —o pancupé, en español, aunque los arquitectos también sugieren llamarle chaflán— en las casas de las colonias Del Valle, Narvarte, Nápoles, Polanco, Roma y Condesa de la ciudad de México.

Estas construcciones tienen un alto costo habitacional por su ubicación céntrica y por la amplitud de sus departamentos; sin embargo, son inmuebles que aún no están catalogados ni considerados como patrimonio cultural, a pesar de que muchos se han vuelto emblemáticos.

Aunque la palabra se encuentra prácticamente en desuso, aún se usa en la redacción de muchas leyes catastrales de ayuntamientos o municipios del país, como en el artículo 25 del Reglamento de la Ley de Catastro del gobierno del Estado de Morelos: «… asimismo, son regulares los predios en pancoupé situados en esquina o de forma triangular con dos o tres frentes a la calle».

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El «crac» del 29 y la beneficencia de Al Capone http://algarabia.com/desde-la-redaccion/el-crac-del-29-y-la-beneficencia-de-al-capone/ http://algarabia.com/desde-la-redaccion/el-crac-del-29-y-la-beneficencia-de-al-capone/#comments Fri, 22 May 2015 18:30:45 +0000 http://algarabia.com/?p=38509 Luego de que terminara la Primera Guerra Mundial, una crisis económica afectó a todos los países en el orbe durante los años veinte.

Se originó en ee.uu., en un día que se conoció como «jueves negro», y esta Gran Depresión —que duraría diez años— parecía quebrantar la existencia del sistema capitalista de ese tiempo.

Antes de la crisis, la prosperidad monetaria y el crecimiento industrial favorecieron a ee.uu., convirtiéndolo en el principal proveedor de materias primas, productos alimenticios e industriales; la fortuna benefició a la mayor parte de su población y rápidamente pasó a ser el principal acreedor del mundo, donde su influencia con Europa era fundamental.

Sin embargo, debido a que los demás países se encontraban desfavorecidos en la administración de sus riquezas, y la Bolsa de Nueva York era el centro donde llegaban los capitales de todos los puntos del planeta, se presentó un desequilibrio, pues no fue posible generar una demanda suficiente que pudiera sustentar la imparable expansión comercial.

El progreso se transformó en pánico, los títulos que se cotizaban en la Bolsa no encontraron compradores y eso ocasionó la ruina de miles de inversores. Como el consumo disminuyó, los bienes acumulados aumentaron, las inversiones se paralizaron, y muchas empresas cerraron sus puertas arrojando a miles de sus empleados, profesionales y capitalistas a la miseria.

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Antes de que este nefasto episodio en la economía ocurriera, algunas personas lograron hacer grandes fortunas en ee.uu., como Alphonse Capone —mejor conocido como Al Capone—, quien ganó más de sesenta millones de dólares mientras fue contrabandista de licor e incursionaba en otros negocios ilegales, dentro del «Chicago Outfit», la banda criminal que más tarde heredaría del gánster Johnny Torrio.

«Este sistema nuestro, el americano, llamémosle americanismo, capitalismo o como se quiera, nos da a todos y a cada uno de nosotros una oportunidad, si es que somos capaces de aferrarnos a ella con las dos manos y aprovecharla al máximo», Al Capone para The Times de Londres

La reputación de Al Capone era su prioridad, pues a pesar de las matanzas que dirigió contra otras bandas por liderar la ciudad de Chicago, en el barrio donde vivía junto a su esposa, su hijo, sus hermanos y su madre, él era conocido como vendedor de muebles. Incluso cuando quedó al mando de la banda liderada por Torrio, este mafioso de origen italiano también se interesó en la política y comenzó a dar muestras de amabilidad y caridad para incrementar su poder sobre esa ciudad.

Antes de la llamada «matanza en San Valentín», en 1929, Al Capone decidió abandonar su vida. Mientras tanto, en la primavera de ese año, las acciones bursátiles decaían y los bancos dejaron de conceder préstamos.

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Meses después, cuando la sociedad tuvo que enfrentar la precariedad del mercado y millones de ciudadanos quedaran sin hogar, sufriendo dificultades para subsistir, el gánster que había ganado fama de benefactor entre la comunidad de migrantes italianos en Chicago, abrió un comedor para aquellos que habían perdido su empleo, con el fin de ayudarles a resistir la miseria que se había propagado con el famoso crac en Wall Street.

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Los orígenes de la lengua http://algarabia.com/algarabia-tv/los-origenes-de-la-lengua/ http://algarabia.com/algarabia-tv/los-origenes-de-la-lengua/#comments Fri, 22 May 2015 18:08:41 +0000 http://algarabia.com/?p=38508

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Leni Riefenstahl http://algarabia.com/quien-fue/leni-riefenstahl/ http://algarabia.com/quien-fue/leni-riefenstahl/#comments Fri, 22 May 2015 15:00:25 +0000 http://algarabia.com/?p=19066 Nació en Alemania en 1902. Fue actriz y cineasta, comisionada por el gobierno nazi para realizar una serie de documentales sobre el Tercer Reich —o Alemania nazi—, sobre Adolf Hitler y los Juegos Olímpicos de Berlín —Triumph des Willens (1936) y las dos partes de Olympia (1938)—.

Olympia parte I (1938)

Al terminar la ii Guerra Mundial, y tras conocerse las atrocidades del régimen hitleriano, Riefenstahl fue considerada parte de la maquinaria de propaganda nazi, a pesar de sus airadas protestas.

Condenada por la comunidad internacional, dejó su carrera cinematográfica durante 48 años. Cuando tenía cien años, estrenó su último documental sobre la vida marina: Impressionen unter Wasser (2002) y murió en 2003.

Impressionen unter Wasser (2002)

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Fuera del diccionario. La comprensión de la lectura http://algarabia.com/lengua/fuera-del-diccionario-la-comprension-de-la-lectura/ http://algarabia.com/lengua/fuera-del-diccionario-la-comprension-de-la-lectura/#comments Thu, 21 May 2015 18:02:10 +0000 http://algarabia.com/?post_type=lengua&p=38500 Al despuntar el atribulado siglo xx, un empeñoso investigador estadounidense, Herbert Eugene Bolton, se lanzó tras las huellas de uno de los mayores colonizadores y conquistadores de la frontera norte de la Nueva España, el sacerdote jesuita Eusebio Francisco Kino.

En 1907, sus pesquisas se vieron recompensadas con un hallazgo notable: el extenso manuscrito autobiográfico, largamente perdido, que conocemos como Favores celestiales —Con más tiempo que nosotros, Kino lo tituló Favores celestiales de Jesús y de María Santísima y del gloriosíssimo apóstol de las Yndias San Francisco Xavier, experimentados en las nuevas conquistas y nuevas conversiones del nuevo reino de la Nueva Navarra, desta América septentrional yncógnitas y passo por tierra a la Californía, en 35 grados de altura, con su nuevo mapa cosmográfico de estas nuevas y dilatadas tierras, que hasta aora havian sido yncógnitas dedicados a la real magestad de Felipo v, mui católico rey y gran monarca de las Españas y de las Yndias. Treinta años después, apareció Rim of Christendom, la monumental obra de Bolton acerca del misionero.

Puedo dar fe de que durante esos 30 años Bolton trabajó con seriedad, precisión y diligencia ejemplares, en los archivos de ambos lados del Atlántico y a campo traviesa, sobre las rutas de Kino, porque conozco su obra con cierto detalle.
Durante quince años trabajé en su traducción, y espero que aparezca pronto la versión en castellano, Confines de la cristiandad.

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Parecen muchos quince años para las menos de 800 páginas del libro, pero debo decir que la mayor parte de ese tiempo se consumió en localizar los escritos de Kino y de sus contemporáneos, aprovechados ampliamente por Bolton y casi siempre compuestos en español. Gracias al auxilio de Gabriel Gómez Padilla, que en aquel tiempo era jesuita —y a quien debo toda esta aventura, pues fue él quien me invitó a ocuparme de la traducción—, finalmente pude reunir todos los documentos, y hubo muchos pasajes 
donde pude rectificar y ampliar las citas, tan libres como abundantes, que Bolton utilizó para construir su obra. Estoy seguro de que, de haber vivido entonces, Bolton habría aprobado estos retoques. Incluido el que aquí interesa.

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Me refiero a una sección titulada en inglés «Quicksilver 
and Blond Women», que ocupa las páginas 371 a 375 de 
la edición de 1960 que utilicé para traducir. Contra lo que parecía obvio, no convertí este título en «Rubias y azogue», sino en «Azogue y hombres blancos». Ya veremos el porqué.

¿Güeros o güeras?

Bolton cuenta allí cómo Kino, en 1697, durante una entrada que hizo en compañía de los capitanes Cristóbal Bernal y
 Juan Mateo Manje, encontró en una ranchería de los pimas sobaípuris que él llamó San Andrés, en las márgenes del río Gila, a un indio «todo pintado de embije —escribió Manje—, muy encarnado, que parecía bermellón o almagre finísimo». De inmediato Manje, que tenía sus estudios y había leído a Agrícola, vio en esto un indicio de mercurio, metal tan raro1 Solamente tres minas de azogue explotaban entonces los españoles, en Almadén, Huancabelica y Carintia. como necesario para el beneficio de la plata.

El temor a los apaches disuadió a los expedicionarios, que eran pocos, de ir adelante en busca de la mina. Pero no les impidió conocer otra historia que traían los naturales: de vez en cuando llegaban al río Colorado unos hombres blancos a caballo. ¡Atención!

Según Bolton, Bernal anotó en su diario: «También dijo dicho indio que vienen unos hombres blancos a caballo en sillas
 y con sus güeras —“blond women”, escribe Bolton—, y que éstos dan guerras a la gente de más adentro, y preguntándole que qué tan blancos eran los dichos hombres, dijo, señalando a Juan Xermán, que de aquel blanco y pelo eran».

Lo de las güeras naturalmente llamó la atención de Bolton, quien consignó el siguiente comentario: «Este relato dio a la tropa de qué hablar en los días siguientes, pues en México, aun hoy en día, la aparición de una rubia conmociona a todos los miembros del sexo masculino». Lo que, curiosamente, 
no llamó la atención de Bolton es que en ningún lugar, 
nunca, ningún otro estudioso hubiera reparado en las güeras; tampoco que Manje, ni Bernal, ni Kino —se conservan los diarios que los tres llevaron de esta expedición— se mostraran interesados en averiguar nada acerca de estas mujeres.

La explicación llegó en cuanto tuve a la vista el texto de Bernal. Bolton leyó mal; entendió mal. Don Cristóbal Bernal no escribió güeras, con g, sino qüeras con q. Así el sentido del texto es perfecto y no tiene por qué sorprender a nadie: «unos hombres blancos a caballo en sillas y con sus qüeras»; esto es, con las armaduras de cuero que protegían a los caballos. Es fácil comprender que el comentario de Bolton sobre la manera en que los mexicanos las prefieren rubias haya quedado fuera de la traducción. Lástima. A mí me seducían más las misteriosas güeras.

El tropezón de Bolton, sin embargo, me fascina porque
nos coloca de lleno en el meollo de la comunicación: en 
el misterio de lo que significa comprender un texto o, simplemente, comprender. El problema no es la sustitución de una letra o de una palabra por otra. El problema es por qué Bolton dio por buena esa lectura equivocada; por qué Bolton no puso en duda una noticia que la falta de otros comentarios volvía tan extraña.

Lectura y comprensión

Resulta que, para bien o para mal, no leemos solamente con el diccionario. No es el significado aislado de las palabras 
lo que embaraza o propicia nuestras posibilidades de comprensión. Es la sociedad de las palabras lo que tiene sentido y lo que decide el significado de cada una de ellas. Leemos con toda nuestra historia, nuestra experiencia, nuestra información, nuestras lagunas, nuestras manías a cuestas; cargamos de sentido y de significado el texto —eso es comprender— con los prejuicios, los deseos y el humor del día.2 David Elkind, siguiendo a Piaget, sostiene que las palabras, escritas o habladas, reciben significado del lector o del oyente, «que las interpreta según su acervo de conocimientos. La riqueza de significado que obtenga de la lectura dependerá tanto de la calidad del texto como de la amplitud y profundidad de su entendimiento conceptual». Leemos —comprendemos; sin comprensión no hay lectura3 Dice Goodman que «la búsqueda de significado es la característica más importante del proceso de lectura. [...] El significado es construido mientras leemos, pero también es reconstruido. [...] A lo largo de la lectura de un texto, e incluso luego, el lector está continuamente reevaluando el significado y reconstruyéndolo en la medida en que obtiene nuevas percepciones».— fuera del diccionario.

Podemos leer —comprender— mal, como lo hizo Bolton. Comprender no significa necesariamente comprender bien. Nadie puede decir que Bolton no entendió el texto de Bernal: lo entendió mal, y eso es diferente a no haberlo entendido.

No entender; verse obligado a simular la lectura sin comprender el texto que se sigue es la razón más importante para que cualquiera rehúya el trato con los libros. Mucho tiene que ver en esto el vicio de suponer que la descodificación de los signos y la comprensión del texto son dos tareas separadas.

En general, las escuelas prestan mayor atención a lo primero, porque puede medirse con facilidad: se dedican a vigilar la velocidad de lectura y los defectos de pronunciación, y se olvidan de que lo de veras importante es encontrar un sentido a la lectura.

Solamente si se aprende a cargar de significado un texto, y
 si hay un interés genuino en hacerlo, podrá alguien hacerse lector, podrá alguien emprender la carrera de lector —una carrera que nadie puede jactarse de haber completado, y que, por lo mismo, es siempre un tanto heroica —cito nuevamente a Goodman: «Aprender a leer implica el desarrollo de estrategias para obtener sentido del texto. [...] Esto solamente puede ocurrir si los lectores principiantes están respondiendo a textos significativos que son interesantes y tienen sentido para ellos».

A eso es a lo que llamo aquí comprensión: a la capacidad de cargar de sentido un texto. Capacidad que por supuesto es variable de un lector a otro, y es variable también, para un mismo lector, de una lectura a otra. Estoy definiendo, pues, la comprensión de la lectura como la capacidad de atribuir un significado o un sentido al texto —y a cualquier otra cosa: así leemos una pintura, una película, un programa de televisión, nuestras relaciones personales; así leemos el mundo.

Que es el lector quien atribuye el significado al texto puede fácilmente comprobarse. Escribamos io en el pizarrón
 frente al grupo —da lo mismo la edad de los alumnos—; todos leerán diez. Agreguemos r para formar rio, y todos leerán río. Es virtualmente imposible, mientras estemos con hispanohablantes, que alguien desde un principio lea io en lugar de diez porque, a esos signos, que son los mismos, difícilmente se les atribuirá un significado que no tiene sentido.

Texto publicado en Algarabía 62. Consulta la segunda parte en Algarabía 63.

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¿Cómo vivimos los mexicanos? http://algarabia.com/algarabia-libros-3/como-vivimos-los-mexicanos/ http://algarabia.com/algarabia-libros-3/como-vivimos-los-mexicanos/#comments Thu, 21 May 2015 16:41:12 +0000 http://algarabia.com/?p=38496 Todos los mexicanos compartimos un mismo territorio, pero no todos vivimos de la misma manera. Pobres o ricos, con estudios o sin ellos, en casa propia o rentada, con auto o sin auto, una historia común nos une.

Por ello, ¿Cómo vivimos los mexicanos? es un libro que puede ser de gran utilidad y darte muchas horas de entretenimiento, porque en él se presenta una selección de datos sencilla e ilustrada, que nos da una idea de cómo vivimos los mexicanos dependiendo de nuestro nivel socioeconómico, es decir, de cómo satisfacemos las necesidades básicas de bienestar en un hogar y cómo obtenemos el ingreso y lo gastamos.

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Estas páginas serán un aporte a tu bagaje cultural, una fuente de consulta y, ¿por qué no?, el tema de una jugosa conversación.

Como botón de muestra, les dejamos los siguientes datos:

  • Existen varios niveles socioeconómicos en México, que se dividen —de mayor a menor: los que más tienen y los que menos— de la siguiente manera: a/b; c+; c; c-; d+; d; e.
  • El nivel socioeconómico a/b tiene el más alto nivel de vida e ingresos del país. Son los más ricos de México. Los hogares de este nivel representan 6.8% de la población y perciben un ingreso mensual de $105  000 o más.
  • Uno de cada tres jefes de familia del nivel d es mujer.
  • El interés inmediato del nivel c+ es ahorrar más y tener un futuro certero.
  • Los hogares del nivel socioeconómico e representan 7.3% de la población y perciben un ingreso mensual de $3400 o menos.
  • La mayoría de las casas del nivel d son rentadas o prestadas. Menos de la mitad son dueños de una propiedad y casi la mitad de éstos no tienen escrituras.
  • Las familias del nivel a/b gastan proporcionalmente menos dinero en huevos que el resto de las clases sociales, pero gastan mucho más en frutas, verduras y pescado.
  • Casi todos los hogares de la clase c+ tienen teléfono y tres de cada cuatro cuentan con computadora.

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Datos tomados del libro ¿Cómo vivimos los mexicanos? Datos curiosos e imágenes sobre los niveles socioeconómicos en México, de Heriberto López Romo.

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Siete datos sobre los Premios Ariel http://algarabia.com/artes/siete-datos-sobre-los-premios-ariel/ http://algarabia.com/artes/siete-datos-sobre-los-premios-ariel/#comments Wed, 20 May 2015 23:13:11 +0000 http://algarabia.com/?post_type=artes&p=38487 En México, lo mejor de nuestro cine es reconocido con los Premios Ariel, galardón creado por la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas. Estos son siete datos que quizá no conocías sobre estos premios.

1. La primera ceremonia de la entrega del Ariel se llevó a cabo el 15 de mayo de 1947.

2. Debido a la crisis que el cine mexicano sufrió en la década de los cincuenta, la entrega del galardón se suspendió desde 1958 hasta 1972.

3. La estatuilla fue realizada por el escultor mexicano Ignacio Asúnsolo, y la imagen está inspirada en un ensayo de José Enrique Rodó.

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Ignacio Asúnsolo

4. Dicha estatuilla representa a un hombre en actitud de emprender el vuelo, posado sobre un águila. La figura está fundida en plata y montada en una base piramidal de mármol negro.

5. Cuando se creó este galardón, la estatua se colocó sobre la avenida Paseo de la Reforma, a la altura de Chapultepec. Actualmente se encuentra dentro de los Estudios Churubusco.

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6. Las personas que pueden participar para ganar un Ariel deben ser miembros de la amacc —honorarios y/o activos—, así como anteriores ganadores de este premio y aquellos que cuenten con al menos dos nominaciones.

7. En la ceremonia de entrega de los Premios Ariel se entrega dicho reconocimiento en 25 categorías, entre las que destacan mejor actor, mejor actriz, dirección y guión original.

La 57 entrega de los Premios Ariel se llevará a cabo el 27 de mayo de 2015. Para más información consulta la página http://www.premioariel.com.mx/

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Frasecita de la semana por John Lennon http://algarabia.com/frase-cita/frasecita-de-la-semana-por-john-lennon/ http://algarabia.com/frase-cita/frasecita-de-la-semana-por-john-lennon/#comments Wed, 20 May 2015 15:47:22 +0000 http://algarabia.com/?p=38484 s21-Frasecita-WEB

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Frases de la auténtica mamá mexicana http://algarabia.com/curiosidades/frases-de-la-autentica-mama-mexicana/ http://algarabia.com/curiosidades/frases-de-la-autentica-mama-mexicana/#comments Wed, 20 May 2015 15:14:55 +0000 http://algarabia.com/?post_type=curiosidades&p=38475 A petición de nuestros lectores, les compartimos la recopilación completa de las frases que la mayoría de las mamás usan para educar a sus hijos. Algunas son graciosas, otras un tanto atemorizantes, pero definitivamente todas son dignas de recordarse.

¡Ahorita es ahorita!

¿Así vas a salir vestida?

¿Escuchaste que te pregunté? No verdad, entonces cállate.

¿Estás aburrido? Pues ponte a barrer o a lavar los trastes.

¿Hablé o rechinó la puerta?

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¿Me estás avisando o me estás pidiendo permiso?

¿Por qué me hablas así? ¡Ni que fueras mi comadre!

¿Qué dijiste? «Esta ya se la creyó»

¿Qué vas a hacer cuando me muera?

¿Qué tus amigos no tienen casa o qué?

¿Y a quén le pediste permiso?

¿Y si lo encuentro qué te hago?

A mí no me engañas, ¿a poco crees que nací ayer?

A mí no me levantes la mano, porque se te va a secar.

Acábate eso o te lo voy a poner de lavativa.

Acuérdate de todo lo que me haces, porque lo vas a pagar con tus hijos.

Ah, ¿quieren dormir calientitos? (con la chancla en la mano para pegarte)

Ahí debe estar, no le pueden salir alas a las cosas.

Ahora que venga tu padre vas a ver.

Ahora resulta que tus amigos saben más que yo.

Ahórrate tus lágrimas para cuando me muera.

Al fin que no lloras sangre.

Aquí hay de dos sopas: fideos o jodeos, ¿de cuál quieres?

Aquí no es restaurante.

Así tengas 80 años me obedeces.

Búscale ruido al chicharrón y verás que hasta carnitas lleva.

Cállate y contéstame.

Cómetelo todo, que muchos niños quisieran el plato que tú tienes.

Cuando lleguemos a la casa, tú y yo nos vamos a comer un pollito.

Cuando te pegue ni preguntes por qué fue.

Cuando tengas hijo me entenderás.

Cuando trabajes y te mantengas, entonces haces lo que quieras.

Cuando tú vas, yo ya fui y vine.

Deja que se vayan las visitas y ahorita nos arreglamos.

El día que yo no esté se van a llenar de gusanos.

El que no me ayude no come.

Está lloviendo, ¡la ropa!

Esto me duele más a mí que a ti.

Guarda esas lágrimas para cuando yo me muera.

Las cosas no te van a decir «aquí estoy»

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Los Reyes Magos lo ven todo, así que pórtate bien.

Me vas a sacar canas verdes.

Mientras vivas en mi casa harás lo que yo diga.

Nada más acuérdate que yo no pregunto, a mí me cuentan.

Nada más donde te enfermes… a ver quién te cuida, porque yo no.

No se dice «qué», se dice «mande»

No sé que es lo que estoy pagando con ustedes, ¡Dios mío!

No sé, pídele permiso a tu papá.

Otra de esas y te volteo los ojos al cerebro.

Parece que pasó un huracán por tu cuarto.

Parece que te pagan por portarte mal.

Pásame la esa que está encima del ese.

Pero un día me lo vas a agradecer.

Porque lo digo yo que soy tu madre, y te callas.

Presiento que te voy a dar un chingadazo.

Primero aprende a lavar tus calzones y luego piensas en novio.

Qué estoy pintada o qué.

Si me paro no va a ser de a gratis.

Si te caes te levanto de una nalgada.

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Si te haces un tatuaje, ¡te lo saco con una lija!

Si te ven en esas fachas qué van a decir de mí.

Si tu amigo salta a un pozo, ¿tú también?

Te cuento hasta tres…

Te encanta lucirte cuando hay visitas.

Te estás acercando al callejón de los fregadazos.

Te traje a este mundo y te puedo sacar de él.

Te voy a dar motivos para que llores.

Tómate el jugo antes de que se le vayan las vitaminas.

Y nada más donde no me devuelvas mi tóper.

Yo sí confío en ti, pero no confío en la gente.

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Insectos comestibles http://algarabia.com/radio-2/insectos-comestibles/ http://algarabia.com/radio-2/insectos-comestibles/#comments Wed, 20 May 2015 02:00:45 +0000 http://algarabia.com/?p=38465 ¿Sabes qué es la entomofagia? Es la práctica de comer insectos, y Pilar Montes de Oca y Nicandro González estarán en Algarabía radio para hablarnos de esta forma de alimentación que se practica desde la época prehispánica.


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Las canciones que escucharemos durante el programa son:
– «Links 234», de Rammstein
– «Mal bicho», de Fabulosos Cadillacs
– «Como abeja en el panal», de Juan Luis Guerra
– «Mosquito», de Yeah Yeah Yeahs

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Seguimos comiendo alimentos prehispánicos

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Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas http://algarabia.com/ideas/academia-mexicana-de-artes-y-ciencias-cinematograficas/ http://algarabia.com/ideas/academia-mexicana-de-artes-y-ciencias-cinematograficas/#comments Tue, 19 May 2015 23:12:24 +0000 http://algarabia.com/?post_type=ideas&p=38466 El cine no sólo es una forma de entretenimiento, también es una expresión cultural en donde se plasma la ideología, costumbres y estilo de vida de una sociedad. En el caso de México, existe un organismo que busca apoyar el desarrollo del cine de nuestro país: la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas.

De acuerdo con el IMCINE, en 2014 se produjeron 130 películas en México, ubicándose entre los primeros 20 países productores de cine en el mundo.

Este organismo surgió en 1946, en una época en la que el cine mexicano tuvo un gran esplendor. Tan sólo un año antes, en 1945, se filmaron más de 80 películas en nuestro país. Este auge de la industria cinematográfica proporcionó gran material de trabajo para la asociación, a nivel técnico y artístico.

En nuestro país, el costo promedio por película, en el 2014, fue de 20 millones de pesos.

Desde su nacimiento, la amacc se planteó cinco objetivos básicos que en todo momento busca cumplir:

– Difusión de las películas mexicanas, en nuestro país y en el extranjero. Apoya la realización de festivales, encuentros entre cineastas y otros eventos que permitan dar a conocer el cine mexicano.

– Investigación de la historia del cine nacional. Destacan la edición de libros que recopilen la historia del cine en nuestro país y la creación de talleres para difundir el conocimiento de las diversas áreas que abarca la cinematografía.

– Preservación de las obras de creación cinematográfica. Es importante la conservación no sólo del material fílmico, también de los recintos e instituciones donde se lleven a cabo actividades relacionadas con el séptimo arte.

– Desarrollo de la industria cinematográfica. La amacc establece una relación con las instancias gubernamentales para promover el crecimiento de la industria cinematográfica en nuestro país, a nivel técnico y creativo.

– Defensa de la libertad creativa y laboral de los cineastas mexicanos.

Cuando la academia surgió, estaba integrada sólo por personas morales; sin embargo, a partir de 1998, su estructura cambió y ahora está conformada por catorce miembros del ámbito cinematográfico, con el fin de que estén más familiarizados con las necesidades y problemáticas del cine mexicano. Luego de esta reestructuración, la amacc creó un estatuto con sus objetivos, denominado Espíritu.

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Actualmente, la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas, A.C., está formada por 49 miembros honorarios y 58 miembros activos, y es presidida por la actriz Blanca Guerra. Además, es la única institución mexicana reconocida por sus pares en ee.uu. y España.

El cine mexicano en números

De acuerdo con el Anuario Estadístico de Cine Mexicano 2014, del Instituto Mexicano de Cinematografía (imcine), estas son las estadísticas que dan un panorama de la situación de la industria cinematográfica nacional durante el año 2014:

– Asistencia a las salas de cine: 240 millones de personas
– Asistencia a películas mexicanas: 24 millones de personas
– Promedio de asistencia anual por habiante: 2 visitas
– Ingresos en taquilla: 11,237 millones de pesos
– Complejos cinematográficos en México: 670
– Festivales cinematográficos en México: 103
– Películas mexicanas estrenadas: 68
– Pelícuas mexicanas producidas: 130
– Cortometrajes mexicanos producidos: 535
– Película mexicana más rentada en dvd: Cásese quien pueda

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– Película mexicana más vendida en dvd: Cantinflas

Conoce más sobre la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas en www.academiamexicanadecine.org.mx

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Top 10: Causas de muerte más frecuentes http://algarabia.com/top-10/top-10-causas-de-muerte-mas-frecuentes/ http://algarabia.com/top-10/top-10-causas-de-muerte-mas-frecuentes/#comments Tue, 19 May 2015 14:00:31 +0000 http://algarabia.com/?p=30678 Le presentamos las diez causas de muerte más frecuentes en el mundo. La información fue proporcionada por el Sistema Nacional de Información en Salud —sinais— y la Organización Mundial de la Salud —oms—, quienes estudian cuestiones de salubridad a nivel nacional e internacional.

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Encuesta sobre la lengua http://algarabia.com/encuesta-2/encuesta-sobre-la-lengua/ http://algarabia.com/encuesta-2/encuesta-sobre-la-lengua/#comments Mon, 18 May 2015 23:53:21 +0000 http://algarabia.com/?p=38461 Pilar Montes de Oca solicita su participación para responder esta encuesta sobre la lengua.

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¿Asar o azar? http://algarabia.com/tips-pa-salir-de-dudas/asar-o-azar/ http://algarabia.com/tips-pa-salir-de-dudas/asar-o-azar/#comments Mon, 18 May 2015 16:25:45 +0000 http://algarabia.com/?p=24323 tip-semana35

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Los inventos de la Gran Guerra http://algarabia.com/ciencia/los-inventos-de-la-gran-guerra/ http://algarabia.com/ciencia/los-inventos-de-la-gran-guerra/#comments Mon, 18 May 2015 16:15:00 +0000 http://algarabia.com/?post_type=ciencia&p=38451 No todo fue muerte y destrucción durante la i Guerra Mundial. He aquí una lista muy breve de algunas invenciones que se desarrollaron o tuvieron su auge durante este periodo histórico y que aún se emplean en la actualidad.

Cambio de horario

La idea de «ahorrar energía» cambiando el horario en primavera y otoño se remonta a Benjamin Franklin, quien hizo esta propuesta en 1784 mientras se encontraba como diplomático en París.

Una de las consecuencias de la guerra fue la escasez de carbón. Por ello, el gobierno alemán fue el primero en decretar el adelanto de una hora en los relojes el 30 de abril de 1916; con ello, se aseguraban una hora más de luz natural para sus actividades. Tres semanas después, el 21 de mayo, el Reino Unido implementó la misma medida. En 1918 el Congreso de los ee.uu. legisló sobre sus husos horarios y los diversos cambios de hora según la época del año.

Bolsas de té

En 1908, un comerciante estadounidense tuvo la idea de enviar «muestras» de té en bolsas de algodón a sus clientes frecuentes, para que probaran los nuevos embarques.

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Éstos,
 tal vez por practicidad, empezaron a introducir las bolsas directamente en el agua caliente en lugar
 de prepararlo en las acostumbradas esferas de metal. Cuando estalló la guerra, la empresa francesa Teekanne empezó a empacar té en bolsas para que los soldados pudieran tomarlo con facilidad en sus campamentos.

Reloj de pulsera

En realidad, esta forma de portar un reloj se inventó a finales del siglo xix —década de 1880— para los soldados ingleses que participaron en los combates colonialistas en Sudáfrica. Luego, a principios del siglo xx los pilotos empezaron a adaptar los relojes de bolsillo —que tenían una cadena— con correas para amarrarlos por encima 
de sus trajes.

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Cuando estalló la Gran Guerra, el reloj era un instrumento indispensable para coordinar
 las actividades militares y por ello se masificó su producción para portarse en las muñecas. Para 1917, el Departamento de Guerra Británico decretó que sus soldados debían usarlos.

Cierre —cremallera—

Aunque la idea original se remonta a 1851, el primer diseño funcional lo patentó el inventor estadounidense Whitcomb L. Judson —para la Feria Mundial de Chicago— en 1893, y su uso se limitaba al calzado. Gideon Sundback, un sueco que se casó con la hija de Judson, mejoró
 el diseño en 1913 —con el nombre de hookless fastener—.

s21-ciencia-zipper

Para 1917 Sundback lo patentó con el nombre de separable fastener y de inmediato se empleó en objetos militares: botas y bolsas. En 1923 la Goodrich Company desarrolló el popular nombre de zipper, apócope de zip fastener.

Acero inoxidable

A finales del siglo xix el científico alemán Hans Goldschmidt desarrolló el proceso para obtener cromo libre de carbón. Luego el francés Léon Guillet hizo los primeros intentos para obtener acero sin óxido en 1911.

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Pero fue hasta 1912 que el metalúrgico Harry Brearley perfeccionó, casi 
por accidente, el proceso industrial para obtener acero inoxidable por medio del cromo. Su hallazgo se empleó en la construcción de motores aéreos 
y cañones —que antes del acero inoxidable se deformaban por el calor de los proyectiles—. Luego se usó para el material quirúrgico e incluso para trastos de cocina.

Radiocomunicación aérea

Cuando comenzó la Gran Guerra los soldados aún empleaban cables para comunicarse entre campamentos —además 
de mensajeros, banderas y palomas mensajeras—, pero los incipientes aviones de guerra estaban abandonados a su suerte.

s21-ciencia-radio

En 1916 se empezó a implementar la radiocomunicación con teléfonos para mantener al tanto a los pilotos de las instrucciones a seguir, pero el ruido de los motores hacía ininteligibles las conversaciones. Así, el auricular y el micrófono se instalaron dentro de un casco para aislar al piloto del ruido externo; esto también contribuyó al desarrollo de la aviación civil.

Toallas sanitarias

Aunque en 1896 la empresa Johnson & Johnson creó las primeras toallas sanitarias comerciales —entonces sólo eran empleadas por enfermeras—, resultaron un fracaso debido a que estaba prohibido que se promocionaran de forma pública.

En 1914
 la Kimberley Clark desarrolló el cellucotton, 
un material cinco veces más absorbente que 
el algodón y que, producido en cantidades industriales, ahorraba la mitad de los costos. Cuando los ee.uu. entraron a la guerra en 1917, lo usaron para fabricar los uniformes de médicos y soldados. Fueron las enfermeras de la Cruz Roja quienes emplearon la absorbencia de este material para controlar su menstruación.

s21-ciencia-kotex

Cuando terminó la guerra se dejó de producir 
el cellucotton, pero el uso que le dieron las enfermeras trascendió hasta que en 1920 se volvió a producir este material para comercializar las toallas femeninas. La palabra Kotex es un apócope de las palabras con que se promovieron en origen: cotton texture.

Texto publicado en Algarabía 121.

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Encuesta Algarabía niños 10 http://algarabia.com/encuesta-2/encuesta-algarabia-ninos-10/ http://algarabia.com/encuesta-2/encuesta-algarabia-ninos-10/#comments Mon, 18 May 2015 14:55:03 +0000 http://algarabia.com/?p=37896 Algarabía niños 10?]]> Pequeños lectores, ¿nos ayudan a responder nuestra encuesta para Algarabía niños 10? Es sobre una caricatura muy popular que seguramente conoces.

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¿Qué pesa más, la piel o el cerebro? http://algarabia.com/datos-inutiles-2/que-pesa-mas-la-piel-o-el-cerebro/ http://algarabia.com/datos-inutiles-2/que-pesa-mas-la-piel-o-el-cerebro/#comments Sat, 16 May 2015 15:00:45 +0000 http://algarabia.com/?p=38437 S20-Datos-Inutiles-Post-WEB

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Algarabía 128 http://algarabia.com/algarabia-tv/algarabia-128/ http://algarabia.com/algarabia-tv/algarabia-128/#comments Fri, 15 May 2015 19:52:29 +0000 http://algarabia.com/?p=38449

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Ida http://algarabia.com/enfilme/ida/ http://algarabia.com/enfilme/ida/#comments Fri, 15 May 2015 19:24:42 +0000 http://algarabia.com/?p=38446 Alfonso Flores-Durón y Martínez, @SirPon, director de EnFilme, nos comparte un texto sobre la película Ida (2013), del director Pawel Pawlikowski

En octubre del 2013, revisando el catálogo del London Film Festival previo a su inicio, descubrí que se proyectaría el nuevo filme de Pawel Pawlikowski. Cuando estudiaba cine en Londres tuve la suerte de ver la opera prima del polaco, radicado en Inglaterra, Last Resort (2000), un intenso drama sobre una mujer rusa que llegaba a la Gran Bretaña, con su pequeño hijo, en busca de un novio que nunca aparecía —resalta la intensidad y compasión con que el director abordó el conflicto y su capacidad para plasmar con desparpajado realismo un aspecto sombrío y hostil de una parte de Inglaterra—.

El filme llamó poderosamente mi atención y me dejó grabado el nombre de su responsable. De ninguna forma me asustaba que Ida —así se llamaba el nuevo filme— tratara de la historia de una monja, en la Polonia de los sesenta; mucho menos que fuera retratada en blanco y negro. Por el contrario, me intrigaba. De inmediato la anoté como una de las películas que vería a como diera lugar. 

Llegado el día, a la entrada del cine, me encontré con Alfonso Cuarón, que apenas unos días antes había presentado Gravity en una de las fastuosas galas del festival. Me dijo que si había un filme del festival que no debía perderme era Ida; para él, la mejor película del año. Le contesté que justo me disponía a verla. Y lo hice.

Al concluir la proyección me lo volví a encontrar y le otorgué razón a lo que me había dicho. Crucé algunas palabras con Pawlikowski —que al finalizar la película había ofrecido una simpática y aleccionadora sesión de preguntas y respuestas— y le solicité una entrevista. Muy amable me agradeció el interés, pero en ese momento iría a tomar un trago con unos queridos amigos —entre ellos Cuarón—, y al día siguiente viajaría a su Varsovia, en Polonia.

De Londres a Varsovia, el viaje que hizo tiempo atrás buscando reencaminar una carrera que se había empantanado peligrosamente y que corría el riesgo de quedar estancada de modo definitivo. Unos años antes su esposa falleció —había enfermado seriamente mientras Pawel filmaba la adaptación a la novela de Magnus Mills, The Restraint of Beasts, en 2006, y él abandonó el proyecto—; su más reciente filme, The Woman in the Fifth —con Ethan Hawke, del 2011— fue un fracaso comercial; y Pawlikowski había decidido velar, en su casa de Oxford, por el crecimiento de sus hijos mientras daba clases de cine en la National Film School londinense.

Cuando sus hijos se marcharon del hogar para estudiar la universidad, se instaló en París —donde filmó The Woman in the Fifth—, fracasó, regresó a Londres y estando ahí, desasosegado, pensó que era el momento idóneo de regresar a su tierra a encontrar su pasado y el de Polonia. De reencontrarse.

Ida representa antes que cualquier otra cosa —Pawlikowski ha insistido en ello— el significado de ser polaco. En apenas unas cuantas pinceladas, magistrales eso sí, logró capturar los rasgos fundamentales de la historia de un pueblo que ha sufrido muchísimo, que ha sido víctima permanente —sobre todo durante buena parte del siglo xx— y que parece seguir atrapado en su pasado.

De paso, aprovechó el viaje para meditar con seriedad y profundo respeto sobre la noción de identidad, la fuerza de la fe y las ideas de trascendencia a las que hoy, en el mundo contemporáneo, se les menosprecia, cuando no de plano se les fustiga y ataca.

Hace unos meses, finalmente, pudimos entrevistar a Pawlikowski, en México, y nos dijo con filo sarcástico y provocador que Ida es un filme escapista: «Un escape del ruido, de la agitación sin sentido, del exceso de información, de una humanidad a la que parecen importarle cada vez menos los asuntos serios».

El proyecto, pues, representaba un viaje que integraba la nostalgia, con la intención de recuperar vivencias y recuerdos nebulosos de su infancia, de rescatar fundamentos sobre su origen, ideas que no tenía del todo claras sobre su patria; pero que también exigía desacelerar el vértigo y cavilar instalado en la pausa, en el silencio. Solo desde ahí podría desentrañar las complejidades que nacen de la contradicción; únicamente así podía hacerlo apelando a la belleza estética y a la pureza de la imagen y del montaje. Así lo cinceló, en forma sublime.

Anna (Agata Trzebuchowska) es una joven novicia, de dieciocho años, con rostro de querubín, que próxima a tomar sus votos —obediencia, castidad, pobreza— es invitada por la Madre Superiora del convento donde profesa a contactar a su único familiar sobreviviente, su tía Wanda, y vivir con ella el tiempo que crea necesario. Aunque renuente —nunca antes ha salido del claustro—, Anna obedece. Son principios de los años sesenta.

Viaja a Varsovia y rápidamente conoce a Wanda (Agata Kulesza), su tía, de cuarenta y tantos años, a la que, pronto resulta evidente, le gusta el sexo, el alcohol y la indiferencia. Tras un brevísimo intercambio de palabras, Wanda le hace saber a Anna que en realidad no se llama así; su verdadero nombre es Ida Lebenstein, hija de judíos —«una monja judía», le dice burlona—, y que sus padres la dejaron pequeñita en el convento con la esperanza de que sobreviviera la guerra.

Ida, with Dawid Ogrodnik and Agata Trzebuchowska

Pare evitar que la incredulidad se instalara en Anna (Ida), Wanda le extiende una foto en la que aparece de bebé cargada por su madre. «Ya hemos tenido nuestra pequeña reunión familiar», socarrona le espeta, arrebatándole la foto. «Voy tarde», remata la tía, cerrándole a Anna la posibilidad de asimilar la bomba que le acaba de estallar, y de explorar con ella ese pasado que le permitiera reconfigurar su identidad.

La decepcionada Anna toma su veliz y se enfila de regreso al convento. Pero el tamaño de la interrogante que le fue injertada se lo impide. Regresa y con suave determinación, se instala con Wanda quien termina aceptándola. Dos personalidades que no podrían ser más opuestas comienzan a convivir de manera estrecha.

Wanda llevará a Anna a rastrear el destino de sus padres y en el trayecto, entre bromas, burlas, mucho vodka, los caminos rurales de Polonia —es una road movie— y su cercanía física, le cuenta de su vida: de cómo su familia judía fue protegida por una católica pero, posteriormente, cuando el peligro nazi acechó, fue entregada a los verdugos; su pasado como miembro destacada —y temida— del Partido Comunista hasta caer en desgracia y terminar como magistrada; de su turbulenta vida amorosa e incluso de un capítulo que tenía bloqueado de su memora pues involucraba el abandono y la pérdida de un hijo. En el repaso que hace de su vida, esposada a su pasado, se integran varios ásperos capítulos de la historia de Polonia.

La compañía entre estas dos mujeres acentúa sus respectivas soledades y demuestra lo incomunicables que son sus vidas. Por momentos, empero, se disfrutan la una a la otra, aprenden mutuamente entre sí, se comprenden, se quieren. Anna, desde la ingenuidad y la dulzura; Wanda, desde el cinismo y la amargura, pero todavía con una vitalidad que contagia a la sobrina aunque, es claro, se le está desvaneciendo. A Wanda le pesa demasiado el pasado, mientras que Anna (¿Ida?) ni siquiera tiene el origen del suyo.

La narrativa del Ida es hilvanada con hilos de plata. Desde los primeros planos se evidencia la intención de Pawlikowski por escribir poesía, fina y al mismo tiempo honda. Las secuencias —cada una con su propio desenvolvimiento dramático, con planteamiento, desarrollo y conclusión—, parecen sucederse con la misma gracia y levedad con que cae la nieve, en diversos planos retratados con exquisitez y abrumadora belleza. «Parece haber escrito el guión con la cámara», llegó a comentar la productora del filme, debido a la fluidez con que se filmó cada secuencia. El resultado es notable.

En el Q&A —sesión de preguntas y respuestas— tras la presentación de Ida en el London Film Festival —que terminó premiándola como Mejor Película un año y tres meses antes del Oscar que ganó—, Pawlikowski bromeó diciendo que al abordar el proyecto pensó que, dadas sus características —blanco y negro, 4:3, sin actores conocidos, en Polonia, sobre una monja—, parecía como si fuera el idóneo para cometer algo como un suicidio artístico. Por si fuera poco, a solo unos días de iniciada la filmación, el director de fotografía, Ryszard Lenczewski, renunció y no tuvieron otra que recurrir al asistente de cámara, Lukasz Zal, que nunca había fotografiado un largometraje.

El predicamento terminó convertido en bendición, pues el trabajo de Zal fue prodigioso. Asumió los riesgos que a Leczewski le pesaron y bordó imágenes que ya son icónicas, con la expresividad que la historia exigía, aunque al mismo tiempo siendo sugestivas y líricas; en ocasiones recurriendo al alto contraste, en otras permitiendo que la luz tomara prevalencia sobre las sombras; casi nunca moviendo la cámara.

Un hermoso lienzo monocromático con encuadres peculiares, cargando generalmente a los personajes hacia un costado del cuadro y permitiendo abundante aire en su parte superior —como enfatizando lo lejano que a los humanos les queda el cielo—, dentro de un formato 4:3, el académico —que por desgracia casi no se usa ya hoy en día—, para «apretar más a los involucrados en su interrelación», según confesó el propio director. El recubrimiento formal, visualmente soberbio, en buena medida gracias a su austeridad, resultó ser el marco perfecto para un relato cuya complejidad estructural y temática exigía simpleza y la capacidad para fluir, llevando al espectador tersamente en el viaje.

La aparición en la trama de un joven músico (Dawid Ogrodnik), miembro de una banda de jazz que toca a Coltrane, al que Wanda y Anna dan aventón en la carretera —en el segundo de tres actos bien delineados—, dispara los temas a tratar —de la turbulencia del pasado al estremecimiento del presente, al recelo del futuro; y al enigma por lo que hay más allá del futuro— y enriquece la sustancia de la historia. De entrada, la personalidad de Anna sufre una ligera transformación.

Entre ella y el músico se activa una tensión que linda lo sexual y dispara las burlas e incómodos cuestionamientos de Wanda a su sobrina sobre el tópico; pero igualmente permite que Anna adopte una actitud menos pasiva, más dispuesta no sólo a dejarse cortejar, sino incluso a tomar la iniciativa para que la relación amistosa prospere. Siempre cuidando, tanto ella como él, no transgredir ni romper códigos ni promesas de las que son pactos de vida. Hasta cierto punto. Para eso salió Anna, para conocer, para sentir el mundo; para cerciorarse de que su vocación, pese a descubrimientos, vivencias, dudas, efervescencias, es auténtico destino existencial.

Pawlikowski descifró los elementos y símbolos que le permitieran encapsular los grandes temas y los sucesos importantes de su país de manera económica, y descifró asimismo la forma óptima para hacerlo. El director, con sangre tanto judía como católica, evita señalar culpables y tomar partidos.

Pero también es nítida su intención de contrastar el vacío de ideas y de fe que domina el mundo actual con los días en que, pese al destanteo por los devastadores años de guerra recién vividos, la gente era fiel a sus convicciones, apreciaba los valores que fundamentaban la vida social y estimaba con ardor la creencia en un orden superior que trasciende la experiencia terrenal, particularmente en un país tan católico como Polonia. Pawlikowski es no solo respetuoso, sino incluso piadoso en su tratamiento de la fe en Dios que profesa la joven monja y que colma de espiritualidad buena parte del filme.

«La gente necesita satisfacción espiritual», se menciona en Summer of Love —filme en el que Emily Blunt obtuvo su primer rol importante, del 2004—, tercer largometraje de ficción de Pawlikowski —que estudió literatura y filosofía e inició su carrera como documentalista para la televisión británica—, donde ya despuntaba su intención por cavilar sobre el papel de la fe, lo difícil que suele resultar embonarla en la vida contemporánea y la forma en que, contrario a lo que ocurría antaño, quienes la profesan llegan a ser vistos como seres excéntricos en la sociedad actual.

Al ver Ida, es inevitable pensar en filmes de Dreyer y de Bresson. Ambos cineastas creyentes —Dreyer, luterano, aunque hay quienes niegan que el danés haya sido muy religioso; Bresson, católico—, creadores de obras maestras de profunda espiritualidad. Pero también viene a la mente Luces de invierno (1963), el segundo filme de la trilogía sobre “el silencio de Dios” que concibió Bergman —antes de abandonar su fe— a principios de los sesenta: Dos personajes religiosos atravesando por momentos de duda, aunque de forma muy distinta.

El párroco de Bergman, un hombre mayor, lo hace durante todo el filme, y es una vacilación producto del desgaste, del agotamiento, de la frustración, muy parecida al de una relación amorosa. La de la joven monja de Pawlikowski, en el tercer acto del filme, es debido a la convulsión que ha quedado en su mente por la sobreinformación y exceso de estímulos recibidos en tan reducido período de tiempo.

Al final, las dos son en buena medida consecuencia de sacudimientos que han padecido sus vidas. La del pastor: por la muerte de su esposa, que viene cargando de años atrás. La de la novicia: al conocer su auténtica identidad y cómo es que ésta encaja en el mundo; es decir, también como secuela del luto por sus padres y su propia biografía. Una por falta de amor; la otra por el descubrimiento de un tipo de amor distinto al que conocía.

Ambas, aparentemente, en última instancia, propulsadas más por la inercia; aunque en el caso de Ida se asomen resueltos la lealtad, un hondo sentido del deber, del compromiso y, por encima de todo, el triunfo de su fe.

En Ida el tiempo parece suspenderse, levitando como si se negara a proseguir, o cuando menos intentando paladear —como Anna las albricias de los sonidos hipnotizantes del jazz— los instantes finales de un mundo que está dejando de ser, que pronto —durante el transcurso de esa misma década— cambiará de modo radical.

Es un filme que fluye como la música, mesmeriza e incluso se permite punzantes destellos de humor. Una obra maestra que deslumbra y estremece, inmaculada, interpretada con la precisión que cada episodio reclamaba —la feliz combinación histriónica de las Agatas, experimentada y debutante, un severo acierto—, orquestada por un realizador serio, sensible, inspirado, que con este filme penetra con firmeza en el exclusivo club de los grandes autores del cine contemporáneo.

Aquí puedes leer más reseñas de Enfilme

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Chocolate sin culpa http://algarabia.com/algarabia-libros-3/chocolate-sin-culpa/ http://algarabia.com/algarabia-libros-3/chocolate-sin-culpa/#comments Fri, 15 May 2015 18:00:47 +0000 http://algarabia.com/?p=38440 En Chocolate sin culpa podrás asomarte al vicioso gusto del chocolate, a su insondable universo: su historia, su genealogía; su influencia en la literatura, la poesía, el teatro, la música, el cine; en el imaginario popular, en el mundo de la publicidad; en su riquísima aportación a la salud, con sus probadas virtudes sobre malestares reales o imaginarios, como la melancolía, el insomnio y el mal de amores.

Asimismo, podrás encontrar recetas, chistes y muchos datos interesantes y curiosos sobre el chocolate, aderezados con profusión de sabrosísimos dichos, refranes, canciones, perlas de sabiduría popular y muy amenas descripciones históricas, científicas, técnicas y anecdóticas que nos ilustran sobre este manjar de dioses.

A continuación, una muestra de lo que podrás encontrar en este delicioso libro:

Propiedades y beneficios del chocolate

Feniletilamina. Es un alcaloide neurotransmisor de las sensaciones de placer; es decir, produce endorfinas. Esta sustancia provoca en el cuerpo la misma sensación que la del enamoramiento.

Polifenoles/ flavonoides. Tipo de oxidantes que reducen el riesgo de contraer enfermedades cardiovasculares y cancerígenas.

s20-libro-propiedades

Teobromina. Compuesto químico natural que pertenece a la familia de las metilxantinas —alcaloides con efectos estimulantes y diuréticos—. Su efecto es similar al de la cafeína, aunque mucho más suave, pues estimula el sistema nervioso provocando una sensación de placer.

Dopamina y serotonina. Son estimulantes que alivian el dolor y promueven el buen humor; por ello, ayudan en tratamientos para la depresión.

Datos curiosos

• En 1973, el fabricante de chocolate Roland Ohisson fue enterrado en un ataúd hecho por completo de chocolate.
• La palabra «chocolate» proviene del vocablo náhuatl ‘xocóatl».
• En Francia, a finales del siglo xvi, los médicos prescribían chocolate como tratamiento contra las enfermedades venéreas.

Chocofrases

• «Escuché por ahí que el chocolate previene el envejecimiento. Tal vez no sea cierto, pero no me arriesgaría a no comprobarlo», Chocoadicto crédulo.

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• «En el principio, Dios creó el chocolate y vio que era bueno. Después separó el de leche del amargo, y vio que era mejor», Anónimo.

• «Una dieta balanceada se logra con un chocolate en cada mano», Chocoadicto equilibrado.

Información tomada del libro Chocolate sin culpa, de la Colección Vicios.

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Circunscrito http://algarabia.com/palabrotas/circunscrito/ http://algarabia.com/palabrotas/circunscrito/#comments Fri, 15 May 2015 15:41:52 +0000 http://algarabia.com/?p=38426 Esta palabra proviene del latín circumscriptus, que, como nos señalan el drae y el Diccionario de uso del español de María Moliner, es el participio irregular de circunscribir; ésta a su vez deriva del latín circumscribĕre, y el drae nos dice que significa «reducir a ciertos límites o términos algo».

Circunscrito significaría «limitado», por ejemplo: «Su ámbito de actuación está circunscrito al municipio de San Juan»; en América del Sur se usa también circunscripto.

En geometría se refiere a «formar una línea cerrada o superficie que envuelva exteriormente a otra figura, por contener todos sus vértices o por estar compuesta de lados o caras tangentes todos ellos a la figura interior o inscrita».

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El refugio del Tercer Reich http://algarabia.com/algarabia/el-refugio-del-tercer-reich/ http://algarabia.com/algarabia/el-refugio-del-tercer-reich/#comments Fri, 15 May 2015 15:17:04 +0000 http://algarabia.com/?p=38425 Las tácticas bélicas empleadas en la Segunda Guerra Mundial fueron revolucionadas con respecto al otro Gran conflicto mundial que le antecede.

Antes de la invasión de Adolf Hitler a Polonia en 1939, la política económica de Alemania fue orientada hacia la producción de armas modernas con las cuales conseguiría sus propósitos expansionistas,

A partir de 1943 las tropas alemanas fueron aventajadas por el poderío armamentista de los países aliados: Gran Bretaña, la Unión Soviética, China y ee.uu.

La amenaza de ataques aéreos sobre Alemania fue previsto por Hitler años antes de que estallara la Guerra, por ello, consideró que el mejor plan para librarse de dichas ofensivas —y así continuar con su plan por establecer un imperio alemán que abarcara casi toda Europa—, sería resguardarse en un búnker.

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Esta palabra proviene del idioma inglés —bunker—, que se refiere a la carbonera de un barco de vapor. Los alemanes utilizaron esta palabra para referirse al lugar de protección durante un ataque, ya sea en alguna clase de refugio subterráneo o fortificación, estos eran ocupados para la defensa contra los bombardeos que principalmente fueron ejecutados por la Royal Air Force británica.

El primero de estos búnkers en Alemania fue construido en 1936 en los terrenos detrás de la vieja Cancillería del Reich. Posteriormente, luego de perder supremacía sobre el espacio aéreo en su territorio, Hitler encomienda en 1943 la construcción de un nuevo búnker más profundo que el primero, en los jardines de la Nueva Cancillería que estaba edificándose.

Ambos refugios fueron interconectados por unas escalinatas. El segundo búnker abarcaba un área de 15 x 20 metros, con una altura de 3 metros, ubicado a 10 metros de profundidad, y era capaz de resistir el embate de las más potentes bombas de los aliados en aquella época.

El proyecto tenia el código B-207, pero años más tarde, luego de que Hitler celebrara ahí dentro su cumpleaños número 56, el refugio ya era reconocido como: «Führerbunker», pues desde 1944 en que finalizó su construcción, hasta sus últimos días de vida —y de la misma guerra—, Hitler los pasaría encerrado en ese lugar.

Esta fotografía al interior del Führerbunker fue tomada por William Vandivert, primer corresponsal americano de la revista LIFE que pudo entrar en el búnker en mayo de 1945, luego de que Hitler reconociera su vencimiento y se suicidara ahí dentro el 30 de abril junto con Eva Braun —la mujer con quien se casó un día antes—, ella ingirió cianuro y él se disparó en la cabeza.

Vandivert requirió flash para retratar este oscuro lugar. Cuando llegó ahí, el búnker ya había sido destrozado por soldados soviéticos, quienes fueron los primeros en llegar a Berlín y arrasar con los objetos de valor que encontraron.

Los rusos demolieron la Cancillería y otros edificios aledaños. Actualmente no hay constancia de aquel reducto, ahora es un parque infantil y cerca hay un monumento en memoria de las víctimas del Holocausto.

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Una de las primeras imágenes por los soldados aliados dentro del Führerbunker. Foto: LIFE Magazine; 1945

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Einstein y la relatividad http://algarabia.com/quien-fue/einstein-y-la-relatividad/ http://algarabia.com/quien-fue/einstein-y-la-relatividad/#comments Thu, 14 May 2015 18:00:29 +0000 http://algarabia.com/?p=38421 En el 2015 se 
cumplen 110 
años de uno de los
 descubrimientos
 más asombrosos
 de las ciencias 
naturales desde
 que el ser
 humano empezó a 
describir y descifrar 
el mundo que le
 rodea.

En esta misma fecha se
 cumplen 60 años de 
la muerte del padre de 
este descubrimiento, uno de 
los científicos más admirados 
y tal vez menos comprendidos
 de todos los tiempos:
 Albert Einstein (1879-1955). trataremos de echar tantita luz sobre esta figura que le dio un nuevo significado a la luz misma.

Aun después de un siglo, la teoría de la relatividad sigue siendo enigmática y alrededor de su creador se ha generado una gran cantidad de leyendas y mitos que enriquecen la amplia lista de citas reales del físico, con inventos alrededor de lo que él fue y dijo. No trataré de explicar la teoría de la relatividad, pero intentaré dar una perspectiva sobre el hombre detrás de ella.

Albert Einstein —quien cambió el mundo no sólo de la física, sino de la filosofía, y tuvo un peso indiscutible en la política— nació el 14 de marzo de 1879, en Ulm, al sur de Alemania y vivió su niñez en Munich. Aprendió a hablar más tarde que otros niños, pero —a pesar de la leyenda que ha servido de consuelo a tantas generaciones de infantes—, no fue tan mal alumno: sus calificaciones en la escuela eran medianas, aunque —cosa no muy sorprendente— resaltaba en física.

Albert era introvertido, muy interesado, desde temprana edad, por la condición de la naturaleza que le rodeó y muy pensativo, perdurable característica que explicitó en una entrevista: «Al principio, todos nuestros pensamientos giran alrededor del amor. Después, todo nuestro amor es para los pensamientos».1 Todas las citas provienen de: http://home.arcor.de

En sus años de juventud se fue a Zurich, Suiza, para estudiar física en el Instituto Politécnico de esta ciudad, una de las instituciones más reconocidas en la materia. Allí, no obstante que algunos de sus profesores no creían en su capacidad, empezó a escribir sus primeros artículos. En 1905, a los 26 años, Einstein publicó, entre otros descubrimientos importantes, el ensayo que contenía la famosísima fórmula E=mc2 —La energía (E) es igual a la masa (m) por la velocidad de la luz (c) al cuadrado—.

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Esta fórmula es tan sencilla que es utilizada hoy en
 día ¡hasta en comerciales! Sin embargo, es a la vez tan compleja, que poca gente la comprende.

La revolución provocada por E=mc2 permitió la construcción de reactores nucleares para generar energía eléctrica, el desarrollo de
 las armas nucleares, la construcción de telescopios antes impensables y, asimismo, ha ayudado a explicar desde las partículas subatómicas —protón, electrón, etcétera— hasta el movimiento del Universo. El mismo año que la teoría de la relatividad fue publicada, Einstein le atribuyó extravagantes propiedades a la luz: una velocidad única e insuperable y un peso que la somete a la fuerza de gravedad.

La teoría de la relatividad cambió radicalmente lo que entendemos por «tiempo»
y, ante lo inimaginable de este descubrimiento, el propio Einstein explicó: «El tiempo… es lo que nos muestra el reloj». Más tarde, en otra presentación, explica la relatividad así: «Dos horas sentado al lado de una chica guapa pasan como un minuto; pero un minuto sentado encima de un horno caliente parece dos horas. Eso es lo que llamamos relatividad».

Einstein, ya famoso luego de los eventos de 1905, se
 mudó de la ciudad de Berna, donde había trabajado 
en la oficina de patentes, y llegó primero a Zurich,
 luego a Praga y, finalmente, a Berlín, en ese entonces
 centro de las corrientes científicas del Viejo Continente. Aprovechando la popularidad internacional que le allegaron las comprobaciones de sus teorías, comenzó a volverse políticamente activo: apoyó a la frágil democracia alemana, el sionismo y el pacifismo.

Fue en aquella época cuando declaró: «Si se comprueba mi teoría de la relatividad, los alemanes dirán que soy alemán y los franceses que soy ciudadano del mundo. Pero si me equivoco, los franceses dirán que soy alemán y los alemanes que soy judío».

Tras la toma del poder de los nazis en Alemania, en 1933, Einstein renunció a su membresía en la Academia de Ciencias y huyó de su país para no volver jamás. Acabó viviendo en ee.uu., donde se aseguró de alertar
 al gobierno de esa nación sobre la posibilidad de que Alemania pudiese llegar a construir un arma nuclear, basada, en parte, en predicciones de sus propias teorías. El presidente Franklin Delano Roosevelt decidió combatir a los alemanes por medio de lo que se conocería como «Proyecto Manhattan», dirigido por el físico estadounidense J. Robert Oppenheimer.

El final de esta historia es por demás conocido: el proyecto atómico alemán, liderado por el físico y Premio Nobel Werner Heisenberg (1901-1976), fracasó. La primera bomba atómica, desarrollada y construida por ee.uu., estalló en Álamo Gordo, Nuevo México, el 16 de julio
 de 1945. Después, una segunda bomba atómica estadounidense fue lanzada desde el bombardero B-29 Enola Gay sobre la ciudad japonesa de Hiroshima el 6 de agosto de 1945 y una tercera se detonó en Nagasaki tres días más tarde, lo que puso fin a la ii Guerra Mundial.

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Son estos sucesos los que motivaron a Einstein a decir:
 «El ser humano construyó la bomba nuclear, pero a ningún ratón se le ocurriría construir una trampa para ratones».
 La labor a favor de la abolición de las armas nucleares se volvió esencial en la actividad política del físico durante los siguientes años: «Las ecuaciones me son más importantes, porque la política es para el presente, pero una ecuación es algo para la eternidad».

No cabe duda de que Albert Einstein fue uno de los más brillantes pensadores de la física del siglo xx e, incluso, para muchos, de la ciencia de todos los tiempos, a pesar de que fracasó en la tarea de entender a los seres humanos, de los que tuvo, hasta sus últimos días, un concepto muy escéptico: «Dos cosas son infinitas: el Universo y la estupidez humana; sin embargo, en lo que respecta al Universo, no estoy completamente convencido».

Texto publicado en Algarabía 26.

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Ponte a prueba #122: El manga http://algarabia.com/quiz/ponte-a-prueba-122-el-manga/ http://algarabia.com/quiz/ponte-a-prueba-122-el-manga/#comments Thu, 14 May 2015 16:26:52 +0000 http://algarabia.com/?p=38419 Manga se traduce como «dibujos encadenados» o «bocetos improvisados», y estos comics orientales han cautivado cada vez más fans con su particular estilo, en una gran variedad de géneros.

Desde Astroboy hasta Naruto, si eres amante del manga este Ponte a prueba será un buen reto, y si no lo eres tanto, podrás aprender algunos datos interesantes.

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¿A dónde van las palabras que no se quedaron? http://algarabia.com/lengua/a-donde-van-las-palabras-que-no-se-quedaron/ http://algarabia.com/lengua/a-donde-van-las-palabras-que-no-se-quedaron/#comments Thu, 14 May 2015 15:42:56 +0000 http://algarabia.com/?post_type=lengua&p=38412 Casi todos creemos que el español —a diferencia de los demás idiomas— es una lengua de larga tradición y largo futuro; una lengua que existirá para casi siempre —hasta el posfuturo, como diría un autodenominado especialista.
Eso es cierto… pero sólo en el mundo feliz en donde nada pasa, todo queda y existe ese posfuturo.

En la realidad —la del mundo real— ninguna lengua es excepcional. Todas son, en términos generales, muy iguales. Ningún idioma está exento de evolucionar; ninguno está libre de perder palabras, de adquirir nuevas o de cambiarles su significado.

Toda lengua depende de sus hablantes porque ellos son los que deciden usar o ya no usar ciertas palabras, darles otros significados o adoptar nuevos términos.

Como las lenguas también sirven para nombrar la realidad, estructurarla y hacerla conocible, si la realidad cambia, las palabras harán lo mismo; la acompañarán en su evolución. Hay un lazo entre las palabras y la existencia cultural de los objetos, hechos y cualidades. Esa existencia determina la vida misma de las palabras.

La fauna del idioma

En nuestra vida cotidiana tenemos ejemplos simples de lo apenas dicho. Recordemos cómo en la Ciudad de México el pesero —cuando era un taxi hecho colectivo y que valía un peso— se convirtió tanto física como léxicamente en combi y luego este en micro. Pesero sigue existiendo, pero ahora designa algo muy diferente a lo que nombraba a finales de los años 60.

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Recordemos la fauna del transporte: cocodrilo, cotorra, delfín y ballena. Recordemos, también, cómo antes un refresco tenía corcholata y casco, cómo el léxico de las canicas o cuirias —como chiras, tajes, tirito, cascada, agüita o frases como «arriesgantes pasantes si no pelantes», «altas desde su rodilla bien parada», «calacas y palomas»— ha pasado a mejor vida. ¿Quién recuerda palabras —y objetos— como el flit, el fab, el spray, la regla del cálculo, la pluma atómica, el tostón o el tranvía?

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¿Qué le pasó al mamón?

Pero las palabras no sólo dependen de los objetos concretos y móviles, de las cosas constantes y sonantes. El empleo de las palabras también está determinado por las intenciones, tabúes y sentidos que los hablantes les adjudican.

Para algunas personas, las palabras en sí mismas son bonitas o feas, prohibidas o permitidas. ¿Qué le pasó al mamón, aquel bizcocho o pieza de pan dulce? ¿Por qué ya nadie recula; ahora «se hacen para atrás»? ¿Por qué un cronista deportivo prefiere decir «un balonazo en los bajos» y no en los testículos o tanates o huevos?

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El desuso y olvido de las palabras no es exclusivo de aquéllas que nombran o designan cosas. En el español mexicano actual ya nadie hace la diferencia entre los pasados de subjuntivo y nadie usa el imperativo plural. Dicho en términos más simples, ¿para quién «no creí que viniera» y «no creí que viniese» significan cosas diferentes? o ¿qué policía ordena «orillaos» o «avanzad»?

Evolución inevitable

El desuso de palabras —que algunos califican como pérdida, culpando al azar o al descuido— no es una enfermedad ni una manera de empobrecer un idioma. El desuso de las palabras es responsabilidad de los hablantes, es una práctica humana que responde a varias razones.

No muy claras algunas de ellas. Por ejemplo, ¿qué determinó que las preposiciones cabe y so se perdieran?; o ¿qué sucedió en América para que ya no se usara el vosotros en la vida simple y cotidiana?

Toda lengua depende de sus hablantes porque ellos son los que deciden usar o ya no usar ciertas palabras, darles otros significados o adoptar nuevos términos.

Entre las necedades más recurrentes de ciertas personas e instituciones está la de oponerse o resistirse a este tipo de cambio lingüístico. Aunque más necio es querer y hasta empecinarse a que las palabras sigan existiendo y que signifiquen lo que siempre han significado. Sus intentos por evitarlo y sus actitudes al respecto se van al caño de los recuerdos olvidados —junto con las palabras desempleadas— porque la innovación, desuso y resemantización —o cambio de significado— de las palabras es un proceso constante que nadie puede detener.

El «camposanto» del idioma

¿Quién usa todavía palabras como hurí, hurtadineros, hurtagua, hurtas, hurtiblemente, husera, húsar, husero y huta, entre varias más sacadas de una sola página del diccionario?

Al menos en el español, algunas palabras que se han ido —y que nunca volverán— han dejado parte de su recuerdo. Un diccionario es una especie de camposanto en donde las palabras muertas, desempleadas u olvidadas mantienen un lugar. Se han ido, pero han dejado su esqueleto alfabético. Ya nadie utiliza jacer pero ahí están sus letras fosilizadas.

Pero no todas las palabras que han existido corren la misma suerte. Hay otras más, muchas más, cuya vida pudo haber sido larga pero que, por haber sido usadas por sectores sociales que los hacedores de diccionarios han ignorado o negado, ni siquiera se les reconoce. Ahí está el léxico infantil, el vocabulario callejero por derecho propio, el de los mecánicos, de los choferes, el del español rural, etcétera. Unas palabras se han ido sin irse, otras se han ido para siempre. Al final, todas se van, ¿a dónde irán?

Texto publicado en Algarabía 102.

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El paganismo de Dalí http://algarabia.com/epistolario/el-paganismo-de-dali/ http://algarabia.com/epistolario/el-paganismo-de-dali/#comments Wed, 13 May 2015 19:00:57 +0000 http://algarabia.com/?p=38409 En 1922, Salvador Dalí ingresó a la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. Ahí conoció 
a Federico García Lorca, con quien forjó una entrañable amistad.

Poco antes de sus exámenes finales, Dalí fue expulsado de la academia, pero ambos mantuvieron contacto a lo largo de muchos años, hasta el asesinato de Lorca en 1936. Esta carta se la escribió el pintor al poeta poco antes de que se encontraran en Granada.

Cadaqués, julio 1928

Tú eres una borrasca cristiana y necesitas de mi paganismo. La última temporada en Madrid te entregaste a lo que no te debiste entregar nunca. Yo iré a buscarte para hacerte una cura de mar. Será invierno y encenderemos lumbre. Las pobres bestias estarán ateridas. Tú te acordarás que eres inventor de cosas maravillosas y viviremos juntos con una máquina de retratar.

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Por desobedecer a mis padres http://algarabia.com/curiosidades/por-desobedecer-a-mis-padres/ http://algarabia.com/curiosidades/por-desobedecer-a-mis-padres/#comments Wed, 13 May 2015 16:48:12 +0000 http://algarabia.com/?post_type=curiosidades&p=38402 Cuando se es niño, la desobediencia a los padres es una de las faltas que se castiga con mayor severidad. Entre los castigos que uno puede sufrir, están los regaños, la cancelación del «domingo», irse a la cama sin cenar, no ver televisión o incluso algún golpe. Pero, ¿qué pasa cuando los padres castigadores son dioses o semidioses? ¿Cuáles son los castigos que los «hijos desobedientes» debían sufrir por rebelarse contra sus padres divinos?

—Dinos, mujer araña, ¿de qué te alimentas?
—De cerdo, pez y ave.
—¿Y por qué estás así?
—Por desobedecer a mis padres…
Decir oído en una feria ambulante

Castigar la desobediencia a los padres es una práctica difundida en casi todas las civilizaciones y, en consecuencia, está presente en las mitologías y religiones de todo el mundo.

Uno de los ejemplos más claros sobre la desgracia que provoca esta desobediencia lo narra la Biblia, en el episodio del Génesis, cuando Adán y Eva —hombre y mujer primigenios— son expulsados del paraíso terrenal por haber desobedecido a Dios, su padre creador, al comer del fruto prohibido.

En la mitología griega se dice que Ícaro, hijo de Dédalo, murió ahogado en el mar por haber desatendido las órdenes de su padre de no volar tan alto y cerca del
 Sol, ya que sus alas —construidas por Dédalo con plumas y cera para que pudiera escapar de su prisión en el laberinto de Creta— se derritieron por la acción del calor. Sin embargo, parece que el castigo más impresionante que puede sufrir un humano o un semidios que desobedece a los dioses —sus padres espirituales—, es la transformación en animal o en otro ser vivo o mitológico.

Educación a la antigua

Entre los aborígenes australianos, se cuenta que el Gran Espíritu transformó en moscas a los miembros de una tribu entera por no haber obedecido la orden 
de recolectar y almacenar comida para soportar
 las inclemencias del invierno; en cambio, los de la tribu vecina, quienes sí atendieron la orden, fueron transformados en abejas como recompensa a su dedicado trabajo.

En La Odisea, la semidiosa Circe transforma a todos los hombres de la tripulación de Odiseo en cerdos, con la intención de que el héroe la obedezca y permanezca a su lado por siempre. También es digna de recordar la transformación que, en la mitología latina, sufre la otrora hermosa Medusa en una criatura monstruosa, por la ira y los celos de la diosa Minerva.

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Los hijos divinos de los dioses también pueden ser castigados con la metamorfosis: en la mitología de 
los guaraníes de Sudamérica, se relata que Japeusa, 
hijo de Sypave —la primera mujer creada por el dios supremo Tupa y su esposa Arasy—, no obedeció a su madre y se equivocó en la preparación de un brebaje para aliviar la garganta de su hermana Yrasema, quien en lugar de sanar, murió envenenada.

Japeusa enloqueció por su imprudencia y desobediencia, y se quitó la vida ahogándose en las aguas de un río; días después apareció su esqueleto, del cual emergió transformado en un cangrejo. El dios Tupa lo convirtió en este animal para que siempre caminara hacia atrás y, por toda la eternidad, recordara el mal que había hecho a su familia —según este mito, como todos los recuerdos pertenecen al pasado, para traerlos de vuelta a la memoria, es necesario caminar al revés como lo hacen los cangrejos.

«Sois demasiado ricos para obedecer leyes. Y las leyes desobedecidas envilecen a los pueblos». Platón a los habitantes de Cirene.

En la literatura tampoco faltan los ejemplos de la transformación de un hijo desobediente en animal. 
Así, en Las aventuras de Pinocho (1883), del escritor y periodista italiano Carlo Collodi, esta marioneta de madera es convertida en asno por desobedecer a su hada —que es como su madre— e ir en busca de la diversión y el juego al País de los Juguetes, en lugar de asistir a la escuela y convertirse en un muchacho ejemplar.

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Por otro lado, en el cuento «El viento distante» (1963), de José Emilio Pacheco, se menciona que dentro del acuario de una feria se exhibía a una infeliz niña llamada Madreselva, convertida en tortuga por castigo divino al negarse a asistir a la misa de los domingos, tal como se lo ordenaban sus padres.

Lagartonas y víboras

Pero la transformación de los hijos desobedientes en animales no sólo se encuentra en las obras literarias o en los relatos mitológicos, sino también en «la realidad» de los espectáculos de las ferias y los circos ambulantes.

En estas exhibiciones de lo asombroso, se presenta 
a mujeres o niñas cuya desobediencia las llevó a convertirse en serpientes o tarántulas, y que sólo logran sobrevivir gracias a que sus cuidadores las alimentan diariamente con diversos animales.

Es posible que la serpiente sea el animal más elegido para la transformación, porque en muchas civilizaciones simboliza el mal. Además de ser la madre y la guardiana de los muertos, tesoros y ciudades, la serpiente es símbolo de realeza, inteligencia y seducción, y se le han atribuido poderes curativos y de premonición; pero, sobre todo, siempre ha sido una fuente inagotable de estimulación para la fantasía humana.
Incluso, hay que recordar que en las culturas con influencia cristiana, Dios creó una enemistad entre la mujer y la serpiente
 a causa del episodio en el jardín del Edén; entonces, la conversión de una hija desobediente en serpiente sería una alegoría del pecado original cometido por Eva.

Este tipo de espectáculos, en los que un anunciador de potente voz proclamaba: «¡Pasen y vean!», fueron muy comunes en Europa durante el siglo xix y la primera mitad del xx. Lo mismo sucedió en México, donde aún es posible encontrar, apartada entre todos los juegos mecánicos, una pequeña barraca o local con luces de neón y grandes letreros con los que se invita a los visitantes a ver a la «mujer serpiente». En el interior, el espectador se impresiona al observar la cabeza de una mujer unida al cuerpo de una gran serpiente.

Para recrearse con ella, el visitante debe dejarse atrapar por la ilusión creada por unos cuantos espejos, puertas falsas y el ambiente de penumbra y desolación logrado por la escasa luz; así como por el lamento de la mujer que le dice con voz afligida que fue convertida en serpiente como consecuencia de haber desobedecido a sus padres. Buen ejemplo para los niños mal portados.

s20-curiosidades-cihuacoatlNo todo es adversidad para las «mujeres serpiente», sobre todo si esta particularidad no es una maldición, sino una ventaja. Por ejemplo, los aztecas llamaron Cihuacóatl —«mujer serpiente»— a una de sus deidades más relevantes, diosa guerrera a la que consideraron su madre. Se dice que fue ella quien molió los huesos de todos los muertos que el dios Quetzalcóatl recuperó del inframundo para, con el polvo obtenido, moldear a la nueva humanidad. En ocasiones se aparecía por 
los mercados cargando una cuna, la cual dejaba abandonada. Cuando alguien se asomaba a ver lo
 que había dentro, sólo encontraba un cuchillo de piedra, lo cual significaba que la diosa tenía hambre y necesitaba que su pueblo le ofreciera un sacrificio.

En las antiguas crónicas de los conquistadores españoles, se relata sobre la existencia en el Nuevo Mundo de
 una isla habitada por mujeres que veneraban a la diosa Cihuacóatl, quienes únicamente permitían la presencia de los hombres cuando deseaban reproducirse.

Por medio del simbolismo otorgado a las serpientes y a otros animales, se puede conocer más a fondo la forma en que la mente humana concibe y aprecia el mundo que la rodea. En la transformación de los hijos en animales o monstruos es posible vislumbrar los atributos que cada civilización ha adjudicado a cada especie, los valores en los que se basa su cultura —devoción, prudencia, obediencia— y el hecho de que «la educación con el ejemplo» no se limita a la casa y a la escuela.

Texto publicado en Algarabía 72.

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El erotismo en la pintura http://algarabia.com/artes/el-erotismo-en-la-pintura/ http://algarabia.com/artes/el-erotismo-en-la-pintura/#comments Wed, 13 May 2015 15:32:11 +0000 http://algarabia.com/?post_type=artes&p=38394 El límite es uno mismo. Cuando se trata de entender la frontera entre una imagen sensual, una erótica y una pornográfica, dice Edward Lucie-Smith,1 Edward Lucie-Smith, Erotica, the Fine Art of Sex, Nueva York: Hydra Publishing, 1997. el límite radica en esa delgadísima línea, ese límite impuesto por nuestra manera de pensar, nuestro bagaje cultural, nuestra moral. ¿Hasta dónde se disfruta de una obra y hasta dónde nos ofende?

«Si la belleza está en la mirada del espectador, el erotismo está en su mente»1 Ibid.. Y es que el erotismo es el diálogo en el
 que conviven el amor romántico y el amor apasionado, el deseo sensual y el amor carnal, y no sólo eso, sino que en él convergen la idea, las proyecciones, las fantasías, la represión, la complacencia y hasta el desfogue, es decir, la aceptación o rechazo, el placer estético o la agresión radica en el espectador.

Cualquier ámbito de creación artística es propicio para el tópico del erotismo: la literatura, con el Marqués
 de Sade, Émile Zola, Henry Miller, D. H. Lawrence
o Guillaume Apollinaire; la escultura —en la que por siglos estuvo disfrazado de escenas mitológicas—, en manos de Antonio Canova y Auguste Rodin; la fotografía, el grabado, el baile, el cine, las artes populares —en la forma de juguetillos, figuras, bisutería o coplas picarescas—.

Pero el tema que nos ocupa es el erotismo en la pintura, donde las manifestaciones de la libido, la imaginería sexual y el deseo carnal toman forma mediante el color, la composición y la sutileza o la audacia de la expresión plástica.

Tema del mundo entero

No hay cultura presente o pasada que no tenga manifestaciones artísticas del erotismo. Basta con revisar murales y bajorrelieves fenicios y mesopotámicos, glifos mayas, libros y estampas de la India o japonesas, el panteón griego y la mitología romana plasmados en esculturas, murales o alfarería.

En un origen se celebraba la fertilidad, y de la mano de ésta se exaltaba el cuerpo de la mujer como receptora de la semilla, y el del hombre por su poder de fecundación. La reproducción de los órganos sexuales dejó de exaltar la fecundidad para sublimar aquello que está en la libido, y que se carga de significados que cambian de una cultura a otra y de época en época, de tal manera que el cuerpo de la mujer es el objeto del deseo, y el del hombre se reviste, aún más, de fuerza y erotismo.

En Occidente, durante la Edad Media, el pueblo difícilmente podía poseer ilustraciones, figurillas o escritos y el hecho de que el conocimiento se preservara en los conventos y monasterios, provocó que el erotismo —que era totalmente público en la antigua Roma— entrara en un periodo de latencia que lo hizo aún más apetecible.

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Pero con el Renacimiento
 y el impulso de las técnicas de impresión, el grabador Marcantonio Raimondi y el dibujante Giulio Romano publicaron I Modi, una colección de estampas en las que se reproducían distintas posiciones del acto sexual; esta publicación provocó la consecuente reacción del Papa Clemente vii y entonces, Romano tuvo que huir a Mantua y Raimondi fue encarcelado.

Desde entonces el arte erótico ha sido como un adolescente que desafía a sus padres en busca de libertad, de ampliar el límite, de
recorrer la frontera, y de abolir la represión de la moral de cada época. En sus manifestaciones a menudo se conjugan hedonismo, culpa, crítica social,3 Ibid. doble moral y transgresión de los límites de lo aceptado, y resulta
 natural que se desdibujen y se confundan el arte erótico con lo obsceno y lo pornográfico.

Tres transgresores

Porque el espacio en Algarabía nunca es suficiente, nos limitaremos a exponer las obras de tres autores que creemos son el mejor ejemplo de cómo ese límite se ha distendido a través de los siglos. Esto nos ayudará a entender, por ejemplo, por qué la obra de Sade ha pasado de la clandestinidad a la legalidad o por qué la Venus de Milo se exhibe en el museo de Louvre tan naturalmente como si estuviera vestida.

François Boucher. Este pintor francés de finales
 del siglo xviii, protegido de Madame de Pompadour, descubrió el mundo frívolo que privaba en la corte por medio de un erotismo oculto en escenas mitológicas. La diosa Diana fue su personaje favorito y la justificación para mostrar senos descubiertos y vaporosas telas; el baño fue el pretexto para rodearla de ninfas, dioses y querubines que exaltaban la exhibición pudorosa de las carnes blandas y rosadas.

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Al retratar la vida cotidiana, recurrió a un erotismo elegante en el que la imagen insinúa la presencia de un observador invisible cuyo interés es el cuerpo yaciente de una mujer desnuda, o de un voyeurista que irrumpe en la intimidad de una mujer, como en Mujer orinando, en el que ni siquiera es necesario ver las carnes rosadas: el solo acto y la postura son estímulos suficientes para despertar el apetito sexual y afectar la sensibilidad.

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Los colores ocres y marrones que emplea Boucher contrastan siempre con lo que quiere exaltar: las carnes, los rosas, la suavidad, la sensualidad, el placer; todo se transmite mediante tonos luminosos que disminuyen
 la intensidad del fondo, pero que retratan a cabalidad camas que han pasado por una batalla pasional, ropajes, desorden, sillones, aguamaniles, mesillas, espejos de mano, cortinajes y hasta molduras en la pared.

Si quieres conocer a los otros dos transgresores y más sobre el erotismo en la pintura, en específico sobre la obra de Gustave Courbet y Egon Schiele, consulta Algarabía 69.

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Encuesta Algarabía 130 http://algarabia.com/encuesta-2/encuesta-algarabia-130/ http://algarabia.com/encuesta-2/encuesta-algarabia-130/#comments Wed, 13 May 2015 14:40:19 +0000 http://algarabia.com/?p=38391 Algarabía queremos hacerte algunas preguntas sobre bebidas. ]]> En la encuesta 130 de Algarabía queremos hacerte algunas preguntas sobre bebidas.

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Libros vs Películas vs Teatro http://algarabia.com/radio-2/libros-vs-peliculas-vs-teatro/ http://algarabia.com/radio-2/libros-vs-peliculas-vs-teatro/#comments Wed, 13 May 2015 02:00:47 +0000 http://algarabia.com/?p=38389 Existen historias que se convierten en grandes libros, en excelentes películas y/o en fabulosas obras de teatro.

Sin embargo, hay versiones que son grandiosas en el papel, pero en la pantalla o el escenario son un auténtico fracaso.

Pilar Montes de Oca y César Hernández nos hablarán de libros, películas y teatro en Algarabía Radio.


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Las canciones que escucharemos durante el programa son:
– «The Phantom of the Opera», de Emmy Rossum y Gerad Butler
– «Defying Gravity», de Idina Menzel y Kristin Chenoweth
– «Life is a Cabaret», de Liza Minelli
– «Belle», de Garou

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Las desventajas de haber evolucionado —los sinsabores de ser Homo sapiens— http://algarabia.com/ciencia/las-desventajas-de-haber-evolucionado-los-sinsabores-de-ser-homo-sapiens/ http://algarabia.com/ciencia/las-desventajas-de-haber-evolucionado-los-sinsabores-de-ser-homo-sapiens/#comments Tue, 12 May 2015 23:24:08 +0000 http://algarabia.com/?post_type=ciencia&p=38382 La evolución nunca ha sido miel sobre hojuelas. Si bien las transformaciones de adaptación al medio que han tenido nuestros organismos han sido graduales y nos han convertido en la especie dominante del planeta, a diario los humanos experimentamos pequeños —pero molestos, notables y a veces dolorosos— castigos a la soberbia de habernos erguido en dos patas. Aquí enlistamos diez de ellas.1 Esta información fue divulgada por Smithsonian Magazine en enero de 2011. [Trad. Francisco Masse].

La selección natural actúa «depurando» los organismos de los individuos de cada generación, cuyos genes y partes del cuerpo asumen otras funciones. Pero esta «depuración» nunca es del todo adecuada y, como resultado, todas las especies viven en cuerpos que resultan imperfectos para la vida.

Si nos detenemos a observar el hipo o las muelas del juicio, veremos que los humanos nos encontramos peor adaptados que muchos animales debido a las diferencias entre la vida salvaje en la que evolucionamos y el mundo moderno en que hoy vivimos.

1. Nuestras células son extrañas quimeras

Hace unos mil millones de años, los organismos unicelulares florecieron, se multiplicaron y, con el tiempo, dieron origen a todas las plantas y animales. Pero estos ancestros unicelulares eran resultado de una fusión: una célula que devoró —aunque no del todo— a otra; así, el depredador dotó a la nueva célula de su exterior, su núcleo y el resto de la «quimera»2 Monstruo engañoso e imposible, hecho de opuestos o deformaciones., y
 el devorado se convirtió en la mitocondria, el órgano celular que produce energía.

La mayor parte del tiempo esta simbiosis resulta amigable; sin embargo, a veces la mitocondria y el resto de la célula entran en conflicto, resultando en enfermedades como las miopatías mitocondriales o el Síndrome de Leigh, que afecta el sistema nervioso central.

2. Nos da hipo

Los primeros seres anfibios obtenían el oxígeno
 usando sus agallas en el agua o respirando aire con sus «protopulmones» si estaban en tierra. Para hacerlo, tuvieron que desarrollar la habilidad de cerrar la glotis —es decir, la entrada a los pulmones— y empujar el agua por sus agallas cuando se sumergían.

Nosotros, que somos descendientes de esos anfibios, conservamos vestigios como el hipo, que no es sino la contracción involuntaria de los músculos primitivos que solían cerrar la glotis. El hipo ya no cumple función alguna, aunque tampoco hace daño. Una de las razones por las que es imposible detenerlo a voluntad es porque lo controla una parte del cerebro que evolucionó mucho antes que la conciencia. Si no lo crees, intenta quitártelo.

3. Sufrimos dolores de espalda

Las espaldas de los vertebrados evolucionaron
 como una suerte de polea horizontal de la que colgaban los intestinos; era arqueada bajo el mismo principio mediante el cual los puentes forman arcos para soportar el peso. En algún momento, por razones que los antropólogos aún discuten, nuestros ancestros homínidos se irguieron, y esto fue el equivalente físico a poner un puente en posición vertical.

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Andar en dos patas tenía varias ventajas —como ver a larga distancia o tener las manos libres—, pero también cambió la forma de nuestras columnas vertebrales, de un puente arqueado, a la de la letra S. Esta letra, con todo lo bella que es, no está hecha para soportar nuestro peso, así que nuestras espaldas terminan por claudicar… consistente y dolorosamente.

4. Nuestros intestinos no tienen soporte

Desde que nos erguimos en dos patas, en lugar de ser soportadas por los músculos abdominales, nuestras entrañas cuelgan como cuando éramos cuadrúpedos. Los intestinos se ubican, entonces, sobre un montón de órganos internos, y sobre las cavidades de la pared abdominal por las cuales el escroto y sus nervios descienden durante el primer año de vida de los humanos.

Es por eso que, más a menudo de lo que quisiéramos, nuestros intestinos se abren camino por estas cavidades —como fideos escurriéndose en una coladera— y forman hernias inguinales.

El paso evolutivo de organismos unicelulares a Homo sapiens ha dejado en nuestros cuerpos lastimosas secuelas e imperfecciones congénitas.

5. Nos atragantamos

En la mayoría de los animales, la tráquea —que permite el paso del aire— y el esófago —que permite la entrada del alimento— están dispuestos uno sobre el otro, de modo que este último se encuentra bajo la tráquea;
 en algunos casos —en los gatos, por ejemplo—,
 estos conductos corren paralelos y horizontales 
antes de desembocar en los pulmones y el estómago, respectivamente.

No es el caso de los humanos, quienes hemos sufrido modificaciones para poder hablar, de modo que la tráquea y el esófago están muy abajo de la garganta; además, nuestra posición erguida hace que nuestros conductos sean casi verticales.

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Estos cambios provocan que lo que comemos o bebemos tenga 50 por ciento de probabilidad de caer en el conducto equivocado, de modo que cuando la epiglotis no alcanza a cubrir la tráquea, nos atragantamos. Es uno de los precios de nuestra llamada «supremacía», pues aunque los monos no cantan ni bailan, rara vez se atragantan. ¡Pero qué más da si uno tampoco canta ni baila!

6. Nos morimos de frío en invierno

Un pelaje —útil y casi siempre presente en los mamíferos— es como un tibio abrazo en un día helado. Pero los humanos, junto con otras especies, perdimos el pelo cuando empezamos a vivir en climas tropicales.

Aún existe un debate acerca de las causas de este cambio, pero
la explicación más plausible
 es que cuando los primeros hombres empezaron a vivir en grupos, sus pelajes se llenaban de garrapatas y piojos, así que los individuos más lampiños eran menos proclives a adquirir enfermedades asociadas a estos parásitos, y sobrevivían.

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Ser lampiño en África no era mala idea, pero en las regiones árticas tenía muchos inconvenientes. Así es la evolución: no anticipa hasta donde llegará el resultado de su trabajo.

7. La carne de gallina no sirve de nada

Cuando nuestros ancestros estaban cubiertos de pelo, ciertos músculos en la piel —llamados Arrector pili— se contraían y hacían que el pelaje se levantara. Cuando un gato está enojado o asustado, esos mismos músculos hacen que su pelo se erice, y también son los responsables de que las plumas de las aves o el pelo de otros mamíferos se esponjen para protegerlos del frío.

Ahora, a pesar de que carecemos de pelo, aún tenemos esos músculos erectores bajo la piel, y éstos hacen que se nos ponga «la carne de gallina» cuando nos asustamos o que nos den escalofríos cuando pasa un viento helado, fenómenos que, al final, no cumplen ninguna función.

8. Nuestros cerebros oprimen a los dientes

Una mutación genética en nuestros ancestros hizo que sus descendientes tuvieran cráneos amplios para resguardar cerebros más grandes. Esto podrá enorgullecernos, pero tal mutación se realizó robándole materia ósea a 
la quijada, dejándola más delgada y 
pequeña. Con nuestras quijadas no
 podemos comer alimentos tan duros
 como nuestros antecesores, pero con
 nuestros cerebros pudimos resolver 
el problema, usando el fuego y 
herramientas de piedra. De cualquier 
modo, nuestros dientes son más o
 menos del mismo tamaño que los de
 nuestros ancestros, y simplemente no 
tienen espacio suficiente en nuestras «nuevas» quijadas. En resumen: si tenemos que extraernos las muelas del juicio, es por culpa de nuestros «cerebrotes».

9. Engordamos

Muchas de las fallas de nuestro organismo se deben a cambios recientes: cambios en cómo usamos el cuerpo o estructuramos nuestras sociedades. El hambre fue 
un mecanismo evolutivo para hacernos salir a buscar comida; el gusto evolucionó para preferir los sabores de la comida que nos beneficiaba bajo esas condiciones —sal, azúcar, grasas— y evitar la que pudiera ser venenosa.

En las civilizaciones modernas tenemos más comida de la que necesitamos, pero los impulsos de hambre siguen siendo los mismos, y hay una «brújula interna» que nos lleva a donde ya no necesitamos ir: nuestro gusto pide sal, azúcar y grasas… y nosotros obedecemos.

10. La lista sigue…

No he mencionado los pezones de los hombres, el punto ciego de nuestros ojos o los músculos que algunos usan para mover sus orejas. Y es que estamos llenos de rescoldos de nuestra historia evolutiva, y nuestros cuerpos están formados por partes que alguna vez tuvieron una función distinta. Así que trata de sentarte en tu cóccix —el hueso que alguna vez fue cola— y flexiona tus tobillos —que antaño conectaron una pata a una garra—.

Todo esto no define quiénes somos, sino quiénes fuimos, ya que la evolución está hecha de pedazos. Y no estamos solos en eso: todas las plantas, animales y hongos cargan con las consecuencias del genio improvisado de la vida. Así que, ¡larga vida a las quimeras! Mientras tanto, te ruego que me disculpes: voy a poner a descansar mi espalda.

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Top 10: Animales que son los héroes de la película http://algarabia.com/top-10/top-10-animales-que-son-los-heroes-de-la-pelicula/ http://algarabia.com/top-10/top-10-animales-que-son-los-heroes-de-la-pelicula/#comments Tue, 12 May 2015 18:25:52 +0000 http://algarabia.com/?p=38368 En el cine y la TV, los animales también pueden ser los héroes que protagonicen la historia y realicen grandes hazañas, salven a los humanos o nos brinden momentos muy divertidos. Aquí te presentamos diez animales que son «los buenos de la película».

10. The Man from Hell’s River

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1925. Director Irving Cummings, con Irving Cummings y Eva Novak.

Primera de más de una veintena de películas esteralizadas por Rin Tin Tin, un pastor alemán que fue rescatado por un soldado estadounidense durante la i Guerra Mundial y que, al llegar a los ee.uu., alcanzó fama mundial en el cine.

Escenas en donde aparece Rin Tin Tin en 1925:

9. Steamboat Willie

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1928. Director Ub Iwerks y Walt Disney.

El ratón más famoso del mundo, Mickey Mouse, hizo su debut en este corto, que fue el precursor de la enorme lista de animales humanizados que estelarizan las películas y caricaturas de Disney.
Video de Steamboat Willie:

8. Lassie

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Lassie Come Home, 1943. Director Fred M. Wilcox, con Roddy McDowall y Donald Crips.

Es probablemente el perro más famoso del cine: una Collie que, luego de que sus dueños se vieran forzados a venderla, escapa de su nuevo amo en Escocia para regresar a su hogar, en Inglaterra.

Fragmento de la película Lassie Come Home;

7. Mister Ed, el caballo que habla

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Mister Ed, 1961. Con Allan Lane y Alan Young (TV).

Este caballo saltó a la fama en una serie estadounidense de comedia cuya trama giraba en torno a la increíble inteligencia y capacidad de hablar del animal.

Presentación de Mister Ed, el caballo que habla:

6. Flipper

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1963. Director James B. Clark, con Chuck Connors y Luke Halpin.

Un delfín rescata a una joven de un ataque de tiburones. El personaje tocó tan profundamente los corazones del público, que con su nombre se iniciaron campañas contra la caza de atún, pues esta práctica, de manera colateral, hería a los delfines.

Tráiler de la película Flipper:

5. Skippy el canguro

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Skippy the Bush Kangaroo, 1966. Con Ed Devereaux y Ken James (TV).

Esta serie australiana narra las aventuras de un niño que vive en un parque nacional y su cangur, un animal de inteligencia extraordinaria.

Escenas de la serie Skippy el canguro:

4. Benji

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1974. Director Joe Camp, con Patsy Garret y Allen Fiuzat.

La primera película de este famoso perro mestizo. En ella, su misión es rescatar a unos pequeños que han sido secuestrados, a los que sólo él puede encontrar.
Tráiler de la película Benji:

3. K-9: Súper agente

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K-9, 1989. Director Rod Daniel, con James Belushi y Mel Harris.

La historia de un pastor alemán entretado por fuerzas policiacas para asistir a un agente de la división de antinarcóticos, con quien crea un lazo de amistad y lealtad casi humano.

Tráiler de la película K-9: Súper agente:

2. Liberen a Willy

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Free Willy, 1993. Director Simon Wincer, con Jason James Ritcher y Lori Petty.

Willy es una orca asesina en cautiverio que demuestra sentimientos increíblemente parecidos a los humanos. Antes de que ésta sea sacrificada, un pequeño de doce años logra liberarla. El nombre de la orca que interpretó a Willy era Keiko, y su fama trascendió la pantalla grande.

Tráiler de la película Liberen a Willy:

1. Babe, el puerquito valiente

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Babe, 1995. Director Chris Noonan, con James Cromwell y Christine Cavanaugh.

Cinta que cuenta la historia de un pequeño cerdo inconforme con su destino, que se involucra en diferentes aventuras en la búsqueda de su sueño: convertirse en un perro ovejero.

Fragmento de la película Babe, el puerquito valiente:

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¿Super o súper? http://algarabia.com/tips-pa-salir-de-dudas/super-o-super/ http://algarabia.com/tips-pa-salir-de-dudas/super-o-super/#comments Mon, 11 May 2015 23:40:51 +0000 http://algarabia.com/?p=24168 tip-semana34

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Mafalda y sus amigos http://algarabia.com/ideas/mafalda-y-sus-amigos/ http://algarabia.com/ideas/mafalda-y-sus-amigos/#comments Mon, 11 May 2015 18:04:46 +0000 http://algarabia.com/?post_type=ideas&p=38350 Las aventuras de Mafalda no estarían completas sin sus amigos. Te presentamos una descripción de todos los integrantes de la tira cómica creada por Joaquín Salvador Lavado Tejón «Quino» en 1964.

Mafalda

A su corta edad, Mafalda rechaza al mundo tal cual es. Vive en un continuo diálogo con el mundo adulto, al cual no estima, no respeta, hostiliza, humilla y rechaza, reivindicando su derecho a seguir siendo una niña que no quiere hacerse cargo de un universo adulterado por los padres.

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En materia política tiene ideas muy confusas, no logra entender qué sucede en Vietnam, no sabe por qué existen los pobres, no se fía del Estado y está preocupada por la presencia de los chinos. Sólo una cosa sabe claramente: no está conforme.

Edad: 6 años —en 1964—
Primera aparición: 29 de septiembre de 1964.
Ama: A The Beatles, leer el periódico y escuchar el noticioso.
Odia: La sopa.
Frase memorable: «Si se trata de títulos, yo soy tu hija, ¡y nos graduamos el mismo día!».

Felipe

Además de ser vecino de Mafalda —ella vive en el segundo piso—, es el de la imaginación desbordante, la timidez excesiva y la angustia por la madurez que se debe asumir conforme crezcamos. ¿Quién no ha deseado que las clases se suspendan porque demolieron la escuela por error?

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¿Cuántas horas no hemos pasado imaginando las soluciones más descabelladas para evadir las tareas escolares, sólo para darnos cuenta de que invertimos más tiempo en pensar cómo no «hacer los deberes», que lo que hubiéramos tardado en resolverlos? La imagen de este eterno soñador está basada en el periodista argentino Jorge Timossi, un gran amigo de Quino.

Edad: 7 años —en 1964—.
Primera aparición: 19 de enero de 1965.
Domicilio: 371 de la calle Chile, Barrio de San Telmo, quinto piso.
Ama: Los crucigramas, El llanero solitario y a la niña Muriel —en secreto—.
Odia: Cualquier obligación.
Frase memorable: «Hasta mis debilidades son más fuertes que yo».

Susanita

Es el glamour, el anhelo de una vida llena del futuro perfecto del verbo
 amar: hijitos —lo «in» no es el control de la natalidad, sino ser una madre descontrolada—, y representa también la gran batalla de la gente cuyo problema de incomunicación radica en no poder incomunicarse. Es la
 más expresiva de toda la pandilla, y nada ni nadie escapa a sus redes de información… ni siquiera un local donde pondrán una juguetería, ni los gatos.

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Tiene el corazón lo suficientemente grande para preocuparse por los pobres, por ejemplo: sugiere que bastaría con esconderlos. Por cierto, «jamás ha dicho nada contra los cochinos negros».

Nombre completo: Susanita Clotilde Chirusi.
Edad: 6 años —en 1964—.
Primera aparición: 6 de junio de 1965.
Ama: El matrimonio y los hijos —sobre todo si son suyos—, un alto nivel de vida y, por encima de todo: a sí misma.
Odia: A los pobres, los divorciados y en especial a Manolito.
Frase memorable: «Amo a la humanidad, lo que me revienta es la gente».

Manolito

Hijo de un inmigrante gallego, es el prototipo del hombre de negocios de
 un futuro que ya nos alcanzó. Su orientación vocacional le ayuda a encontrar monedas en los sitios más improbables; es el único que tiene claro qué quiere ser de grande, y ninguno de sus amigos duda que algún día tendrá muchos millones —aunque a él le duele no ganar de una vez los intereses que el
 banco le dará por cuanto aún no posee—. Es el más bestia de todos —tanto por su fuerza bruta como por sus ideas— y némesis de Susanita: ella opina 
que debería ir al corchoanálisis, y él revira contestando que le asombra que 
los idiotas sí hayan salido a trabajar.

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Aunque a veces pierda la paciencia, tiene 
la serenidad suficiente para dejar callada a Susanita respondiéndole que los cheques de sus burlas no tienen fondos en el banco de su ánimo. Sus peculiares estrategias de mercadotecnia hacen que la gente del vecindario tenga muy presente el afamado almacén Don Manolo. Es lo suficientemente sentimental para emocionarse cuando ve cuánto han crecido los precios de su almacén con el tiempo. Una de sus mayores aportaciones a la economía es la «Teología del endeudado».

Nombre completo: Manolito Goreiro.
Edad: 6 años —en 1964—.
Primera aparición: 29 de marzo de 1965.
Ama: El sonido de la caja registradora, los balances y admira a Rockefeller.
Odia: Los libros no contables, a The Beatles, los hippies, los descuentos y, por supuesto, a Susanita.
Frase memorable: «El dinero no es todo en la vida, también existen los cheques».

Miguelito

Es el más tierno de los amigos. Nunca representará a los malos en los juegos
 de «policías y ladrones», pero es el primero en sacar los clavos para torturar prisioneros. Es quien más inclinaciones artísticas demuestra, aunque su chiste de los hacendados sea su primer fracaso literario —posiblemente tenga más éxito su libro Cómo pasar de tesorito de la casa a siempre el mismo estúpido— y sus covers del famoso trompetista de color no sean valorados ni por los perros.

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De firmes convicciones, es capaz de salirse de una reunión en la que no tengan el refresco que le gusta, y odia la hipocresía del felpudo de su casa. Es el que ha planteado una de las preguntas más duras que pueden existir: «¿De qué te sirve ser niño, si no te dejan ejercer?». Algún día el mundo lo reconocerá bautizando una calle con su nombre, pero como no confían en él y lo homenajean por anticipado, deberá esperar algunos años, aunque como ya todo está hecho, de momento él se dedica a descansar. Aunque amenaza que un día «dará el Miguelazo» desde
 el segundo piso donde vive.

Nombre completo: Miguelito Pitti
Edad: 5 años —en 1964—.
Primera aparición: verano de 1966.
Ama: A Miguelito —varias veces—, el jazz y los planteamientos inútiles.
Odia: Pasar inadvertido y tener la edad que tiene.
Frase memorable: «Yo lo que quiero que me salga bien es la vida».

Guille

Es el irresponsable con quien Mafalda comparte en condominio a su mamá y 
es uno de los personajes más divertidos. Tiene dificultades para repartir culpas 
y se siente rodeado por el exceso de candidatos a la presidencia —algo que compartimos muchos—. Su ingenio para crear al gatolupa, consumir «chupete on the rocks» y su amor por Brigitte Bardot hicieron de él un modelo a seguir
 de varias generaciones que también se atrevieron a huir de la censura en una versión plena.

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Si alguna ocasión usas anteojos por vez primera y tus conocidos se te quedan viendo como si fueras un bicho, podrías aplicar la genial respuesta de Guille: «¿Qué midáz? ¿Nunca vizte a un inteledtual?»

Edad: Es el único cuyo crecimiento es notable.
Primera aparición: Nació el 2 de junio de 1968.
Ama: Dibujar en las paredes, el chupete en todas sus modalidades.
Odia: Aún es pequeño, pero algo odiará tarde o temprano.
Frase memorable: «¿Y zi mejod la pateo?».

Libertad

La última en integrarse al círculo social de Mafalda, es la representación del espíritu guerrero del pueblo. Hija de una traductora del francés, el último pollo que comió fue escrito por Sartré.

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Podrá ser más bajita que Guille, pero no le mencionen el tema de la estatura, porque de ahí ella pasa al de la edad y tiene argumentos de sobra para deprimir a cualquiera. Es capaz de hacer una tormenta por un vaso de leche y de regodearse ante el placer de masticar una vaca en equipo; lástima que su hambre sea tan pura y simple.

Edad: Más de la que aparenta.
Primera aparición: 16 de febrero de 1970.
Ama: La cultura, la revolución, las reivindicaciones.
Odia: A las personas complicadas.
Frase memorable: «¿Por qué ustedes, los demás, no son simples?».

Los padres

Raquel se desvive, entre otras cosas, por mantener bien alimentada a su familia, aunque sus esfuerzos por llevar sopa a la mesa no sean valorados por Mafalda. Su padre, en cambio, padece con el trabajo de la oficina; entre sus muchos gastos están las cuotas del auto, pero sus esfuerzos se ven recompensados cuando su hija le dice que es más lindo ahora que cuando era joven.

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Además de su pasión por las plantas, una de sus mayores satisfacciones es cuando se convierte en un terrorista de la felicidad. Este rubio gordito puede obsesionarse con un «tiki-tiki- tiki» de su automóvil, pero no hay ansias que no calme —o intente calmar— fumando unas caderas —perdón, cigarros—.

Edad: El papá, 37 años; la mamá: se omite «por educación».
Primera aparición: El papá: 29 de septiembre de 1964. La mamá: 6 de octubre de 1964.
Aman: Se aman, aman a sus hijos, las plantas —él— y el Nervocalm —ambos—.
Odian: El final de mes, el costo de la vida.

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Vincent Van Gogh sólo vendió una pintura en su vida http://algarabia.com/datos-inutiles-2/vincent-van-gogh-solo-vendio-una-pintura-en-su-vida/ http://algarabia.com/datos-inutiles-2/vincent-van-gogh-solo-vendio-una-pintura-en-su-vida/#comments Sat, 09 May 2015 15:00:12 +0000 http://algarabia.com/?p=38347 s19-Datos-Inutiles-Post-WEB

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Ponte a prueba #121: Francia http://algarabia.com/quiz/ponte-a-prueba-121-francia/ http://algarabia.com/quiz/ponte-a-prueba-121-francia/#comments Fri, 08 May 2015 20:10:11 +0000 http://algarabia.com/?p=38325 La historia, cultura y tradiciones de Francia, a partir de las obras y personalidades involucradas en las revoluciones de las mentes humanas, han impactado al mundo en diferentes ámbitos.

En Algarabía 118 les presentamos «los clichés a la francesa», los emblemas de Francia, una muestra de su gastronomía y mucho más sobre el tema; ahora los ponemos a prueba para ver qué tanto conocen de esta cultura, más allá del croissant y sus vinos. Bonne chance!

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Groucho Marx: el amante sarnoso http://algarabia.com/quien-fue/groucho-marx-el-amante-sarnoso/ http://algarabia.com/quien-fue/groucho-marx-el-amante-sarnoso/#comments Fri, 08 May 2015 19:27:22 +0000 http://algarabia.com/?p=38330 En la película Everyone Says I Love You(1996) de Woody Allen, los invitados a una fiesta están disfrazados de un hombrecillo de bigotes pintados, cejas prominentes y lentes: todos quieren ser Groucho Marx.


Y cómo no, si Groucho fue un hito en el mundo del espectáculo, al ser el autor de un nuevo humor: brillante, inteligente y fresco. Además de ser amigo de Chaplin, T. S. Eliot, Humphrey Bogart y Orson Welles, fue —junto con sus hermanos— el responsable de que el cine no volviera a ser el mismo, porque hablar de Groucho Marx es hacerlo de un sello distintivo: el de la ironía y el ingenio, el del bigote y los lentes y el del puro interminable.

«El puede parecer idiota y actuar como idiota; pero no se deje engañar: él realmente es idiota», Groucho Marx

Groucho Marx creció entre retazos de tela, pues su padre era sastre, el peor: «Sus clientes eran fácilmente reconocibles, porque una de las perneras del pantalón era más corta que la otra».1 Charlotte Chandler, «Groucho, el gran cómico», en El País Semanal, 10 de mayo de 1998.

Su madre, con peluca rubia y corsé, visitó a cuanto agente pudo para encontrarles trabajo a sus cinco hijos en el teatro de espectáculo —el vodevil—, y lo consiguió. Cuatro de ellos, Chico, Harpo, Groucho y Zeppo, darían el gran salto al séptimo arte. Si bien Groucho fue considerado como la figura más importante y exitosa, las películas que ostentan el título de los Hermanos Marx son verdaderos íconos humorísticos.

«¿A quién le vas a creer? ¿A mí o a tus propios ojos?», Groucho Marx

De pequeño, Groucho no quería ser actor, sino escritor, y algunos años después lo consiguió. Aunque no abandonó su humor característico, sí hay una transformación palpable: mientras que en las películas es mucho más sencillo y cándido —de ahí se tomaron las frases que le han dado la vuelta al mundo—, en sus libros y relatos cortos hay crítica, escepticismo, acidez, profundidad y una ironía mucho más refinada.

Memorias de un amante sarnoso es su libro más exitoso y
 es, además, un referente obligado para acercarse a su obra literaria, de la que Algarabía ha echado mano en más de una ocasión. Para su deleite, reproducimos un texto2 Groucho Marx, Memorias de un amante sarnoso, Barcelona: Edhasa, 1993 —editado por primera vez en 1963—; pp. 39-41:

Cabalgando con mis hormonas

Las modas en medicina cambian casi tan a menudo como las ropas de la mujer. La panacea de la salud actual se convierte en el tóxico mortal de mañana. Muchos de los expertos en coronarias aterrorizan actualmente a sus pacientes con los terrores del colesterol. El hombre gordo de hoy en día se debate entre la glotonería y la supervivencia. Le han advertido que, si no elimina su exceso de grasas, está a medio camino del cementerio.

Los alimentos que se recomiendan actualmente son tan apetecibles como una dieta constante de papel secante. Los huevos son veneno y la gente rica que normalmente desdeñaba la margarina se relame ahora los labios como si fuera algo digno de comerse.

Anoche tomé la típica cena libre de 
colesterol: calabaza hervida, leche
 descremada y gelatina. Estoy seguro de que
 esto no me hará vivir más tiempo, pero creo que la existencia me parecerá más larga.

Recuerdo la época en que todos los niños eran 
operados de las amígdalas, si sus padres tenían dinero. Conocí a un chico que tenía un defecto en el paladar. Su madre lo llevó al médico. Aquel fisiólogo eminente no 
sabía cómo curar aquel defecto. Sin embargo, necesitaba urgentemente cierta suma de dinero para pasar otro año en la escuela médica y le arrancó las amígdalas. La madre quedó tan agradecida por el hecho de que le quitara las amígdalas a su hijo que, como extracción adicional, le permitió que le sacara también a ella el apéndice. Al cabo de unos meses se fugó con la mujer. El dinero también lo puso ella, pero ésa es otra historia.

Hace algunos años, el Testosterone ocupó las páginas principales de los periódicos. Se trataba de un suero mágico, procedente de Viena, que se había extraído de cierta parte del caballo. No voy a explicar públicamente de qué se trataba. Le diré únicamente esto: si no existiera esa parte, actualmente no habría ningún potro.

La teoría consistía en que si tomabas doce dosis de ese suero en un periodo de tres meses, conseguías el vigor y la vitalidad de un semental de cuatro años. Para un hombre de presión arterial baja y de ocasionales tendencias suicidas, aquello parecía simplemente el hallazgo de la legendaria fuente de la juventud y todo lo que esto implica.

Una hora después de haber leído aquel artículo apasionante, me encontraba en el despacho del médico recibiendo la primera inyección. Cada mañana, al levantarme, miraba lleno de esperanza el espejo en busca de mi desesperada juventud. Vi muchas cosas en aquel espejo. Vi un rostro decrépito con indicios de degeneración, unas mejillas flácidas y el hueco producido por quince o 20 dientes al caer. Lo que no vi por ninguna parte, sin embargo, fue algo que se pareciera a lo que yo esperaba.

Después de que el médico me diera el duodécimo jeringazo mágico, llegué de mala gana a la conclusión de que también aquello era una trampa y un engaño, que el médico era un bandido de perspectiva feliz, que lo que me había imaginado era un espejismo sexual al que no podría llegar nunca, a menos de que hubiera algo cierto respecto a esa estupidez de la reencarnación.

Al cabo de unos meses, mientras me dirigía a la casa de caridad, me encontré casualmente con aquel charlatán —quien iba camino del banco— que, hasta ahora, me había quitado de los pantalones 240 dólares y se los había metido en los suyos.

—¡Groucho! —exclamó, retrocediendo unos pasos a fin de observarme—. No, no puedes ser Groucho. ¿Eres tú el mismo hombre que vino a verme hace tres meses y que era una completa ruina? Si tienes el aspecto de un hombre que no ha cumplido aún 30 años. ¿Estás seguro de que no eres Tony Curtis?

—Claro que estoy seguro —dije de malos modos—. Soy Groucho Marx, y si aún no está usted convencido, iré a casa y le traeré mi licencia de conducir para que la vea.

Sonrió de un modo falso, pero prosiguió hablando con obstinación:

—Supongo que las dosis de Testosterone resultaron efectivas, de lo contrario habrías vuelto a visitarme. Estás como nuevo.

Luego preguntó, estrujando mi dinero en su bolsillo:

—¿Cómo te encuentras?

—Me encuentro acabado.

—Hum —gruñó mientras se acariciaba la oreja 
izquierda en una actitud reflexiva—. ¿Quieres decir que las inyecciones no surtieron efecto?

—Oh, las inyecciones me fueron estupendamente, doc, pero la medicina era un asco.

—Veamos —insistió—, ¿es que el Testosterone no te ha hecho nada al fin y al cabo?

—Bueno, sí que ha hecho —admití—. Ayer estuve en el hipódromo de Santa Anita e hice una milla en 2 minutos y 10 segundos.»

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Dalí Atomicus http://algarabia.com/desde-la-redaccion/dali-atomicus/ http://algarabia.com/desde-la-redaccion/dali-atomicus/#comments Fri, 08 May 2015 19:02:00 +0000 http://algarabia.com/?p=38329 Luego de 28 intentos frente a la cámara, algunos baldes de agua y varios gatos arrojados con suavidad durante seis horas de trabajo en el estudio, Philippe Halsman consiguió la fotografía que había imaginado para demostrar la suspensión del movimiento, y así representar la extravagancia del mundo surrealista que Dalí había comenzado a desprender de su mirada frenética.

El montaje para esta fotografía consistió en colgar algunos cuadros y atriles con cuerdas de piano, mientras la esposa del fotógrafo sostenía la silla que aparece a la izquierda de su encuadre; el marco sobre el caballete al centro está vacío, y a la derecha de éste se encuentra la «Leda atómica», una obra que Dalí daría a conocer un año después a tomar la foto y cuyo nombre es la referencia para esta increíble imagen.

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Ambos artistas visuales vivieron y trabajaron en París durante los años 30, pero se conocieron hasta 1941 en Nueva York, cuando ambos eran nuevos en esa ciudad. En abril de ese año Halsman fue asignado por la Black Star Agency para fotografiar la instalación que Dalí expuso en la galería Julie Levy de Manhattan. Su relación se volvió más cercana después de este evento, pues Halsman también retrató los disfraces holgados que Dalí diseñó para la producción del Ballet ruso en el Metropolitan Opera House.

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Philippe ya había ganado reconocimiento en la capital parisina, pues buena parte de la década de los 20 se dedicó a retratar a varios personajes ilustres de la época, con un cuidado especial sobre su proceso creativo para aprovechar el auge de las revistas como soporte para exponer sus fotografías.

Luego de que emigró a ee.uu., debido al acecho antisemita que traería la Segunda Guerra Mundial, Halsman consiguió readaptarse a su cultura iconográfica que acostumbraba la precisión en la imagen sin distorsiones, y se aventuró en el fotoperiodismo para revistas de moda y compañías cosméticas, consiguiendo que la prestigiosa revista Life empleara más de cien de sus fotografías como portadas para sus publicaciones.

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Desde 1941 Philippe y Dalí colaboraron en una variedad de proyectos fotográficos, de los cuales, Dalí Atómicus fue la más icónica porque el fotógrafo consiguió captar el movimiento, y el pintor quedó encantado por ser el protagonista de un retrato disparatado.

Halsman comentó en 1972 que el lazo con Dalí fue enriquecedor porque pretendían crear imágenes inexistentes, provenientes de la imaginación. «Cada vez que necesitaba de un protagonista notable para una de mis ideas, Dalí era graciosamente obligado; y cada que Dalí pensaba en una fotografía tan extraña que parecía imposible de producir, trataba de encontrarle una solución».

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Dalí Atomicus

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Panacea http://algarabia.com/palabrotas/panacea/ http://algarabia.com/palabrotas/panacea/#comments Fri, 08 May 2015 18:43:16 +0000 http://algarabia.com/?p=38328 Si lo que deseamos es encontrar la cura para todos nuestros males, debemos conocer esta palabrota.

Etimológicamente, panacea viene del griego πανάκεια, panákeia, que evoca directamente a la diosa Panacea, cuyo nombre a su vez proviene de panakes, «que lo cura todo» —de la raíz πάν, pán, ‘todo’, y de άκος , ákos, ‘remedio’—.

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Luego se transformó en el latín panacéa, que significa «remedio universal». En la mitología griega, Panacea era hija de Asclepio, dios dedicado a la medicina y a la cura de los enfermos, y de Epíone o Lampetia. Panacea y sus hermanos —Yaso, Higía, Macaón y Podalirio— ayudaban a su padre en su ardua labor y cooperaban en la creación de medicinas.

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Entonces, la palabra panacea —que no debemos confundir con la Pangea o con algún producto de la panadería— se refiere a un mítico remedio capaz de sanar todas las enfermedades e, incluso, prolongar indefinidamente la vida. Por ello los alquimistas —los mismos que querían transformar la materia en oro y que vivían persiguiendo otras transmutaciones poco plausibles— la buscaron durante mucho tiempo, y no sólo en su versión de fuente de la eterna juventud o como medicamento que curara todos los males, sino como la fuente de «la verdadera salvación»; se trata, pues, de «la pócima infalible», «el elíxir divino».

La panacea ha sido necesaria desde tiempos inmemoriales, y hoy nos serviría para solucionar los muchos males que aquejan a nuestro planeta, como las hambrunas, la escasez de agua o el calentamiento global. Sin duda, sería increíble disponer de ella en botecitos, emulsión, pastillas o jarabe, ¿o no?

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Sustantivos vemos: verbos los volvemos http://algarabia.com/lengua/sustantivos-vemos-verbos-los-volvemos/ http://algarabia.com/lengua/sustantivos-vemos-verbos-los-volvemos/#comments Thu, 07 May 2015 22:04:27 +0000 http://algarabia.com/?post_type=lengua&p=38316 La semana pasada acudí a mi cita con el dentista. Al salir, me indicó que pasara con su recepcionista para que me «agendara» una cita. Ese verbo, agendar, me dejó pensando, porque aunque lo he oído muchas veces —seguramente yo misma lo he dicho—, no estaba segura de si era una palabra que ya existía o se empezó a usar en fechas recientes.

Luego de revisar varios diccionarios, como el Diccionario del Español de Méxicodem— y el Diccionario de la Real Academia de la Lengua Españoladrae—, confirmé mis sospechas: el verbo agendar sólo se encuentra en el Diccionario de Americanismosda— de la Asociación de Academias de la Lengua Española.

Como lo indica este diccionario, agendar sólo se utiliza en el español de América —desde ee.uu. hasta Sudamérica— y significa: «Anotar alguien en una agenda datos o información. Considerar un tema problemático para su solución ulterior». Deriva del sustantivo agenda, por lo que es fácil inferir su significado.

Este fenómeno, en el cual los sustantivos son utilizados para crear verbos, se debe a que la evolución de la lengua permite que ésta se adapte a las necesidades de los hablantes y ofrece la posibilidad de inventar palabras nuevas —neologismos, del griego neo, ‘nuevo’ y λόγος, logos, ‘palabra’—, en este caso verbos.1 v. Silvia Peña-Alfaro, «Por los fueros de los hablantes», en El manual para hablar mejor; México: Editorial Otras Inquisiciones / Editorial Lectorum, 2009; pp. 21-23. En el idioma inglés se le conoce como conversión, el cual se refiere al uso de las palabras en dos contextos diferentes, por ejemplo, como sustantivo y como verbo.

Esto ocurre en muchas lenguas, entre ellas el español, los sustantivos son modificados para crear verbos relacionados con el significado del sustantivo, ya sea porque no existe un vocablo que exprese la acción que se quiere designar o para abreviar una idea, como en el caso de agendar.

Te presentamos una lista de verbos que hasta el momento no son reconocidos por la Real Academia Española ni por el Centro de Estudios Lingüísticos
 y Literarios de El Colegio de México, pero que son utilizados en el habla cotidiana.

Antagonizar. Este verbo no está registrado en el drae, pero sí en el dem y en el da. Significa manifestar rivalidad hacia una persona u opinión. Algunos de sus sinónimos son rivalizar, competir y contender.

Apanicar. Se utiliza para indicar que alguien cae en pánico o tiene un ataque de pánico. En el da aparece la palabra apanicarse, que significa «sentir pánico.»

Cliquear. Los avances tecnológicos trajeron consigo palabras nuevas. Tal es el caso de cliquear, que se refiere a hacer clic en un enlace o imagen. En España se utiliza su versión clicar. Posiblemente en poco tiempo esta palabra sea agregada por la Real Academia Española, como ocurrió con tuitear y chatear. Porque finalmente, la última palabra siempre es del hablante.

Conflictuar. Este verbo, derivado del sustantivo conflicto, se usa para indicar que algo o alguien causa problemas, tal como lo indica el da. Es probable que surgiera a partir de la confusión con la palabra conflictual que, según el drae, es un adjetivo que significa que algo o alguien es conflictivo, por lo tanto origina problemas o conflictos.

Credencializar. Tal vez este verbo —que aún no está registrado en el drae, pero sí en el
 da— surgió en el ámbito burocrático, ya que se emplea para referirse a la acción de emitir y otorgar credenciales.

Direccionar. Ni el drae ni el dem registran este verbo entre sus páginas. Los hablantes lo usan para indicar que se da dirección a algo, como sinónimo de los vocablos dirigir, guiar y encauzar.

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Gerenciar. Seguramente algún ejecutivo, en su afán
 de ser considerado un líder y ganarse el respeto de sus colegas, creó este verbo para referirse a todas las acciones y responsabilidades que implica el cargo de gerente en una empresa.

Liderear. El dem lo define como «encabezar una agrupación como dirigente de ella [...]». El da establece que su significado es: «Dirigir o ser el líder de algo». El drae indica que la palabra que se apega a esta definición es liderar.

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Mensajear / textear. Todo parece indicar que a alguien le dio 
flojera decir «escribir un texto» o «escribir y mandar un mensaje de texto» y prefirió resumir la idea en este verbo.

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Recepcionar. Tiene tres acepciones: 
la primera se refiere a las labores que
 desarrolla una recepcionista —«su trabajo
 es recepcionar en el edificio principal»—; el
 segundo significado es recibir —«es tu responsabilidad recepcionar el pedido y llevarlo a la bodega»—. El tercero proviene del da: «Recibir un aparato de radio o televisión las ondas de transmisión.»

Requisitar. Cada vez es más común leer esta expresión en vacantes de empleo o
 convocatorias para concursos,
 con el fin de indicar que los interesados deben cumplir
 con los requisitos necesarios. Aún no está reconocida por la rae.

Sanitizar. En el 2009,
 cuando se dijo que había una epidemia de influenza ah1n1 en México, muchos periódicos y portales aseguraron que el gobierno ya había sanitizado los vagones del metro
 para evitar contagios, es decir, los había desinfectado. No obstante la popularidad del verbo sanitizar y todas sus conjugaciones, el drae y el dem todavía no lo agregan a sus páginas.

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Estos son sólo algunos ejemplos de cómo la lengua va cambiando e incorporando nuevos vocablos y modalidades que luego serán la norma.

Texto publicado en Algarabía 122.

También te recomendamos:

Lenguaje tuitero
Glosario de nahuatlismos
Diccionario para sobrevivir en Yucatán

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Top 10: Madres memorables en el cine http://algarabia.com/enfilme/top-10-madres-memorables-en-el-cine/ http://algarabia.com/enfilme/top-10-madres-memorables-en-el-cine/#comments Thu, 07 May 2015 21:36:33 +0000 http://algarabia.com/?p=38304 EnFilme nos comparte diez películas en donde las madres son el centro de atención.

El tiempo pasa, algunos se van, otros vienen, las fronteras se mueven, los valores cambian, las formas de relacionarse también, pero hay un lazo que a pesar de los devenires se ha mantenido inmaculado: el de la madre con su hijo.

Aquí dejamos una lista, en orden cronológico, de películas que exploran ese amor que aparece de forma muy parecida al milagro, que se alimenta con el sudor del día a día y que, sin eximirnos de nuestra vana y viciosa condición humana, nos vincula con conceptos más allá de nuestro entendimiento.

10. Dos mujeres

La ciociara. Director: Vittorio De Sica, 1960.

En medio de los bombardeos de la Segunda Guerra Mundial; más allá de un estudio sobre la guerra y las consecuencias políticas, Dos mujeres se convierte en el retrato casi íntimo de una madre que lo da todo por mantener a salvo a su hija.

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Cesira (Sophia Loren) puede no entender completamente lo que está pasando en la guerra, pero le queda claro que su papel es el de proteger a Rosetta (Eleonora Brown). Los horrores de la violencia y la indiferencia social ante las injusticias marcarán a ambas, pero el amor de madre siempre quedará imborrable, por encima de todo.
 
Texto de JNM @Juletiux

9. Mamma Roma

Mamma Roma. Director: Pier Paolo Pasolini, 1962.

Un relato desgarrador en donde una mujer que se hace llamar Mamma Roma (Anna Magnani) trata de empezar una nueva vida luego de trabajar varios años como prostituta en las calles de Roma, por lo que empieza a vender frutas para poder vivir de manera decente con su hijo Ettore (Ettore Garofolo).

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A pesar de que él es su orgullo, la madre sufrirá al ver que el joven Ettore tiene un carácter débil y se encuentra rodeado de personas que lo manipulan a su antojo, lo que la obligará a esforzarse aun más por su bienestar.

Texto de ESR @RikyTravolta

8. El bebé de Rosemary

Rosemary’s Baby. Director: Roman Polanski, 1968.

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Más allá de si el departamento está embrujado, de si los vecinos le rinden culto a Lucifer o de si su esposo ha hecho un pacto con el diablo para tener éxito en su profesión de actor, el que Rosemary (Mia Farrow) dé a luz al hijo de Satanás refleja ese miedo de muchas embarazadas por la incertidumbre de no saber qué clase de persona traerán al mundo, y de si, llegado el momento, serán capaces de amamantar, cuidar y proteger a ese desconocido que solo por nacer tiene la comprometedora etiqueta de «hijo».

Texto de SOR @SofOchoa

7. Sonata de otoño

Autumn Sonnata. Director: Ingmar Bergman, 1978.

El que las relaciones cercanas se mantengan contenidas, con silenciosos resentimiento hasta que un día la olla exprés emocional estalla estrepitosamente, parece ser una característica de la forma en que se desarrollan en Escandinavia, particularmente en Suecia; al menos si nos atenemos a las que por décadas cinceló el maestro Ingmar Bergman en celuloide. En Autumn Sonnata, Liv Ullmann es la hija de una renombrada pianista, interpretada por Ingrid Bergman. La hija invita a su madre a pasar unos días a su casa; tienen más de siete años sin verse.

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Al principio todo es cortesía, buenos modales y esfuerzo sobrehumano por, a través de las palabras y los gestos, apuntalar la que quizá es la relación humana más emblemática, la de madre con hija, toda vez que con ella se hereda el legado de la procreación y cuidado de la especie.

Pero instante tras instante se resquebrajan todos los intentos, se agrietan las intenciones y por cada hendidura ocasionada se fugan los demonios que han tenido anestesiados por largo tiempo. Las recriminaciones, reproches, insultos y soterrados deseos, en un ambiente progresivamente claustrofóbico, son expuestos en todo su poderío gracias al trabajo de luz y cámara de Sven Nykvist y las arrebatadoras interpretaciones de consumadas actrices. Todo orquestado, como de costumbre, por el genio de Ingmar Bergman.

Texto de AFD @SirPon

6. Máscara

Mask. Director: Peter Bogdanovich, 1985.

A Rusty Dennis (Cher) le gustan las drogas y el alcohol, es parte de una pandilla de motociclistas con cuyos miembros —varios— comparte su vida sexual, no está interesada en trabajar y, sin embargo, es una madre perfecta.

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Su hijo Rocky tiene una enfermedad conocida como lionitis que desfigura los huesos del cráneo, lo cual le ha dado una apariencia nada agradable para quienes lo rodean.

Rusty se empeña en defenderlo demostrando que más allá de la vida que lleva —y que incluso se muestra dispuesta a cambiar— su amor maternal no tiene límites.

Texto de AVE @AloValenzuela

5. Madre e hijo

Мать и сын / Mat i syn. Director: Aleksandr Sokurov, 1997.

A Alexandr Sokurov siempre se le ha endosado el título de «heredero de Tarkovski», un honor y una carga simultáneamente. A este gran artista no le ha pesado; en cambio sí ha tomado en serio el prolongar el legado espiritual de su predecesor. Madre e hijo es un filme que Tarkovski seguramente habría querido hacer. Es una oda al amor de un hijo por su madre que estremece tanto por su belleza como por su simplicidad.

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Sokurov nos presenta el último día de vida de una madre y la forma en que lo vive con su hijo. No hay sentimentalismos ni drama, pero hay un intenso dolor que es retratado de forma cercana a lo onírico, que nunca se aleja del todo de la experiencia real e inevitable que ambos viven. Ecos de la Pasión de Cristo, a la inversa, resuenan constantemente en este magistral ejemplo de un amor trascendental, puro, pero inevitablemente trágico.

Texto de AFD @SirPon

4. Todo sobre mi madre

Director: Pedro Almodóvar, 1999.

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Las familias creadas por Almodóvar nunca fueron tan extravagantes como en Todo sobre mi madre, una cinta donde la palabra «madre» adquiere una profundidad casi inexplorada por los cineastas con el personaje de Manuela (Cecilia Roth), una mujer que inicia una odisea por la ciudad de Barcelona para encontrar al padre de su hijo y transmitirle una desafortunada noticia. Una película para las madres que no temen a nada para honrar el recuerdo de sus herederos.

Texto de ESR @RikyTravolta

3. Bailando en la oscuridad

Dancer in the dark. Director: Lars Von Trier, 2000.

La tragedia convertida en musical retrata los sacrificios que muchas madres son capaces de realizar por sus hijos. El vástago de Selma (Björk) se está quedando ciego por una enfermedad degenerativa. El dinero escasea y ella debe trabajar arduamente a pesar de que tiene la misma enfermedad y, por lo tanto, también está perdiendo la vista.

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La música, los sueños y el amor de madre como enemigos de la desesperanza y las dificultades a veces no parecen ser suficientes, pero Selma no se dará por vencida. Solo al ser una madre abnegada —refugiada no en lo que ve, sino en lo que escucha— Selma podrá obtener su libertad.

Texto de JNM @Juletiux

2. Mi madre

Ma mére. Director: Christophe Honoré, 2004.

No todas las madres son ejemplares, o al menos, no lo son convencionalmente. El director francés, Christophe Honoré, basándose en el libro homónimo de Georges Bataille, retrata en Mi madre la relación de madre e hijo desde una perspectiva perversa y escalofriante, donde el papel de la madre no es el de la tierna protectora, ni el de educadora de valores familiares, sino el de la guía sexual más intensa y libertina de todas.

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Tras la muerte de su padre, Pierre (Louis Garrel), descubrirá de la mano de su madre Hélène (Isabelle Huppert) la debilidad de la carne intrínseca en el ser humano, llevada hasta sus límites. 

@Juletiux

1. Tenemos que hablar de Kevin

We Need to Talk About Kevin. Director: Lynne Ramsay, 2011.

Ninguna madre sabe cómo será su hijo, pero todas están sometidas a esa ley no escrita y condenatoria que manda: amarás a tu hijo por sobre todas las cosas. Para Eva (Tilda Swinton), esas cosas son, para empezar, su vida de soltera, relajada, viajera y hedonista; algo que le cuesta hacer a un lado.

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Su hijo de instinto impecable no tarda en darse cuenta de la carga que él le significa y en hacérselo notar cobrándoselo en cada detalle, cada día de su vida, todos los años, hasta que ese comportamiento termina formándolo como criminal. ¿Contexto o naturaleza? No importa. Eva está condenada al menos a intentar amar a ese joven, mate a quien mate.

Texto de SOR @SofOchoa

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